Illustration de couverture : Happy Chikubi
Dessins d’llustration intérieurs : Alex Varenne
Schémas et photos techniques : J L del Valle
Conception graphique : Carole Peclers, Monique Plessis

© Éditions La Musardine, 2017.

122, rue du Chemin-Vert – 75011 Paris
www.lamusardine.com

ISBN : 978-2-36490-807-9

Ce document numérique a été réalisé par Nord Compo.

du même auteur

Photographies, éditions Secret, 2002

Origines, éditions Alixe, 2014

participation à des ouvrages collectifs :

Fetish Photo anthology 1,2 et 3, éditions Secret, Bruxelles Extrême Bruxelles

Il a été publié dans de nombreux magazines, entre autres Dèmonia, Wanda, Discipline, Couples, Lettres Magazine, Témoignages vécus, Cliché International, Sortilèges, pour la France, et à l’étranger : Cupido (Norvège), SM Stories (Italie), Union (Suisse), Secret Magazine (Belgique), Toy (Danemark), Die Schlag Zeilen (Allemagne), Libido (USA).

L’auteur s’engage à répondre, dans la mesure du possible, à toutes questions de lecteurs adressées à son adresse e-mail : jljdelvalle@yahoo.fr

Il essaiera également de répondre à toutes demandes de lectrices souhaitant se retrouver devant l’objectif et devenir modèle l’espace d’un instant.

Chaque fois que je photographie une femme,

j’ai l’impression de faire reculer les frontières de la mort.

Lucien Clergue

Il n’y a pas de bons ou de mauvais sujets,

il n’y a que la qualité du regard qui se pose sur eux.

Jeanloup Sieff

Un appareil photo n’a jamais fait une grande image,

pas plus qu’une machine à écrire n’a jamais fait un grand roman

Peter Adams

Qui n’a rêvé d’être « LE » photographe, celui qui prend en image et présente sous leur meilleur jour des mannequins, des modèles, ou de simples copines, ses maîtresses ou son épouse, avides d’obtenir des photos valorisantes d’elles-mêmes.

L’objet de ce petit livre est justement d’initier à la prise de vue érotique l’ensemble des personnes ne sachant par où commencer, ou ceux qui le désirent, mais « n’osent » pas.

Ainsi seront abordées toutes les facettes de la prise de vue, de la recherche de modèles à la réalisation d’images, via le choix du matériel photo, du local et des éclairages.

Vaste sujet que tout cela ?

Oui et non.

Il faut avant tout avoir soi-même un projet photographique, savoir vers quel type de photos on souhaite s’orienter.

Le plus difficile ensuite est de trouver pour la première fois quelqu’un qui veuille se prêter au jeu et vous donnera un peu de son temps en échange de quelques images que vous ne manquerez pas de lui offrir. Ce sera abordé dans le chapitre sur les modèles.

Quant à l’appareil photo, nul n’est besoin d’être richissime pour en avoir un qui donne d’excellents résultats : le numérique a grandement facilité les choses par rapport à l’argentique et toutes ses implications. Idem pour les éclairages, que le numérique a aussi beaucoup simplifié.

Une fois ces questions résolues, il faut procéder par tâtonnements (façon de parler !) : lors de la prise de vue, il ne faut pas hésiter à bouger les lumières ou le modèle pour obtenir le rendu souhaité.

Quand tous les éléments sont réunis, à l’instar de Gide écrivant « ose devenir ce que tu es »1, on dira :

« Ose être le photographe qui sommeille en toi ! »

1. Les Nourritures terrestres, 1897.

Avant-propos

PAROLES DE PHOTOGRAPHES,
ALEX ET ALEXANDRE

Avant de nous lancer dans l’étude systématique de l’art de produire des images érotiques, nous allons interviewer deux maîtres en la matière, Alex Varenne et Alexandre Dupouy.

Le premier, issu de la bande dessinée, est peintre, a publié des dizaines de livres, fait de multiples expositions et ne se cache pas de se servir de la photo pour ses dessins ou tableaux. Le deuxième, Alexandre Dupouy, est photographe, il a publié plusieurs ouvrages de photographies, mais est aussi éditeur et collectionneur de photos érotiques anciennes.

Tous les deux parlent de la photo avec une approche différente, mais leurs points de vue apportent un éclairage spécifique et, en montrant la façon dont chacun peut vivre la photo, sont quelque part complémentaires.

Alex Varenne

¨ Peintre et photographe ?1

n Je suis avant tout un dessinateur, je n’ai jamais fait de la photo dans un but artistique ou comme finalité. La photo, je m’en suis beaucoup servi pour ma documentation, pour les décors ou pour les modèles évidemment.

J’ai toujours dessiné des modèles et je ne voulais pas emmerder un modèle toute une après-midi avec une séance de croquis, alors je faisais plus de 100 photos comme ça, librement. Je ne lui imposais pas des poses, elle faisait ce qu’elle voulait. En fait, je n’avais pas besoin d’un modèle simplement pour des poses érotiques, je me contentais de la voir en train de boire, de fumer, les gestes quotidiens. Ensuite, dans une BD, elle est mise en scène et a tous les gestes courants. La photo est une documentation

Il y a toujours une séquence très érotique dans mes bouquins et d’autres séquences qui sont des liaisons. Je pense que pour qu’une femme soit érotique dans un roman ou une BD, il faut la montrer dans des positions autres qu’érotiques. Comment elle s’habille, comment elle mange… Une fille en train de manger, ça peut être très érotique.

Dans mes aventures amoureuses, j’aime bien emmener une femme au restaurant, la regarder manger, il y a une puissance érotique aussi. Comment elle bouge, comment elle marche.

Quand on fait une BD, le personnage, on le met dans toutes les situations possibles, descendre d’une voiture, marcher dans la rue… J’avais besoin d’une documentation variée.

¨ Lorsque tu t’es mis à la peinture, tu as continué à photographier ?

n J’ai plutôt utilisé des photos que j’avais faites pour la BD, J’avais une documentation ahurissante, plus de 5 000 photos. Si quelques-unes étaient artistiques, c’était involontaire, je ne cherchais pas à faire de la photo d’art. En fait je prenais tout, les mains, la façon dont elle tenait un verre, comment elle buvait en tirant la langue ou pas…

Je ne la photographiais pas tout de suite nue. Quand elle servait d’héroïne pour toute une histoire, je lui demandais aussi d’apporter des robes, des sous-vêtements, de changer de tenue. Le but final était érotique, mais j’aime bien amener les choses en donnant une présence à la femme… Il y avait quand même un investissement érotique pendant la photo, j’essayais là, par contre, d’être professionnel ! Si on faisait l’amour, c’était après le travail, après la séance.

¨ Gilles Berquet, à qui un journaliste disait : « Il paraît que vous couchez avec vos modèles » avait répondu : « Non je ne couche pas avec mes modèles, je photographie mes maîtresses. » Toi, Alex, c’est un peu ça ?

n Oui, tout à fait. Je n’ai jamais pris de professionnelles, donc c’était des filles avec qui j’avais des relations. C’était globalement des copines ou des copines de copines, jamais des professionnelles, parce que je n’ai jamais payé pour une séance… C’était plutôt des rencontres. Des filles que j’avais draguées, avec qui je pouvais avoir des relations amoureuses et qui du coup après n’avaient aucune honte à se montrer toutes nues, n’avaient pas peur.

Finalement, elles étaient très contentes de faire ces séances photo. Les femmes sont assez narcissiques, et l’idée d’apparaître dans une BD leur plaisait. Même les plus pudiques savaient qu’elles allaient être stylisées. En général, elles étaient assez flattées que je les photographie et qu’ensuite je les fasse passer en dessin dans une BD. Je n’ai jamais eu de refus, elles disaient : « C’est un honneur pour moi. » Ça les flattait et elles savaient que ça allait être pour un dessin. Comme elles admiraient ce que je faisais, elles avaient le sentiment d’être choisies pour elles, c’était flatteur.

Et j’ai même eu des modèles qui refusaient de poser pour n’importe quel photographe, mais le fait que je sois dessinateur ça ne posait pas de problème. Le photographe, on ne sait pas ce qu’il va faire de ses photos. Puis ça leur paraît plus facile la photo. De nos jours tout le monde fait de la photo et à part quelques photographes qui font vraiment de l’art, la plus grosse partie des gens qui font ces photos, ils veulent la trace d’une fille. Alors que pour un dessinateur, elles savent que ça va être sublimé dans un dessin. Pour elles, ça leur paraissait plus noble.

¨ Quels rapports tu as, toi, avec la photographie ?

n Il y a des photos qui m’ont marqué, même fait pleurer, mais c’est des photos de reportage plutôt, photos de guerre ou choses comme ça. À Saigon, dans le musée de la guerre, il y a la photo célèbre de la petite fille qui court toute nue, et il y en a une autre, je ne sais pas si elle est connue, mais tu vois un jeune, victime de la guerre, sans bras, et il dessine avec ses pieds.

Pour un dessinateur, ça m’a remué… Avec ma compagne, on est sortis du musée les larmes aux yeux. Tu as une puissance dans la photo !

Et il y a des photos qui m’ont troublé sexuellement.

Les plus belles photos que j’ai réussies c’est quand le modèle ne s’y attendait pas, ne posait même pas. Quelque chose d’inattendu que je n’aurais jamais pu imaginer dans mes BD. C’est ça qui est bien dans la photo, arriver à surprendre un geste, une attitude que tu ne peux pas imaginer.

Quand on a fait beaucoup de dessin, on a tendance à faire la pose sophistiquée, un peu mannequin. Et ça il ne faut pas le faire, l’intéressant c’est justement ce qu’on ne peut imaginer, l’inattendu.

Il y a des dessinateurs que j’aime bien, comme Manara, ils dessinent toujours la même femme, parce qu’ils ne prennent pas de modèle. Moi, toutes les femmes que je dessine sont très différentes, ce sont des beautés très différentes que je n’aurais jamais pu imaginer sans le service de la photo. La photo m’a servi à avoir des physiques, pas forcément canon, mais qui fonctionnent érotiquement.

¨ Ce que tu viens de dire me fait penser au photographe Jonvelle qui prenait des images volées, intimistes, dans les salles de bain : se laver les dents, le démaquillage…

n Il y en a qui ont compris cela bien avant. Degas, Il a fait beaucoup de photos de femmes nues et il arrive à faire des poses justement, qui ne sont pas du tout conventionnelles ou académiques. C’est pour ça qu’il a apporté quelque chose à la peinture. Mais c’est grâce à la photo qu’il a pu faire certains cadrages dans les tableaux.

¨ Qui étaient des cadrages photographiques ?

n Oui, absolument. Mais beaucoup de peintres utilisaient la photo au XIXe. La photo a changé la peinture, car tout un tas de peintres se sont dit : il y a tout un territoire féminin qu’on n’a pas exploré.

Au XIXe, c’était des modèles académiques qui posaient avec des poses antiques, des drapés, tout ça, et là, tout d’un coup, des photos de femmes dans des positions qu’on n’avait jamais vues ! Chez Degas, il y a des positions de femmes qui sont assez étonnantes. Je pense qu’il devait se servir de photos peut-être même issues de bordels.

¨ On a la subversion du classicisme par la photo ?

n Oui, je pense que ça a joué. À cette époque, je pense que ça a bouleversé la peinture. Même Rodin faisait de la photo, pour des poses.

¨ Donc, pour la photo érotique ?

n J’y ai toujours été sensible, mais ce n’est pas mon but ; si je n’avais pas été dessinateur, peut-être aurais-je été photographe…

Je ne suis pas un spécialiste de la photo érotique, de l’érotisme certainement, mais plus dessin, peinture.

J’aime regarder des photos de mes relations, ça prolonge le plaisir. Mais je ne suis pas le seul : tout amoureux de la femme ou de la femme qu’il aime, aime avoir des traces. Mais quand on peut le sublimer, c’est encore mieux, soit en faisant de la photo vraiment d’art, soit du dessin ou de la peinture.

Alexandre Dupouy

¨ Tu es collectionneur et photographe, comment en es-tu arrivé à l’un et à l’autre ?

n Je préfère le terme d’archiviste ou archéologue : « archéologue de la fesse », cela me va mieux. La découverte d’images érotiques dans les greniers de mon enfance a joué le rôle de déclencheur. Il s’agissait de ces cartes postales de nus produites durant la Grande Guerre, qu’on envoyait au front pour distraire et encourager les Poilus, leur faisant oublier leur chasteté imposée. Ces images d’une obscénité gentillette, mais d’une obscénité tout de même, contrastaient singulièrement avec l’érotisme offert, au début des années soixante, par les magazines que je subtilisais à mon père. Les premiers numéros de Lui, par exemple, où on avait du mal à distinguer ce qui se passait sous les chemisiers, n’étaient pas au top de la sensualité, contrairement à ce qui était affirmé à l’époque.

Mes activités de libraire d’ancien me permirent d’amasser de vieux documents concernant l’érotisme. De fil en aiguille, je me suis retrouvé avec un ensemble important d’images, datant des débuts de la photographie aux années cinquante. Ces recherches m’ont amené à fréquenter les gens partageant mon engouement. L’un d’eux me mit le pied à l’étrier, ou plutôt l’œil derrière un appareil. Ce monsieur, un Suisse qui se nommait Serge Nazarieff – donc s’avéra Russe –, et que je rencontrais régulièrement à la salle des ventes de Drouot, me sollicita pour le livre Jeux de dames cruelles, qu’il préparait chez Taschen. C’était en 88, je crois. Serge avait « plusieurs cordes à son arc » : écrivain, chercheur, collectionneur et photographe. Non content de s’intéresser au théâtre, à la numismatique, de publier des romans, il photographiait ses rencontres féminines et ses conquêtes, et plus particulièrement leurs « dos ». À la fin des années 80, il avait déjà deux-trois monographies à son actif, d’images un peu étranges, parfois dans l’esprit de Serge de Sazo ou d’André de Dienes, des photographes oubliés aujourd’hui.

Nazarieff découvre Formentera, l’île la plus petite des Baléares, à la fin des années 50, un « Paradis » qui deviendra le lieu de passage obligé des « Flower people ». Cette île a la particularité d’avoir des plages moitié textiles, moitié naturistes. Ainsi, on peut se baigner comme on veut, personne n’en écarquille les yeux, aucun malaise n’en résulte. C’est à cette époque que Serge se mit à photographier les filles qui le séduisaient, les choisissant toujours avec une silhouette bien « cambrée », valorisée par un bronzage intégral. En 89, quand j’ai commencé à le suivre – sur Formentera, avec mon appareil en bandoulière –, il se retrouvait parfois à faire poser les filles des femmes qu’il avait photographiées vingt ans auparavant. Tout ça était bon enfant. Il parlait plusieurs langues, se promenant sur les plages avec son book, expliquant qu’on ne les reconnaîtrait pas de toute façon, puisque – preuve à l’appui en montrant ses photos – il projetait de les photographier de dos ou de leur faire porter un masque. En quinze ans, et à raison de deux-trois demandes par jour, les filles que j’ai vues refuser se comptent sur les doigts d’une main. Il ne les payait jamais, mais leur offrait des tirages. Si la demoiselle était accompagnée, son ami les suivait en portant le matériel…

Donc un jour, Serge me dit : « Alexandre, fais tes propres photos. Puisque tu as des idées, que tu as une certaine conception de la photographie, le sens de ce qui est bien ou non, etc. » Moi, je ne l’écoute que d’une oreille, tout en trouvant l’idée assez excitante. Je le suis, partage quelques séances avec lui, sollicite Jocelyne, mon épouse, qui se lasse très vite de mes maladresses. Puis c’est la rentrée. Ne voulant renoncer, je mets le doigt au milieu de la bouche et m’interroge : « Comment je fais ? » Je feuillette quelques magazines, genre Chasseur d’Images et je découvre l’existence des photo-clubs. C’est là que je t’ai rencontré, chez Photo-Look, début des années 90.

J’établis alors mes premiers contacts, avec les modèles et avec le matériel. 92 est aussi l’année où je commence une « carrière » d’éditeur, ce qui m’amène à rencontrer d’autres éditeurs. Claudia Gehrke, une Allemande spécialisée dans les publications concernant l’homosexualité, me réclame des photographies anciennes pour publier dans sa revue Mein Heimliches Auge et, ayant aperçu mes images de « jeunes filles entre elles », me demande d’en choisir quelques-unes, toujours pour cette revue. Les photos plaisent à ses auteurs, qui en réclament pour illustrer leurs bouquins. Du coup, me voilà « semi-professionnel » avec des commandes – « Il faut une jeune fille nue avec une valise, il nous faut deux filles comme ça, etc. » Ma démarche d’amateur en prend un coup.

¨ Tu te considérais comme amateur ?

n Amateur n’est pas péjoratif. J’aimerais bien être le « Clovis Trouille » de la photo. Puis, j’ai déjà pas mal d’autres activités. Photographe, c’est le hobby. Bref, les photos plaisent et Claudia me dit qu’elle envisage de faire tout un livre, une monographie, avec moi. Me voilà maintenant complètement dépassé. Je ne prends pas ça au sérieux. Puisqu’on me bluffe, je bluffe. Je lui dis : « Je veux tant ». Stupéfaction ! Elle m’envoie les sous.

Pris dans un piège, certes assez gratifiant et valorisant, je conçois Scènes d’intérieur, un premier bouquin dont j’avais déjà réalisé la plupart des séries… Le livre marche bien, il est réimprimé et Claudia m’en demande un second. Je me retrouve donc avec un budget, et me fais un gros délire de décors, d’orgies de filles, pour Scènes orientales, des scènes truculentes inspirées par la peinture « pompier » du XIXe siècle, style Jean-Léon Gérôme. Alors, le côté photo-club s’estompe doucement, car de plus en plus de copines, ou copines de copines acceptent de poser.

¨ Tu fais de moins en moins appel à des modèles professionnels ?

n Difficile de convaincre des modèles même « professionnels » quand tu as trois photos noir et blanc, tirées sur papier plastique, qui montrent une jeune fille moins bien représentée que tes fantasmes, eux beaucoup trop soulignés…

Puis ton book s’enrichit petit à petit, les images sont publiées. Les modèles occasionnels qui ont cru en toi au début deviennent des amies. Alors, en feuilletant ton livre, lorsqu’elles vantent l’esthétique de tes images qui mettent leurs formes en valeur et le côté ludique des séances, il n’est pas difficile de trouver de nouveaux modèles parmi leurs amies. C’est le corpus même de Scènes Libertines. En plus d’être un hommage à la gravure érotique et à la peinture galante du Siècle des Lumières, ce troisième ouvrage voit l’arrivée des garçons. Ce qui ne m’était pas venu à l’esprit en commençant avec Nazarieff sur les plages de Formentera se concrétisait grâce à la complicité des couples mis en scène. Je pus ainsi me « calquer » à l’ambiance des gravures illustrant les livres licencieux du XVIIIe siècle.

Tout cela devait entraîner un quatrième livre qui se serait appelé Scènes mythologiques. Un peu las, j’ai commencé à ramer, peur de lasser aussi. En habillant les garçons avec des pieds de bouc, aurais-je vraiment fait des images différentes ? Tout me paraissait complexe, et le bouquin a été repoussé de trimestre en trimestre, depuis plus de dix ans.

¨ En fait, tu es devenu professionnel, entre guillemets, par accident, par les hasards de la vie ?

n Oui. Tout commence dans un bégaiement – « Ah, Mademoiselle on ne se connaît pas…, mais vous êtes jolie…, j’aimerais vous faire poser…, vous voir nue…, garder votre image… » –, pour évoluer vers une ambiance érotique et amicale, où le soir, un verre en main, on se dit : on va faire ça, et ça comme ça, le lendemain, on concrétise sur la pellicule.

¨ Et sinon dans tes rapports personnels avec la photo, quels photographes tu apprécies ou tu as en mémoire ?

n Moi, j’ai un « Maître », mentor et ami. C’est Gilles Berquet. Je trouve qu’il est la quintessence de « l’Artiste », que son œuvre foisonnante est fascinante, qu’il s’agisse des photos de ses débuts, avec leur côté un peu SM bondage, ou des pisseuses – de leur côté sérieusement pisseuses –, ou maintenant ses œuvres récentes, très dénudées, si je puis dire. Il a une évolution, une véritable vie d’artiste, quelque chose de très contemporain, incrusté dans son époque. Et comme tout artiste de talent, une technique maîtrisée et occultée pour ne laisser voir que l’œuvre. Ça se démontre d’ailleurs par le nombre de suiveurs – ou de plagieurs – qui se révèle au fil du temps… C’est quelqu’un d’important, représentatif de la charnière entre le XXe et le XXIe siècle, même s’il n’a pas la place qu’il mériterait, que ce soit à Paris-Photo, à la FIAC ou toutes autres foires d’Art contemporain. Il n’est pas reconnu comme il devrait l’être. Il est dépité quand je lui dis qu’il aura forcément son heure de gloire – comme tous les grands artistes – à un moment ou un autre, et que si ce n’est pas maintenant, il suffit d’attendre.

¨ Oui, gloire posthume…

n Exactement. Et ça, ça le gonfle beaucoup !

Gilles rassemble les obédiences, les nuances, les influences des gens que j’aime, qui vont des maîtres du XIXe – Auguste Belloc, Félix-Jacques Moulin, Louis-Camille d’Olivier – à des personnalités plus proches comme Helmut Newton, John Willie ou Pierre Molinier, en passant par des inconnus que j’ai découverts et fait découvrir comme Yva Richard et les frères Biederer. 

Voilà, je m’arrête à Berquet et Newton pour les contemporains. Dans le domaine du nu, bien sûr. Sans oublier les Années trente : Germaine Krull qui a fait peu de nu mais en a fait des superbes, Brassaï, « le Maître de la nuit », Jean Moral ou Roger Schall quand ils ont été vers le fétichisme.

¨ Et Mapplethorpe ?

n Mapplethorpe, oui… Mais il y a une violence, et une homosexualité revendiquée que je respecte à 200 %, mais qui n’est pas mon univers.

¨ Tu ne trouves pas un parallèle entre tes scènes et Witkin ?

n Non, pas du tout. Joël-Peter Witkin, c’est d’une grande élaboration, c’est très travaillé, mais est-ce encore de la photographie ?

¨ Tu penses que les tiennes sont plus spontanées, c’est ce que tu veux dire ?

n Oui et non. Certes, lorsque je décide de faire une image, il y a un clin d’œil à une iconographie érotique déjà existante, je me base sur des documents anciens qui existent déjà. Mais, au cours de la séance, quand tout va bien, je n’impose pas grand-chose. J’arrive avec un gribouillage que je montre à la demoiselle, lui disant que c’est le challenge, que je souhaite faire ceci ou cela. Je soumets un modèle au modèle, pour l’Orientalisme comme pour le XVIIIe siècle, mais principalement pour la position qui va conditionner l’éclairage. Ensuite, la séance évolue avec la spontanéité du modèle. Par leur personnalité, certaines m’amènent littéralement une étincelle, une « image », une inspiration que j’attendais, mais n’aurait pu exprimer seul. C’est l’effet Muse.

Je sais que cette dérive est à des kilomètres du travail de Berquet, qui a déjà sa photo dans l’œil et qui essaie pendant sa séance d’y aboutir. Witkin, pareil ; il monte un tableau en 3D. On peut citer aussi Pierre et Gilles, qui font une œuvre empreinte de kitsch et de magie où rien n’est laissé au hasard.

¨ Oui, tout est déjà calculé.

n Ce n’est pas du tout un reproche, bien sûr, c’est la façon de travailler des professionnels. Moi, je suis curieux des filles, j’aime les laisser s’égarer. Et quand elles acceptent d’être deux, trois, voire plus, là, le fantasme est exaucé. Je deviens le voyeur derrière mon appareil et c’est très excitant. D’autant plus excitant qu’après on me félicite, me disant : « Bravo, vous avez réussi à saisir ça, qu’est-ce que c’est bien ! » Oui, c’est doublement bien !

¨ Pour parler un peu du matériel, ce qui m’a pas mal surpris chez toi, c’est que tu es resté longtemps au 6x6, voir au 6x7, au moyen format ?

n Au début, Serge Nazarieff m’avait démontré qu’il ne fallait utiliser que du matériel d’occasion. Moins cher, de meilleure qualité. Il travaillait avec des boîtiers F2 Nikon, ne voyait que par ces 24x36 et deux ou trois objectifs. Il y avait le 55 mm… Du matériel qui valait quelques centaines de francs et datait d’une quinzaine d’années.

¨ Le fameux 55 mm macro de chez Nikon.

n Oui, le macro. Il avait aussi un 135 mm, une merveille pour le portrait. Et avec ça je m’éclatais. C’est d’ailleurs avec ce type de matériel que j’ai fait la plupart des photos pour Scènes d’intérieur. Après, le talent arrivant, je suis passé la gamme au-dessus, surtout pour avoir des négatifs plus grands. L’Hasselblad, la Roll sRoyce des appareils, me convenait moyen. C’est mon « précepteur » qui est intervenu. Gilles me recommande : « Passe au 6x7. Tes photos… pas mal… mais tu es en train de t’étriquer dans le format carré. Pentax fait un truc qui t’irait bien, vois par là… » Je découvre le Pentax 6x7, gros appareil avec poignée en bois ! Avec mon côté désuet, passéiste, pas moyen d’y échapper…

¨ Je vois, c’est la poignée en bois qui t’a fait craquer ?

n Oui, la poignée en bois, c’était tout un autre univers ! Et lorsque j’appuie dessus, ça fait « blom… blom… ».

¨ Oui, je le connais, un bruit extraordinaire…

n Le modèle est en train de poser. Toi, tu tournes autour, « blom, blom… ». Là, elle entend que tu es en train de la saisir, elle s’applique, se rajuste. « Blom, blom… », c’est très participatif.

Aussi, pour les flous involontaires, au 6x7, il faut vraiment le vouloir. Le boîtier est hyper lourd, il y a tout ce qu’il faut pour le tenir. Puis, c’est du sérieux, on ne peut pas mitrailler comme avec un 24x36. Lorsque tu as fait tes dix vues, tu as besoin de cinq minutes pour remettre un rouleau.

En fait, ça t’oblige à ne pas recharger au cours d’une pose, à ne pas fracasser l’ambiance, qu’un modèle parti sur un bon truc perde la dynamique. Donc, pour une image, tu n’as pas trop droit à l’erreur. Tu fais tes dix « blom blom » et tu passes à une autre pose.

¨ En fait, ça t’oblige à une certaine rigueur, plus que le 24x36.

n Oui. Aux antipodes d’aujourd’hui, avec ton téléphone. Tu fais trente photos, braquettant en quelques secondes, et après, tu gardes la bonne et tu vires les vingt-neuf autres.

¨ Et par rapport au numérique, je sais que tu scannes tes négatifs ?

n Non, non, pas du tout. Au contraire, toujours les vieilles méthodes… Lorsque je me suis retrouvé confronté au marché de la photographie, je savais que la réticente du public à ce « produit » venait de sa probable multiplicité. Je m’explique. Ceux qui n’ont pas l’habitude de manipuler de photographies pensent que chaque cliché existe ou peut exister sous la forme de dizaines de tirages, voire plus. C’est faux, bien sûr, pour les documents anciens qui, pour 99 %, sont des tirages uniques. Pour les photographies contemporaines, les artistes repoussent le problème en numérotant leurs tirages ; un sur cinq, un sur quinze, sur cinquante, etc. Cela peut rassurer certains « clients collectionneurs », mais donne aussi le résultat contraire à l’effet escompté. Car souvent, la quantité indiquée n’est pas réalisée. On voit des images numérotées un sur quinze qui n’existe que sous la forme d’une ou deux images tests et d’une nommé HC, offerte au modèle, qui de toute façon n’étaient pas incluses dans le compte, et d’une ou deux vendues. Il faut s’appeler Joël-Peter Witkin pour que les quinze soient pré-vendues aux galeries le représentant.

Donc, dès mon premier livre, j’ai voulu arriver à un document, incontestable et unique. J’ai choisi de faire passer mes tirages noir et blanc en couleur, ce qui m’enchantait, me ramenant vers la peinture, l’aquarelle, voire le dessin. J’ai retrouvé les techniques utilisées pour coloriser les photos du XIXe siècle aux années 30. C’est généralement à l’écoline. Ce qui est passionnant, c’est qu’il s’agit, pour les tirages barytés2, d’une encre qui rentre littéralement dans la gélatine. Mais pas seulement… En remettant l’image dans l’eau, tu peux jouer avec l’écoline, faire redescendre la tonalité des couleurs, pour ensuite en rajouter, etc. Jusqu’à ce que la gélatine se détruise. Là, tout est perdu… Il vaut mieux ne pas en arriver là. Tout ça, c’est du temps, bien sûr. Assez agréable… Je passe par mon labo pour faire le tirage, puis je fais mon virage. Ensuite, au calme, avec une bassine d’eau et des pinceaux, je rajoute la couleur de mon choix.

¨ C’est ça qui leur donne un côté unique qui peut intéresser un collectionneur ? En fait, tu opposes cette façon de faire à la reproductivité à l’infini via le négatif ou le numérique, ta photo est forcément unique…

n Oui, pour en arriver là, j’ai besoin d’un négatif, j’ai besoin d’un labo, j’ai besoin d’un papier baryté, j’ai besoin d’un virage. Ensuite, en ajoutant les écolines, j’en arrive à présenter un petit objet unique. Mais que je ne garde pas dans une boîte. Une image que je publie et qui finit dans un bouquin.

Ça, c’est le cheminement de Scènes d’intérieur et de Scènes orientales. Mais quand j’en arrive à Scènes libertines, je me suis un peu épuisé avec mes petits pinceaux. Quand tout allait bien, j’en faisais trois par jour, les plus longues en une journée. Pour un bouquin contenant cent cinquante photos, je peux compter six mois de travail, souvent enfermé, pour procéder à toutes les étapes. Donc, j’ai abordé les Scènes libertines avec une autre expérience qui est celle de l’Ekta : de la pellicule 120 Ekta. Je ne sais pas si c’est encore utilisé massivement, mais c’était magique et ça me plaisait beaucoup. Je « déconnais » volontairement au niveau de la prise de vue pour arriver à certaines « matières » qui me plaisaient beaucoup.

¨ Tu veux dire que tu jouais sur des sur ou sous-expositions pour modifier les coloris, des choses comme ça ?

n Oui et je trichais avec les consignes de pose sans le dire au labo auquel je confiais mes Ektas – j’ai toujours eu peur de développer mes rouleaux moi-même –, ce qui fait ça sortait jaunasse ou bleuté. Mais cela donnait ce que je voulais obtenir, pour à une ambiance XVIIIe siècle, une espèce de mystère, d’image un peu bizarre au niveau des couleurs, avec des tons qui n’étaient pas réalistes.

J’ai toujours voulu modifier la réalité, en trompant sur les couleurs, les profondeurs de champ, inscrire le fantasme dans un rêve… En trichant soit avec l’écoline, soit avec des Ektas un peu bidouillés, un peu ratés. C’est malheureux que ces originaux maintenant soient des Ektas, même les plus beaux possibles. Je ne peux qu’en faire des tirages. Quand j’ai fait l’exposition pour la parution de Scènes libertines, à part quelques tirages barytés, j’ai dû montrer des tirages numériques. C’est là ma seule relation avec le numérique. En fait, je n’ai pas vu arriver le numérique. Quand j’ai arrêté de faire des photos, il fallait payer très cher un trois millions de pixels… Après, l’argentique a disparu, quasiment…

¨ Dernière chose, j’aimerais que tu me dises quelques mots sur les modèles, non pas les copines modèles, mais vraiment les modèles, amateurs ou professionnels.

n Oui, bien sûr. Je me souviens des photo-clubs, style Photo-Look, comme des lieux fascinants. Le dimanche après-midi, on se retrouvait à une trentaine de personnes. On mangeait de mauvaises cacahouètes autour d’un verre de jus d’orange, on entendait sans l’écouter le compte-rendu du président de l’association. Puis, récréation, les vraies raisons de notre présence. Que ce soit modèle apprêté pour l’occasion ou photographe faussement décontracté, chacun jetait son book, en rougissant plus ou moins. Et là, quelque chose de fusionnel se mettait en place… Certes, il y avait, on ne peut en douter, un côté économique chez l’étudiante, la jeune chômeuse qui venait pour se faire un peu d’argent. Et il fallait aussi qu’elle soit un peu exhibitionniste. Certaines s’inquiétaient du résultat, d’autres s’en moquaient. Il y avait aussi le bulletin qui, avec ses photos noir et blanc mal reproduites, te faisait rêver sur les modèles absents. C’était une ambiance sympathique et connotée d’une sensualité rare.

J’ai là un souvenir très agréable. Curieuse relation des sexes, une sorte de marché entre modèles et photographes, où on payait des filles pour qu’elles prêtent leurs corps. Attitude qui ne se rapproche pas du tout de ce qu’il peut y avoir de malsain dans une relation prostitutionnelle. Il s’agit une complicité entre deux inconnus qui se découvrent le désir de réaliser quelque chose d’artistique, chacun avec ses moyens, le photographe avec ses connaissances techniques et ses idées, son coté artiste, et le modèle avec son corps, son charisme, son côté muse.

¨ Sa bonne volonté ?

n Oui. Et sa facilité à s’exhiber ou pas. Place intenable pour une jeune fille pudique.

¨ Le tout à l’intérieur d’un processus créatif…

n Oui, voilà. Ce phénomène n’est pas nouveau et perdure. Ce processus existe depuis la nuit des temps dans le monde de la peinture. Je m’intéresse beaucoup à l’histoire des peintres, dans l’intimité de leurs ateliers, la Bohême parisienne du XIXe siècle aux années 20 ; Montparnasse, Montmartre…

La relation sœurs ennemies entre la peinture et la photographie s’est développée dès le milieu du XIXe siècle. C’est assez curieux, car c’est toujours la même histoire : le modèle qui n’arrive pas…

Si la photographie est née avec le nu et si le nu s’est développé si vite, c’est que les modèles arrivaient en retard… Je schématise, mais, en gros, les photographes qui réalisaient des nus ont dit aux peintres académiques : « Pour faire ta peinture, sois désormais peinard. Ne t’impatiente plus à attendre ton modèle. Avec moi, tu l’auras toujours sous la main. Je vais te vendre une photo de nu et tu vas pouvoir travailler quand tu veux et être tranquille. »

Au début, les autorités ont un peu râlé : « Pourquoi est-ce que vous photographiez des nus ? C’est de l’impudeur. » « Non », ont répondu les photographes. « Nous, on fait des nus pour aider les peintres, les graveurs. C’est le progrès. » Les censeurs ont réfléchi, puis ont accepté. Les photographes de nu devaient déposer leurs photographies au Cabinet des estampes de la Bibliothèque nationale, et dès lors, pouvaient vendre aux artistes par l’intermédiaire des librairies : les mieux fournies étant celles situées autour de l’École des Beaux-Arts. Après, il y avait bien aussi le notaire ou le militaire pour en acheter également…

Le photographe et le libraire ne se préoccupaient pas de savoir si le client était vraiment artiste et ce que les photos devenaient… En 1900, les revues qui sont réservées aux artistes peintres sont, de fait, des revues de nu, vendues au grand public.

Donc au XIXe siècle, grand débat ; des peintres sont pour, des peintres sont contre, mais la photographie demeure et devient un Art. Les peintres n’attendent plus les modèles.

¨ Oui, on décale le problème.

n Maintenant, c’est les photographes qui ont ce problème ! La vie d’un photo-club, c’est un peu la place Pigalle à la Belle Époque, où il y avait marché aux modèles, tous les jeudis. Des filles qui tournaient sur la place, attendant des propositions, mais pas des prostituées, bien sûr. Les peintres qui venaient s’approvisionner savaient faire la différence. Il existait aussi des maisons, telles que celle de la rue Mouffetard, où pour tout un immeuble, ne vivaient que des Italiens qui posaient. Tu pouvais choisir du bébé au vieillard. De quoi faire des chérubins au dieu Chronos, en passant par la vierge Marie ou la déesse Vénus. Sorte de Photo-Look 1900…

¨ Une maison de modèles ?

n Oui. Tous du même pays, peut-être même de la même famille. Tout cela, pour en revenir aux photo-clubs, et dire qu’il y a une longue histoire de la relation de l’artiste avec son modèle. Modèles, pour photographie ou peinture sont très proches, c’est la même vocation. D’ailleurs, quelques-unes de nos amies posent aussi pour les Beaux-arts.

¨ Des filles qui posent pour des photographes et qui font aussi un peu de l’alimentaire en posant pour les Beaux-arts.

n De l’alimentaire, ce n’est pas tout à fait de l’alimentaire… Quand tu restes quatre heures sur place, nue dans le froid, tu ne peux pas bouger, tu es bourrée de crampes, qu’il faut que tu restes immobile, car il y a des jeunes gens, jeunes filles ou des artistes qui sont en train de te croquer, ce n’est ni un sacerdoce, ni de l’alimentaire. C’est plus mystérieux.

Pour anecdote finale, il est bien connu que le modèle ne se déshabille jamais devant les étudiants ou les artistes. Elle se déshabille dans une cache, son petit coin, et elle sort nue en tenue de travail. On retrouve un peu ça avec l’ambiance d’un photo-club, association de 1901. Ce côté, tout pour me plaire, qui mélange amateurisme, sensualité et mystère de la création…

1. Dans les interviews, les caractères en gras correspondent aux questions ou remarques de l’auteur.

2. Les tirages barytés sont faits sur du « vrai » papier photo. Par opposition aux tirages RC (résine coated), qui eux sont faits sur du papier plastifié. (Note de l’auteur.)

1. Du projet photographique

Le projet photographique est important à double titre. Il permet de proposer au modèle un type de prise de vue précis – jouer cartes sur table dès le début –, et d’éviter les errements au moment des prises de vues.

Étant établi que vous avez envie de faire des photos érotiques, voire plus, il faut savoir vers quel domaine s’orienter.

Plusieurs genres de photos érotiques existent :

LE NU ARTISTIQUE

Le nu artistique, mise en valeur du corps de la femme (ou de l’homme), jeux de lumière, courbes, silhouettes, contre-jour... Le nu artistique se rapproche du nu dit « académique », celui qui se pratique aux beaux-arts ou dans les écoles de dessin et de sculpture : si le pubis ou le sexe est montré, il fait partie du décor en quelque sorte, il est là au même titre qu’un bras ou un cou, on n’insiste pas dessus plus que sur les autres parties du corps.

LE NU ÉROTIQUE

Il s’agit de se centrer sur les parties (j’allais dire les parties tout court !) ou les zones du corps habituellement considérées comme érotiques, les seins, l’anus, la fente du sexe féminin, les grandes et petites lèvres, le clitoris, etc. Pour les hommes, ce sera principalement la verge en « situation », en érection, la chute des reins velue ou non, les testicules, l’anus, etc.

Deux grandes tendances coexistent dans ce genre de photographie : l’érotique soft, qui s’apparente au nu artistique en plus poussé et qui est qualifié de photo de charme, et l’érotique explicite où les modèles féminins n’hésitent pas à écarter leurs lèvres, ce qui s’appelle en termes techniques le « pink », ou « faire le pink », allusion au rouge/rosé de l’intérieur du sexe féminin.

Pour mémoire, on dira deux mots du glamour, une sorte d’ovni dans le monde de la photo érotique, qui se situerait en parallèle du nu académique et de l’érotique. Dans sa représentation, il se veut sage, même plus sage que le nu académique, puisque le plus souvent habillé, mais de par la mise en scène ou les accessoires utilisés, porteur d’une sensualité torride qui l’apparenterait de ce fait à l’érotique.

La photo de lingerie, si l’on en croit le nombre hallucinant de photos de bas nylon, de porte-jarretelles, de guêpières, de soutiens-gorge, de petites culottes, de strings ou de collants – et j’en oublie certainement – qui ont été faites depuis l’aube de la photographie est l’une des valeurs sûres de la fantasmagorie érotique1. Mais comme le disait Coluche, faisant un parallèle entre les statistiques et le bikini : « Ça donne des idées, mais ça cache l’essentiel. » La formule est parfaitement applicable à la lingerie et à sa photo qui de ce fait l’apparenterait au glamour en étant plus un érotisme suggestif que descriptif.

Encore qu’il existe des photos de lingerie très explicites où les modèles dévoilent allègrement leur anatomie la plus intime sans aucune gêne, vêtues de leur seul corset ou de leurs seuls bas à couture : ici, on rejoint la photo érotique, soft ou hard, en ce sens que la pièce de vêtement ou la soie des bas, loin de cacher la nudité, lui sert au contraire de faire-valoir. Le nu « habillé » faisant plus nu que le nu « simple ».

Pour expliciter ce phénomène, on peut dire que l’on passe du nu d’Adam et Ève, des tribus mélanésiennes ou des camps naturistes qui est un nu naturel et non érotisé, désexualisé, à un nu culturel dont l’effet est inverse : la norme dans les rapports sociaux interhumains, pour préserver, entre autres, la pudeur, étant de porter des vêtements, en laisser un peu, mais insuffisamment pour voiler la nudité, re-sociabilise le nu, et par ce biais le projette dans l’univers de l’interdit et de la transgression, et parfois de la vulgarité. Tous deux éveillant de fortes pulsions érotiques et sexuelles…

LE NU PORNOGRAPHIQUE

En faisant du nu très érotique avec des accessoires à caractères sexuels comme les godemichés, vibromasseurs et autres plugs, on glisse de la photo érotique à la photo pornographique.

Pour sourire, disons que le manche d’une poêle à frire ou d’une brosse à cheveux sera aussi considéré comme instrument à destination pornographique, ce qui importe ici en l’occurrence étant sa destination, non qu’il soit labélisé comme sortant d’un sex-shop.

Petite parenthèse hygiène et santé : précisons qu’en général les objets de la vie courante ne sont absolument pas faits pour une utilisation sexuelle – leur forme pointue ou rectangulaire, leurs textures ou tailles peuvent heurter, voire blesser. Ils peuvent aussi couper, ou leur matière en verre ou en plastique peut casser. D’une façon générale, ils sont à proscrire car potentiellement dangereux. Tout le monde connaît les gags sur les urgences et ce qui a été retiré des rectums masculins ou féminins… N’oublions surtout pas qu’en un moment de trop grande excitation, un godemiché à destination vaginale peut aussi être aspiré et perdu dans un anus trop gourmand. Les accessoires pour l’arrière (plugs), étudiés pour cet usage, ont une base plus large qui sert de butoir et interdit leur pénétration complète et ce genre de désagrément.

La plus grande prudence et la plus grande hygiène sont nécessaires. Certaines maladies dites sexuellement transmissibles ne le sont pas simplement par contact de sexe à sexe ou par relation bucco-génitale : les doigts ou des objets à la propreté négligée peuvent aussi être vecteurs de mycoses ou autres joyeusetés dont on évitera la liste…

Les objets gentiment qualifiés de gadgets, outre leur forme en adéquation avec le but proposé, se doivent donc aussi d’être parfaitement nettoyés et désinfectés, même éventuellement revêtus d’un nouveau préservatif s’ils font du tourisme d’orifices dans une soirée multipartenaires.

ALORS, ÉROTIQUE OU PORNOGRAPHIQUE ?

Pour en revenir aux différentes catégories de photographies érotiques, la frontière est plus une question de degré qu’un changement fondamental.

Le nu artistique poussé se rapprochera de l’érotique soft et l’érotique poussé flirtera avec le porno. On glissera du nu académique et du nu artistique au nu érotique plus ou moins poussé, du « charme » au pornographique sans partenaire(s), mais avec instruments. L’utilisation de godes et autre plugs, en induisant la notion de pénétration, fait glisser de l’érotique vers le porno.

C’est au photographe et au modèle de se donner les directions et les limites dans lesquelles évoluera la séance. Comme nous le disions au début, il est toujours mieux et plus correct de fixer ceci avant la prise de vue de manière à n’avoir pas un modèle qui a l’impression d’avoir en face d’elle (de lui)2 un photographe qui essaie d’en « avoir » toujours plus et, a contrario, un photographe qui a l’impression que la personne posant ne joue pas le jeu et essaie d’en « donner » le moins possible.

LES SCÈNES PORNOGRAPHIQUES

Dernier niveau dans l’échelle de Richter de la photo érotique, la photo carrément pornographique de couples, d’organes en pleine action copulatrice ou de prémices tels la fellation, le cunnilingus et autres caresses.

Là, le photographe se doit d’avoir deux modèles ou de poser avec sa compagne ou un modèle qui l’accepte (ce qui est nettement plus rare). Il se retrouve en situation d’être à la fois acteur et preneur de vue, ce qui réclame une certaine maîtrise aussi bien physique que photographique et également, pour certaines poses, de savoir positionner un appareil photo et se servir d’un retardateur.

Pour voir les choses avec humour, on dira que le retardateur doit être double, photographique tout d’abord, mais aussi physique, ce genre de situation s’accompagnant mal d’une éjaculation précoce…

Les deux modèles peuvent être de sexe différent, ou du même sexe. Les duos lesbiens, les photos de deux femmes ensemble sont une thématique assez récurrente. Là aussi, tout est une question de degrés. Il est possible de simplement jouer sur les lumières, les contre-jours, la tendresse et faire quelque chose de soft et très esthétisant, ou alors aller vers du plus hard. Ce sera au photographe de voir en fonction de ses désirs, et aussi, bien sûr, en fonction des personnes qu’il a en face de lui.

LES IMAGES FÉTICHISTES

La photo fétichiste est un genre tout à fait à part en ce sens que la graduation du soft au hard se trouve en quelque sorte occultée par la présence de l’objet ou de la situation fétichisés. C’est l’objet ou les objets du fantasme lui-même qui sont au premier plan : le reste, les corps, les sexes sont plus une toile de fond, une mise en valeur de l’objet ou de la situation proprement dite qu’on veut mettre en scène.

Pour être clair, il y a de la photo fétichiste très soft comme de la très hard (les Japonais en sont un bel exemple), mais globalement, c’est la situation de mise en scène qui prédomine.

Que ce soit fétichisme des collants, des talons aiguilles, des cagoules en latex, de la domination et ses accessoires, des tenues d’écolières, des lavements, de l’ondinisme ou autres pratiques, le corps sera toujours le présentoir, l’écrin servant de faire valoir au joyau qu’est l’objet fétichisé ou la pratique elle-même.

La photo sadomasochiste, variante de la photo fétichiste, appelée plus simplement photographie SM, a aussi une situation ou une pratique – celle de la domination – qui en est le fil conducteur. Celle-ci se matérialisant par des positions ou des objets tels les cravaches, les menottes, les tenues de cuir ou de latex, les cuissardes de dominatrice, ou encore le bondage dont le plus élaboré est le shibari qui sait allier emprisonnement de la personne, suspendue ou non, et esthétisme parfait3.

Que choisir ?

C’est à travers tous ces styles que le photographe passionné devra faire son chemin. D’aucuns préféreront la mise en valeur du corps par le nu artistique, d’autres, avec peut-être une vocation refoulée de gynécologue, iront vers du plus explicite, les troisièmes, fanatiques des bas photographieront les cuisses de leurs modèles gainées de soie noire, d’autres encore se focaliseront sur les pieds, etc. La liste serait sans fin.

Certains peuvent même se passer de modèle…

Pierre Molinier4 qui faisait ses autoportraits en bas et porte-jarretelles aurait-il pensé à l’époque où il les réalisait que ses tirages seraient plus tard tant recherchés ? De cette façon, chacun peut et doit aborder la photographie par l’angle qui l’inspire, le principal étant d’exprimer son côté artistique ou ses fantasmes dans la bonne humeur et surtout dans le respect de la personne qui accepte de poser.

1. À ce sujet, voir l’interview de Claudia et Samantha où, en tant que modèles, elles parlent de la demande récurrente, chez les photographes amateurs, du port de bas par le modèle. Le pied aussi, nu ou « habillé », semble être une valeur sûre, beaucoup de demandes le concernant. Le fétichisme du pied serait-il bien plus répandu qu’on ne pourrait le croire ?

2. L’auteur, ayant plus l’habitude de faire des photos avec des femmes, parlera le plus souvent et pour des raisons de simplification des modèles féminins, mais il est évident, mutatis-mutandis, que la quasi-totalité du livre reste valable pour des modèles masculins que la finalité de la prise de vue soit homo ou hétérosexuelle.

3. Ici aussi, la plus extrême prudence est de rigueur. Ne jamais oublier que des liens trop serrés peuvent couper la circulation, avec des conséquences désastreuses pour l’organisme. De même la suspension nécessite d’être sûr de la solidité de l’ensemble…

4. Pierre Molinier, 1900-1976. Photographe, mais aussi peintre et poète. Fétichiste des jambes, y compris les siennes, qu’il photographiait habillées de bas nylon.

2. Du matériel

Du numérique et de l’argentique

Depuis ses débuts, la photo s’est toujours caractérisée par l’exposition à la lumière d’un support sensible à cette dernière.

Pour faire court, disons que la photographie est née de la jonction de la camera obscura (chambre noire) et de certaines chimies sensibles à la lumière.

La camera obscura était connue depuis le Moyen Âge dans sa fonction de renvoyer une image inversée dans un espace assombri via un tout petit trou servant d’objectif, sur le fond d’une boîte, ou même sur un mur ou une toile de tente, en fonction de la taille du dispositif. Principe qui était même utilisé par les peintres.

Les produits sensibles à la lumière ont commencé à être perfectionnés et utilisés vers 1810-1830, et le trou permettant à la lumière de pénétrer la chambre noire a commencé à s’améliorer et se transformer en objectif à peu près à la même époque.

Ensuite, pendant plus de 150 ans, la photo a été placée sous le signe de la chimie.

LA TECHNIQUE ARGENTIQUE

Pour schématiser, disons que pour passer d’une image positive, c’est-à-dire telle que nous la percevons (paysage, visage, etc.), à une autre image positive telle que nous allons la voir couchée sur le papier, nous passons par un intermédiaire, le négatif. Celui-ci fonce à la lumière : plus il en reçoit, plus il s’assombrit. À condition toutefois, comme le papier photo, d’être trempé dans du révélateur chimique, autrement l’image reste virtuelle, latente.

Ce qui explique que sur un négatif vos cheveux clairs vont être foncés, ou que votre polo ou chemisier blanc sembleront noirs : c’est simplement qu’ils auront réfléchi vers le négatif et à travers l’objectif plus de lumière que vos chaussures qui étaient de couleur noire et serons presque transparentes sur le négatif.

Lors de l’agrandissement, c’est-à-dire de la projection de la lumière à travers le négatif vers le papier photo, la même chose se passe, ce dernier réagit aussi en fonçant proportionnellement à la lumière qu’il reçoit : on va retrouver les valeurs initiales, celles de la réalité.

Pour illustrer, disons que votre polo blanc va, par réflexion, donner une valeur très sombre au négatif, mais cette partie très sombre va moins laisser passer la lumière vers le papier photo lors de l’agrandissement qui dans le révélateur ne foncera presque pas, ce qui fait qu’on retrouvera le polo blanc d’origine.

Deux valeurs négatives s’annulant.

Une parenthèse pour dire que le processus est le même pour la photo couleur, sauf qu’il s’applique sur les trois couches rouge, verte, bleue du négatif et du papier photo.

C’est ainsi que fonctionnait la photo pendant près de deux siècles, jusqu’à l’avènement du numérique.

D’où l’obligation, pour la majorité de la population qui n’était pas équipée pour faire ses propres tirages, d’aller chez le photographe pour donner ses tirages photos à faire à partir de bobines de négatifs qu’on a, sauf les très jeunes lecteurs, tous connues. On imagine la gêne, la honte, l’angoisse d’aller porter des films très intimes au développement, en se demandant ce que va penser le laboratoire ? De mon anatomie, de ma sexualité, voire de mes turpitudes !

C’est d’ailleurs une explication partielle du succès des premiers caméscopes ou, bien avant, du Polaroid1 : On pouvait enfin filmer ou photographier tout ce qu’on voulait, même le plus intime, sans avoir des films super 82 à faire développer au labo du coin ou des bobines de film photo à donner à développer et à tirer au magasin qui quelques semaines auparavant vous avait rendu vos photos de vacances en famille…

Alléluia, alléluia ! Enfin, les apprentis caméramans ou photographes pornocrates pouvaient s’exprimer sans les inconvénients dont nous venons de parler, tout faire à domicile sans crainte aucune du jugement des autres !

LE NUMÉRIQUE

Maintenant, qu’on se rassure tout de suite, avec le numérique, c’est PAREIL !

Il suffit d’un appareil photo muni d’une carte mémoire, d’un câble et d’un ordinateur avec un logiciel adapté et le tour est joué. On est son propre labo photo, pas besoin de sortir, on peut corriger ses photos, les imprimer, les regarder à l’écran, les envoyer à des amis initiés, faire des montages, tout est possible.

Pour dire un mot de la technologie numérique elle-même, il n’y a pas de notion de négatif, c’est la lumière arrivant dans l’appareil qui active une cellule sensible au silicium : la photodiode. Celle-ci, activée, délivre du courant électrique et, plus il y a de courant, plus la luminosité est importante. En amont, un filtre sépare le spectre en trois couleurs rouge, vert, bleu qui activeront chacune un capteur spécifique pour envoyer des informations sous forme de signal électrique.

En schématisant à l’extrême, si on photographie un tissu violet sombre, avec 70 % de bleu et 30 % de rouge, sur les 3 capteurs, le bleu donnera 70 % du signal, le rouge 30 % et le vert quasiment rien. L’intensité forte ou faible des trois signaux additionnés, en plus de restituer la couleur du tissu, donnera la luminosité, forte ou faible, de la scène photographiée.

LE DUEL ARGENTIQUE VS NUMÉRIQUE

Une question qu’on entend souvent : en faisant abstraction des contraintes de l’argentique, qu’en est-il au niveau de la qualité intrinsèque ? Y a-t-il une réelle différence entre le numérique et l’argentique ?

Les contraintes, on vient de le voir plus haut, c’est l’achat des bobines de film, le fait d’avoir à les donner à l’extérieur à développer, faire faire les tirages, etc.

Une contrainte également dont on n’a pas parlé jusqu’à maintenant est celle du coût : une bobine de film noir ou couleur de 36 poses coûte entre 4 et 6 euros, une séance photo nécessite plusieurs bobines. À cela s’ajoute le prix du développement de celles-ci, la planche contact éventuelle, ensuite les tirages proprement dits… De plus, par rapport au numérique, l’argentique se raréfiant, les circuits grand public deviennent quasiment inexistants, ce qui oblige à passer en labo professionnel avec un coût d’autant plus important.

En ne prenant pas en compte ces contraintes financières, en terme de qualité, quid de l’argentique ou du numérique ?

La réponse est nuancée : tout d’abord pour la couleur, à l’heure actuelle et au vu de la qualité des capteurs et au vu de la qualité d’impression des tirages numériques, c’est sans conteste le numérique qui obtient la palme.

J’ai personnellement vu des tirages grand format sur des papiers métallisés, ou des papiers à haute dynamique qui n’avaient rien à envier aux meilleurs tirages faits en Cibachrome3, la netteté était là, la profondeur des couleurs et les nuances dans les ombres étaient là également. Rien à dire, sinon faire montre d’admiration devant un tel travail.

Pour le noir et blanc, il est vrai que, de même que pour la couleur, la qualité des papiers et des imprimantes de haut de gamme sont telles qu’il est dur de faire la différence avec un tirage argentique.

La trame d’impression est devenue si fine qu’elle est imperceptible à l’œil nu et le résultat n’en est que plus bluffant.

D’un autre côté, et les puristes affirment, concernant le noir et blanc, que l’on perd avec le numérique quelque chose d’essentiel, le grain lui-même de la pellicule, et le rendu de celle-ci.

Sans entrer dans trop de détails, disons qu’avec une Tri-X Kodak déjà assez sensible, mais « poussée »4 d’une ou deux valeurs, on avait beaucoup de grain, beaucoup de contraste également qui donnait à vos photos un côté reportage, un coté vécu absolument inimitable. Avec une T-Max, par contre, on arrivait dans un univers de douceur, de modelé qui lui était spécifique.

D’autres préféraient les Ilford Hp5 ou Agfa qu’on pouvait pousser en sensibilité en ayant moins de grain qu’avec une Tri-X, etc.

Après, tout ceci est une affaire de goût, mais la matière elle-même du film, composé de grains d’halogénure d’argent visibles à l’agrandissement donnait une espèce de matérialité aux images qu’on ne retrouve plus avec le numérique.

Certes, certains boîtiers professionnels proposent des rendus de pellicules, on peut choisir d’avoir le rendu de telle ou telle Kodak, ou le rendu d’une diapositive5 Fuji Velvia, par exemple, mais ça affectera uniquement la courbe des lumières, donnera des tons plus chauds ou plus froids, etc. Mais ne donnera aucunement la matière, le grain de la pellicule. Il existe bien sûr des logiciels comme DXO qui permettent de réintroduire dans les images numériques la texture, le modelé et le grain des pellicules les plus utilisées, mais est-il raisonnable de passer des heures à bidouiller des images pour leur redonner le look qu’elles auraient eu, prises il y a trente ans ?

Alors que choisir…

Oui, il est sûr qu’on a perdu quelque chose, mais d’un autre côté on gagne tellement en simplicité…

Pour ma part, je me borne à ré-étalonner les courbes lorsque nécessaire et à rajouter du contraste si besoin via Photoshop. Ce faisant, les résultats des sorties imprimantes sont plus que satisfaisants.

Dernier point qui peut rassurer les inconditionnels de l’argentique, mais c’est anecdotique, car d’un coût extrêmement élevé : à partir d’un fichier numérique il est possible de créer un négatif dont on pourra faire des tirages argentiques avec un agrandisseur et non une imprimante. Cette méthode de création de négatif s’appelle un flashage, mais le prix de revient le limite à un usage très ponctuel.

Pour conclure sur cette question des mérites du numérique et de l’argentique, pour la couleur j’ai tranché de façon assez catégorique en faveur du numérique, pour le noir et blanc globalement je conseille le numérique, mais malgré tout pour ceux qui sont passionnés de tirage photo dans leur propre labo en faisant leurs tirages eux-mêmes et sont toujours sous le charme magique de l’image apparaissant à la lueur rouge d’une lampe inactinique, je ne puis que les conforter dans leur choix, et s’ils ont la qualité en plus…

Mais soyons réalistes, si ce sont des photos pour un flyer, un livre ou un magazine, elles n’échapperont de toute manière pas à la numérisation…

De l’appareil photo

PIXELS ?

De nos jours, en numérique, le choix peut se résumer à peu de choses : plus un capteur est grand, meilleur est le résultat !

Affirmation qui mérite d’être un peu explicitée : maintenant, on ne vend plus un appareil photo, on vend un nombre de pixels. « C’est un 16 millions de pixels ! » ou « c’est un 20 millions de pixels ! », comme si ce simple argument des vendeurs était suffisant pour nous rassurer sur la qualité de l’engin.

Pour donner un ordre d’idée, 20 millions de pixels permettent d’imprimer en qualité professionnelle une image de 35x45 cm6… La première question à se poser est qui, à part les professionnels ou les artistes dans le cadre d’expositions, aura besoin d’imprimer en un tel format ?

Mais le réel problème est que pour des raisons marketing, sur les appareils grand public, à force de rajouter des pixels sur des capteurs plus petits que l’ongle du petit doigt, ceux-ci sont trop près les uns des autres, et dès que la situation photographique n’offre pas des conditions optimales de prise de vue, il y a apparition de bruit.Ce qu’on appelle le bruit en photo est la création de franges pourpres ou violettes qui parasitent l’image et la rendent inexploitable.

Ce qui se produit lorsque les photocapteurs sont à touche-touche, l’information reçue par l’un se mélange en quelque sorte avec celle de ses voisins les plus proches, d’où création de zones « bruitées » avec un mélange de noirs et de pixels violets.

En situation optimale en terme de quantité de lumière, par exemple à midi un jour au ciel dégagé, pas de problèmes, mais dès que la lumière baisse ou qu’il y a trop de zones d’ombres ou en intérieur ou encore lorsqu’on monte en sensibilité, le résultat n’est pas ce à quoi on peut s’attendre.

Le rendu global sera meilleur avec 10 ou 15 millions de pixels sur un capteur de taille honnête que 20 millions sur un plus petit, même si les premiers chiffres sont moins prestigieux…

Donc prudence, le chant des sirènes du marketing ne mènera pas forcément à des nirvanas photographiques.

REFLEX ?

Après avoir soulevé le problème des capteurs, grosse question : reflex ou non ?

L’appareil photo reflex se caractérise par le fait qu’un système de miroirs renvoie vers l’œil (à quelques pour cent près ou pas, selon les boîtiers7) exactement l’image qui va être prise en photo. Donc, en regardant dans le viseur, on voit exactement tous les paramètres composant l’image, tels la netteté, les contre-jours, les images parasites éventuelles, etc.

La différence avec l’écran arrière d’un compact ou a fortiori d’un téléphone est qu’on voit la scène elle-même, non à travers l’objectif, de façon optique, mais à travers un écran vidéo dont la texture gêne l’appréciation de la netteté ou encore qui ne permet pas de prendre des vues en plein soleil, l’écran devenant illisible.

En plus, on tient généralement l’appareil compact avec son écran à bout de bras, ce qui accroît les risques de flou de bougé et dernier point, sa légèreté travaille aussi contre lui : on aura des photos beaucoup plus nettes avec un appareil reflex pesant 800, 900 grammes ou plus et doté d’une inertie certaine, qu’avec un compact de 150 grammes qui ne demande qu’à trembler en même temps que la main.

FOCALES ?

Outre l’appareil et son maintien, la focale de l’objectif joue aussi un rôle. Au temps de l’argentique, mais c’est toujours vrai, on considérait que la longueur focale de l’objectif donnait la vitesse d’obturation en dessous de laquelle il ne fallait pas descendre. Ce qui se comprend aisément, avec un téléobjectif l’effet de levier est important et amplifie vos mouvements involontaires.

Deux exemples : avec un téléobjectif de 300 mm, par approximation, ne pas descendre en dessous du 1/250 et avec un 50 mm les vitesses plus faibles que le 1/60 seront à proscrire.

Sur ce point, rendons toutefois grâce aux constructeurs, les systèmes anti-bougés ont fait d’énormes progrès ces dernières années et permettent maintenant de descendre à des vitesses lentes qui auraient été impossibles il y a seulement quelques années.

Important : prenez toujours un système de stabilisation optique ou mécanique et non un système anti-bougé numérique.

Le premier, dans l’objectif, en détectant les chocs ou tremblements à l’aide d’un gyromètre, les amortit mécaniquement à partir d’une des lentilles fixées dans un système doté d’électro-aimants qui corrige en quelque sorte vos mouvements involontaires.

Le système mécanique, lui, fait bouger le capteur sensiblement de la même façon, mais à l’intérieur du boîtier.

Les deux sont extrêmement efficaces et permettent d’utiliser des vitesses deux ou trois fois plus lentes, même jusqu’à cinq fois pour certains des plus récents, avec une très bonne proportion de photos nettes. Il est toutefois conseillé de doubler ou tripler l’image par sécurité8.Quant à l’anti-bougé numérique, pour des raisons d’économies il n’a pas le système évoqué ci-dessus, il recalcule juste une image nette à partir d’une image floue et le résultat est à fuir.

Pour la petite histoire, on citera un dernier « anti-bougé » qui lui, fait sourire : il consiste juste à augmenter la vitesse sans demander son avis au photographe. Il s’agit d’un argument de vente qui apparemment a été utilisé sur certains téléphones portables.

Deux derniers points en faveur des reflex :

Premièrement, comme on l’a vu plus haut, la taille des capteurs numériques : celle-ci est bien plus élevée qu’avec les compacts grand public, et c’est un gage de qualité de la photo.

Globalement deux tailles de capteurs dans les reflex : le format FX, full frame, plein format en français, c’est simple, le capteur fait exactement la taille d’un ancien négatif 35 mm, soit 24x36 mm. L’intérêt est que, outre le fait que les pixels ne se « chevauchent » pas, on retrouve exactement la focale des objectifs de l’argentique.

L’autre taille, c’est le format DX, avec un capteur de type APS-C qui fait environ 15x24 mm. Là, comme c’est plus petit, pour des raisons optiques on devra appliquer un coefficient multiplicateur de 1,5 sur ses objectifs. Un grand angle le sera un peu moins, par contre un téléobjectif gagnera en puissance…

Sinon, il faut prendre des optiques conçues pour la taille de capteur APS-C où, par exemple, un zoom 18-55 mm équivaudra à environ un 28-70 mm avec un appareil Full Frame.

Sur ce format aussi, somme toute assez grand, pas de problèmes de bruit généré par une trop grande densité de photosites.

En guise d’illustration, disons qu’en plein format, FX, il y a des boîtiers qui montent à 50, 45 ou 42 millions de pixels (respectivement : Canon Eos 5DS, Nikon D850, Sony Alpha 7 Rll), avec une qualité époustouflante. En format DX il y a des boîtiers de 12, 15 ou 24 millions de pixels sans défauts. Un des plus utilisés a été le D300 ou D300s, qui avec ses 12 millions de pixels et une fabrication très robuste, a tenu avec juste raison le haut du pavé pendant plusieurs années.

Deuxième point en faveur du reflex, la possibilité de changer d’objectif, ce qui offre un énorme avantage : on peut adapter l’objectif au type de prises de vues envisagées.

OBJECTIFS ?

Pour faire des portraits, on prendra un objectif de 85 ou 105 mm qui ne déforme pas le visage, contrairement aux grands angles qui, au niveau perspective, jusqu’au 50 mm, ont tendance à éloigner les arrière-plans. Ce qui, en caricaturant volontairement, et dans le cadre d’un portrait, donnera par effet de déformation un gros nez et de petites oreilles loin derrière. On se retrouve loin des canons esthétiques habituels… Les objectifs cités plus haut, de 85 et 105 mm, n’ont pas ce défaut. À l’inverse, les forts téléobjectifs, type 300 mm, ont tendance à « aplatir » l’image.

Pour des paysages ou dans une pièce exiguë, on se servira d’un grand angle. Par contre, pour faire de la photo animalière, de sport, ou des photos prises de loin, discrètement, on utilisera un téléobjectif. Une ballade touristique amènera à emporter un zoom transtandard9 se prêtant aux diverses situations de la journée, etc.

Ci-dessus : un boîtier reflex muni d’un objectif macro de 60 mm et de gauche à droite, un zoom 75-300 mm à fort grossissement, un grand angle de 24 mm, un objectif standard de 50 mm et enfin complètement à droite un téléobjectif de 180 mm de focale ouvrant à f/2,8 donc très lumineux.

Ainsi le changement d’objectif permet de coller à la réalité, d’avoir toujours le matériel adapté au but proposé.

Mais, parlant d’optique, et ce qu’on va dire est valable pour tous les appareils, compacts ou reflex, choisir toujours de préférence l’optique la plus claire possible, celle qui laisse entrer le plus de lumière, ce qui permet d’avoir des vitesses plus rapides et de moins risquer un flou de bougé. Ainsi une optique ouvrant à 2 fera rentrer quatre fois plus de lumière qu’une autre ouvrant au maximum à 4 et donnera plus de latitude. C’est simple et inversement proportionnel, plus le chiffre est grand, moins de lumière pénètre10. Donc, privilégier toujours des objectifs, zoom ou non, ouvrant à f/1,4, f/1,8, f/2, f/2,5 ou f/2,8, c’est-à-dire très clairs ou rapides, plutôt que ceux ouvrant à f/3,5, f/4, f/4,5 ou plus.

Concernant les reflex, l’envers du décor est d’une part le prix total de l’appareil plus divers objectifs et d’autre part tout simplement le poids de l’ensemble… Ceux qui ont déjà trimballé toute une journée un sac photo avec au minimum un boîtier et deux ou trois objectifs seront d’accord là-dessus.

Sinon ces deux défauts mis entre parenthèses, c’est incontestablement le reflex qui fera mettre un pied dans la photo et en ouvrira toutes les possibilités.

COMPACT EXPERT ?

Apparemment donc, c’est sans solution, d’un côté le compact « grand public » d’une qualité discutable et doté d’un capteur minuscule, ou alors le matériel professionnel ou tout du moins « amateur éclairé », avec un prix et un poids dissuasifs.

Heureusement, il existe une troisième voie, un type de boîtier non encore évoqué et qui permet de faire des photos de façon plus qu’honorable.

Il s’agit des compacts dits « experts » ou « semi-professionnels ». On en voit un exemple dans la photo ci-dessous, au milieu, entre un appareil « grand public » en bas, et un boîtier reflex en haut.

C’est une variété d’appareils qui, sans avoir toutes les qualités et la souplesse des boîtiers reflex, se situent déjà dans une gamme largement au-dessus des compacts lambda.

À la demande d’une certaine clientèle d’amateurs avertis ou de professionnels souhaitant un appareil d’appoint, les constructeurs se sont mis à faire des boîtiers délivrant de très bonnes images et permettant de se libérer du tout automatique, de prendre si besoin la main sur l’appareil pour lui imposer vitesse, diaphragme, sur ou sous-exposition, etc.

Attention à ne pas confondre compact « expert » et appareil dit « bridge ». Car ces derniers appareils ont la prétention de tout faire, un zoom de 20, 30 ou 50 fois, une soi-disant visée reflex qui n’en est pas une : on regarde sur une petite télévision qui est dans le viseur et à part fatiguer les yeux, cela n’apporte pas grand-chose… En plus, ils ont de tout petits capteurs, avec une face avant très proéminente, énorme zoom oblige, c’est-à-dire quasi l’encombrement d’un appareil reflex pour le résultat d’un compact grand public. Bref…

Pour en revenir aux compacts dits « experts », ces appareils réunissent différents atouts.

Ils ont un poids d’environ 300 à 500 grammes qui les rend aisément transportables dans une poche ou un sac tout en étant suffisant pour amortir quelque peu les vibrations.

De plus, concernant les vibrations, ils ont un stabilisateur optique efficace et non un vague algorithme de renforcement de netteté.

Ils ont en général un capteur plus grand que les appareils grand public avec donc des photosites plus espacés assurant une limitation du « bruit », comme on l’a vu plus haut, en cas de basse lumière ou de montée en sensibilité.

Concernant les capteurs, beaucoup en possèdent un d’environ 13x9 mm, ce qui est déjà bien mieux que les capteurs autour de 6x4 mm appelés 1/2, 1/2,3 ou 1/2,5 des appareils grand public. Certains, presque 30 %, ont un capteur APS-C d’environ 15x22 mm, le même que certains reflex, ce qui est aussi une garantie d’excellents résultats.

Ils ont un objectif qui optiquement est à la hauteur. Selon les constructeurs, on peut choisir entre une focale fixe très lumineuse ou un zoom moins lumineux, mais avec plus de souplesse en prise de vue.

Ils ont souvent un viseur optique qui autorise à se passer de l’écran arrière si besoin.

Et, cerise sur le gâteau, pour ceux qui souhaiteraient s’approcher au plus près du corps de ces dames (ou messieurs), un mode macro autorisant à faire des photos entre un et cinq centimètres du sujet selon les constructeurs et les modèles d’appareils.

Afin d’être bien clair : ces boîtiers ne remplaceront jamais un reflex, mais raisonnant en termes de prix, un très bon appareil reflex de type semi-professionnel ou professionnel sera entre 1 000 et 5 000 euros le boîtier nu, c’est-à-dire sans les objectifs.

Par contre ici, pour un budget entre 300 et 700 euros, on a déjà quelque chose dans les mains permettant de faire vraiment des photos, voire par la suite pouvoir les donner à un imprimeur, ou faire des sorties grand format pour une exposition sans avoir honte de ce qui est présenté en terme de qualité.

Il existe une sous-catégorie de compacts experts nommée hybrides, à ne pas confondre avec les « bridges ». Les appareils dits « hybrides » ont, en plus de rentrer dans la catégorie « expert », la possibilité de changer d’objectifs ce qui peut être très intéressant, c’est ce qui les rapproche des reflex, mais le plus souvent la visée se fait à travers un viseur électronique, comme pour les « bridges », ce qui les en différencie11.Quant à leur poids, sans rivaliser avec un reflex, il est généralement plus musclé que celui des compacts.

MES CHOIX PERSONNELS

La conclusion de ce chapitre sur le choix de l’appareil photo s’impose par elle-même : en en ayant les moyens, le reflex, avec ses objectifs interchangeables, est le meilleur choix, sinon un compact de type expert équipé d’un capteur de taille raisonnable et d’une bonne optique donnera les meilleures satisfactions. Ce qui peut d’ailleurs être le premier pas : si on devient vraiment « accro » à la photo, on peut passer par la suite à du matériel d’une autre catégorie.

Personnellement, j’ai deux boîtiers Nikon reflex, avec une petite dizaine d’objectifs, de l’ultra grand-angulaire au téléobjectif puissant. Un des objectifs que j’utilise le plus pour du nu ou de la photo érotique est le 60 mm macro qui permet de s’approcher très près si besoin, tout en délivrant de très, très bonnes images en terme de netteté.

Quelques mots pour rendre hommage à Nikon qui a su conserver la même baïonnette depuis 1959, ce qui fait que de très vieux objectifs, mais d’une qualité époustouflante, peuvent encore être utilisés sur les boîtiers numériques professionnels les plus récents (le mot professionnel est utilisé ici volontairement, car les boîtiers reflex grand public ne les gèrent pas).

J’ai ensuite comme boîtier aisément transportable un ancien Canon G10, de type compact/expert qui, avec 15 millions de pixels et un objectif incroyable de qualité, me permet d’avoir de très bons résultats sans partir avec un sac trop lourd. Il fait tout de même ses 400  grammes, je ne le prends avec moi que sachant que je vais m’en servir.

Enfin pour la vie courante, j’ai toujours dans la poche un petit Canon 85is, d’une centaine de grammes, appareil de quelques années aussi, mais qui avec ses 10 millions de pixels et une très bonne optique, me permet de prendre les photos se présentant de façon inattendue, mais aussi avec son excellent mode macro me sert comme un calepin pour mémoriser un article de journal par exemple.

D’aucuns se servent de leur smartphone, ce qui est très pratique, et si jusqu’à maintenant les résultats photographiques ne semblaient pas encore rivaliser avec un véritable appareil photo12, depuis ces toutes dernières années la question se pose véritablement, des progrès considérables ayant été faits. Quant aux marques, sans vouloir faire de publicité, disons que pour les reflex, Canon et Nikon ont plus d’une cinquantaine d’années d’expérience dans ce domaine et ça se sent. Il y a bien sûr d’excellents boîtiers reflex dans d’autres marques : entre autres, la série alpha de chez Sony ou les Pentax série K, mais les deux marques citées en premier offrent en plus une telle quantité d’objectifs pour toutes les situations, que c’est difficilement trouvable ailleurs. Ce qui explique d’ailleurs une forte clientèle professionnelle sûre de trouver l’optique dont elle a besoin que ce soit à l’achat ou aussi très facilement à la location pour un usage ponctuel.

Leica est un peu à part, dans la mesure où leur boîtier emblématique, la série M, n’est pas un reflex, mais un appareil à visée télémétrique et si une qualité exceptionnelle est au rendez-vous, le prix le réserve, hélas, à des amateurs ou de professionnels très fortunés. La visée télémétrique ne passe pas à travers l’objectif, mais par une petite fenêtre à quelques centimètres de celui-ci et la mise au point consiste à faire coïncider deux images. Il y a des inconditionnels. Un des principaux arguments est l’absence du miroir de renvoi d’image qu’ont les reflex, d’où moins de vibrations, on peut utiliser des vitesses plus lentes et aussi, discrétion, pas de bruit généré par le claquement de ce même miroir.

Pour en revenir au choix de l’appareil, pour les compacts experts : Canon, Nikon, Panasonic (avec bloc optique Leica) et les derniers modèles Sony (avec bloc optique Zeiss)13 sont très bien conçus. Globalement, dans toutes les marques, il y a de bonnes et de moins bonnes gammes. En gardant à l’esprit ce qu’on a vu, c’est-à-dire un capteur de la plus grande taille possible pour un type d’appareil donné et un objectif zoom ou non, mais le plus lumineux possible, un choix pertinent devrait être possible.

QUE FAIRE D’UN APPAREIL « GRAND PUBLIC » ?

Un dernier petit mot à l’attention de ceux qui ne disposeraient que d’un compact « grand public » ou d’un « bridge », sans avoir les moyens de passer à un modèle expert, même d’occasion, et a fortiori un reflex : ne pas désespérer, faire des images correctes est possible à condition de prendre certaines précautions.

Tout d’abord, il est bon, si c’est possible, de désactiver sur le boîtier la gestion automatique de sensibilité pour lui imposer 100 ou 200 ISO maximum : au-delà, il y a de fortes chances pour que les images délivrées commencent à fortement se dégrader. Le corolaire en est de toujours s’assurer une lumière suffisante, avec des spots ou en travaillant avec le maximum de lumière du jour.

Il est préférable également d’éviter d’utiliser le zoom car utilisé en mode téléobjectif il va encore réduire l’arrivée de lumière dans l’appareil, d’où vitesses lentes, grand risque de bougé, et en conséquence photos floues14. Donc, se cantonner à la focale de base qui est un grand angle et faire avec, si l’on peut dire. Par contre, le mode macro ne changeant rien à l’entrée de lumière, on peut l’utiliser sans arrière-pensée, à condition toutefois de faire attention à ce que la présence du photographe près du sujet n’amène pas une zone d’ombre…

Enfin, dernier point déjà évoqué : éviter de tenir l’appareil à bout de bras, ce qui amplifie encore les risques de bougé. Si l’appareil photo a un viseur optique, l’utiliser en le calant bien contre le front, prendre aussi l’habitude de serrer un ou les deux coudes contre le corps ce qui accroît la stabilité15. Autrement, s’il est muni d’un simple écran, ce qui est en général le cas, l’appuyer contre un support, même improvisé, permettra de mettre plus de chances de son côté. Pour résumer ce qui vient d’être dit : gardez à l’esprit que le capteur étant tout petit, et les lentilles de votre objectif n’étant certainement pas faites avec des verres spéciaux ou traités antireflets, il est bon de ne pousser ni l’un ni l’autre dans leurs derniers retranchements. Donc pour le capteur, toujours une lumière confortable et pour l’objectif aussi, éviter si possible les lumières parasites, les contre-jours, etc.

En suivant ces conseils, il est possible en faisant attention, même avec un appareil qui n’est pas un « foudre de guerre », d’arriver à sortir quelques images dont on n’a pas à rougir. L’intérêt ici, puisqu’il faut savoir rester positif, est que si on arrive à sortir des choses correctes avec un matériel perfectible, le jour où on se retrouve possesseur de quelque chose de vraiment bien, on fait un substantiel bond en avant. Généralement, la dureté de l’école est génératrice d’excellents résultats par la suite, ce qui est d’ailleurs applicable à une infinité de cas dans la vie courante : parmi les meilleurs danseurs ou danseuses en danse moderne ou contemporaine, ne trouve-t-on pas ceux qui sont passés par le très dur apprentissage du classique ?

LE PRIX ?

Ce chapitre sur l’appareil photo serait incomplet si n’était pas évoqué l’achat du matériel qui, outre un investissement financier, est aussi un investissement dans le rêve, une hypothèque prise sur un futur de formidables photos à réaliser.

Il y a deux options : soit l’achat neuf, soit l’achat d’occasion, c’est en fonction de son budget, mais aussi de son vécu par rapport aux objets. Certains aiment que leur nouveau jouet soit neuf, ils veulent être les premiers à s’en servir, que ce soit voiture, télévision ou appareil photo. D’autres s’en moquent éperdument, privilégient les économies possibles et se soucient même fort peu de la garantie en comptant sur leur bonne étoile…

Les meilleures opportunités d’achat neuf peuvent se présenter lors de soldes de matériel ou de fins de série au moment du changement de modèle dans une gamme. Souvent les constructeurs passent d’un modèle à l’autre en changeant des détails insignifiants et le fait d’acquérir celui de la génération précédente n’aura qu’un impact très limité, voire nul sur les photos qui sortiront du boîtier.On citera pour mémoire les derniers perfectionnements à la mode, GPS, Wifi, écran tactile ou orientable, etc. Et si on peut carrément douter de la nécessité des deux premiers, par contre les deux suivants semblent apporter un petit plus, mais en y réfléchissant on se rend compte qu’ils apportent surtout un élément supplémentaire de fragilité au boîtier.

Le devenir dans le temps d’un écran tactile soumis à un emploi intensif semble incertain, plus incertain en tout cas qu’un écran non sensitif et protégé par une bonne épaisseur de plastique transparent. Quant à la charnière de l’écran orientable, au bout de quelques années d’usage aussi, l’avenir dira si la méfiance de l’auteur était justifiée…

Outre les soldes, une intéressante opportunité peut se trouver dans les kits, où, en plus du boîtier, est fourni un objectif de base, et souvent le prix de l’ensemble est moins élevé que les deux pris séparément. Mais attention à la qualité de l’objectif car, par exemple, lors de l’achat d’un appareil de 20 ou 24 millions de pixels, il faut être sûr que l’objectif, son pouvoir de résolution, soit capable de transmettre pleinement au capteur l’information qu’il reçoit, autrement on se retrouve avec des photos « molles », sans véritable netteté ni contraste. En fin de compte, on incriminera la qualité du boîtier, alors que c’est la qualité médiocre de l’objectif qui est responsable.

Un dernier moyen aussi de payer un peu moins cher le neuf est de se tourner vers les soldeurs professionnels ou les sites marchands sur internet (Cdiscount, Priceminister, Amazon, etc.), mais le prix moindre se paye le plus souvent par le fait qu’il n’y a pas de garantie magasin, seulement celle du constructeur, avec à la clé, s’il y a un problème, emballage et envoi postal sous votre responsabilité, le tout avec un délai de réponse plus ou moins long.

Pour un achat dans une boutique, justement, et sous réserve de faire un chèque d’un montant substantiel, il est toujours possible de négocier un peu le prix de l’ensemble pour paiement comptant, ou sinon d’obtenir, à titre de geste commercial, en plus et gratuitement des accessoires style carte mémoire, sac, etc. Ou une extension gratuite de garantie qui peut aussi être négociée. Après, c’est fonction du charisme de l’acheteur, de son pouvoir de persuasion et du sens commercial du magasin. Faire jouer la concurrence peut aussi être une aide.

À titre personnel et pour le petit matériel style batteries de téléphone ou d’appareil photo, grip16 pour reflex, clé USB ou cartes mémoire, j’ai pour habitude de passer mes commandes sur eBay Hong Kong en utilisant la fonction « buy it now », où les prix sont vraiment intéressants, de l’ordre de moins 30 à moins 80 % sur ceux auxquels on est habitués. Ce site s’affiche en chinois ou en anglais, il suffit de prendre ce dernier pour y naviguer confortablement. Ici il ne s’agit pas de se servir d’eBay comme site d’enchère, mais simplement de l’utiliser comme un site de vente normal, ce qui se caractérise avec le bouton « buy it now », En général la livraison est gratuite (« free international shipping »), mais il faut toutefois bien le vérifier avant d’acheter, il peut y avoir de grosses différences, de zéro à X fois le prix de ce que l’on commande. Ensuit on paye normalement par PayPal ou carte bleue.

Dernier point, ce qui est tout à l’honneur des commerçants passant des annonces sur ce site, pour ma part à chaque fois que j’ai eu un problème de livraison, ou un objet défectueux, il en a été renvoyé immédiatement un, sans discussion et sans même me demander de réexpédier le précédent.

LA BONNE OCCASE

Maintenant, concernant l’achat de matériel d’occasion, il y a, là aussi, moyen de faire de substantielles économies.

Il y a tout d’abord la foire à la photo de Bièvres, un week-end par an début juin : c’est une brocante hallucinante avec des vendeurs et des acheteurs venus de toute l’Europe, où la personne qui sait quoi acheter est sûre de trouver l’objet de ses rêves. Mais le pire y côtoie le meilleur, aussi bien niveau qualité que niveau prix. C’est vraiment à l’acheteur de bien connaître la valeur des choses et de savoir saisir la perle rare.

Il y a aussi des magasins professionnels, comme ceux du boulevard Beaumarchais à Paris, où on trouve aussi de l’occasion. Selon les magasins, les prix sont plus ou moins « réalistes », mais certains sont très corrects : de plus les matériels proposés ont été, sinon révisés, du moins sérieusement vérifiés et nettoyés, et sont en général vendus avec une garantie de 6 mois, ce qui peut rassurer l’acheteur.

Autre solution, pour trouver ce que l’on cherche : le site « le bon coin », sur internet, est un des principaux véritablement spécialisé dans l’occasion entre particuliers, avec toutefois quelques vendeurs professionnels. Chez d’autres tels eBay, Amazon, Priceminister, etc., il y a également de l’occasion.

Ne pas oublier, bien sûr, les petites annonces des périodiques photos qu’on trouve en kiosques et qui peuvent être très utiles.

De toute manière, il faut être très rapide, dès parution de l’annonce sur le web ou dès la sortie du journal chez le marchand de journaux. Les meilleures affaires restent très peu de temps disponibles.

Se méfier des offres trop alléchantes, surtout sur internet, on reçoit presque immédiatement une réponse automatique au style alambiqué expliquant que ce monsieur actuellement est en voyage d’affaires au Royaume-Uni, mais que son cousin en Afrique va envoyer la marchandise. Le tout ponctué de fautes d’orthographe est assez comique et il est bon de ne pas y répondre, ne serait-ce que pour ne pas fournir votre email qu’ils n’ont en général pas au premier message.

Quelquefois, c’est décelable simplement dans le libellé de l’annonce, qui visiblement a été le descriptif du constructeur en anglais, passé dans la traduction automatique de Google. Ce qui peut donner des choses amusantes : parlant de l’objectif, on aura le mot lentille (lens) qui ne s’utilise pas en français en ce sens (il y a une ou des lentilles dans l’objectif, mais l’objectif n’est pas une lentille, sinon dans un français tombé en désuétude) et d’autres encore…

Lors de l’achat d’un reflex en ayant l’objet entre les mains, il est bon de vérifier qu’il n’y a ni chocs ni fissures sur le boîtier, que la mise au point autofocus se fait bien, que les photos ne sont pas sur ou sous exposées, qu’elles s’enregistrent bien sur la carte mémoire, que les vitesses marchent aussi, que la baïonnette de montage et démontage d’objectif fonctionne parfaitement, enfin qu’il n’y a pas de poussière dans l’appareil.

Tous ces conseils, à part, bien évidemment les deux derniers, s’appliquent aussi aux boîtiers compacts. Et pour les deux types d’appareils, partant du principe qu’un vendeur méticuleux pour l’extérieur le sera aussi pour tout ce qui est mécanique, il faut également considérer l’aspect esthétique : un boîtier presque flambant neuf après quelques années d’utilisation à tendance à indiquer un vendeur soigneux, ce qui est plutôt rassurant.

Particulièrement pour les reflex, Il faut savoir aussi combien de déclenchements a l’appareil. Généralement, les obturateurs sont donnés pour un cycle de 100 000 à 150 000 déclenchements selon les marques. Donc si le boîtier d’occasion affiche 20 % de sa durée théorique de vie, pas de problème, par contre s’il en est déjà rendu à 80 000 clics, méfiance, ou alors il faut profiter de cet argument pour obtenir un prix vraiment compétitif17. Pour les objectifs, il faut s’assurer que les bagues coulissent de façon ferme et fluide en même temps, sans point dur, que la mise au point tourne bien aussi, que le diaphragme se ferme bien rapidement en claquant, sinon on a affaire à un objectif « gommé »18, et qu’il n’y a ni choc ni éclat sur la lentille frontale. En plus, et c’est très important, il faut en regardant l’objectif en transparence, s’assurer qu’il n’y a ni poussières et surtout ni moisissures sur les lentilles internes. Des poussières sur les lentilles à l’intérieur de l’objectif montrent que quelque part il y a un frottement au niveau du métal, ou alors que c’est le revêtement interne qui est fatigué, dans les deux cas ce n’est pas bon.

Quant à la moisissure, c’est pire, elle est très dure à combattre, très chère à faire nettoyer. Elle est contagieuse et se propage aux autres optiques stockées au même endroit. De plus, à partir d’une certaine quantité, elle peut affecter vos images en faisant des zones plus ou moins nettes. On reconnaît la moisissure dans une optique car cela fait des petits filaments, la meilleure approximation serait de dire que ça ressemble un peu à une toile d’araignée plaquée sur une ou plusieurs des lentilles internes. Heureusement, c’est un cas assez rare.

Mais il faut garder en mémoire qu’une fois tous ces points passés en revue, avec un peu d’habitude et une connaissance minimum du matériel, on peut arriver à faire ses courses dans le monde de l’occasion sans trop de soucis et avec de substantielles économies à la clé.

De la couleur ou du noir et blanc

La première chose à garder en mémoire est qu’à partir d’une photo couleur, on fait facilement un noir et blanc, mais qu’il n’est pas possible de faire le contraire…

Donc, le premier conseil est de toujours faire des photos en couleur et de basculer en noir et blanc celles qui semblent le justifier en en faisant une copie, toujours garder l’original. De cette façon, si d’aventure quelque temps après on change sa façon de voir, on pourra revenir à la première version.

Une deuxième remarque d’ordre général : il faut toujours utiliser son appareil au maximum de ses possibilités. Si on a un capteur 15 ou 20 millions de pixels, être toujours à 15 ou 20 millions de pixels.

Si aujourd’hui on fait une image en toute petite définition, disons pour envoyer à un ami via le web, rien ne dit qu’il n’y aura pas à l’imprimer en grand format deux jours plus tard, à sa demande, et là on sera coincé, il n’y aura pas assez de matière pour une impression correcte.

Une autre raison tient là, par contre, à la faiblesse de l’être humain : à force de changer les réglages de l’appareil, soyez sûr que le jour où vous aurez des photos importantes à faire, vous aurez justement oublié de remettre le capteur de l’appareil à son maximum d’acquisition, et vous vous rendrez compte a posteriori qu’elles sont inexploitables par manque de densité.

On modulait les réglages il y a quelques années du fait de la faible capacité des cartes mémoire, mais maintenant, elles peuvent contenir des milliers de photos et de plus sont devenues très peu chères, plus la peine d’économiser de la place.

L’ultime raison d’utiliser toujours son appareil au maximum de ses possibilités, c’est que si vous avez à recadrer l’image et avez calculé juste en termes de pixels, là aussi vous serez pris au dépourvu, car une fois que vous en aurez rogné un certain pourcentage, après recadrage, le poids en sera trop léger pour imprimer comme vous le souhaiteriez.

Pour résumer : toujours prendre en couleur et faire du noir et blanc ensuite si besoin et toujours utiliser l’appareil au nombre maximum de pixels pour un capteur donné.

Pour revenir à la question posée plus haut, quid du noir et blanc ou couleur ?

Mon expérience de photographe m’a appris qu’il est beaucoup plus difficile de faire une photo « artistique » en couleur qu’en noir et blanc. Dans l’inconscient collectif, le noir et blanc possède déjà une connotation artistique que n’a pas la photo couleur.

Nous sommes en permanence saturés d’images19 et dans l’immense majorité, d’images couleur, que ce soit par internet, les magazines, les publicités, la télévision ou même par nos propres photos souvenirs. La société des médias agit de telle façon que sous prétexte de nous montrer une image plus réaliste, plus « vraie » que la réalité, elle nous bombarde sans arrêt d’images couleur, qui en tant qu’images prises ou soi-disant prises sur le vif, ne servent qu’à asseoir et crédibiliser le discours en place.

Qu’on se rappelle de la très triste journée du 11 septembre et les photos et vidéos qui on circulé de foules en liesse dans des pays d’Afrique du Nord célébrant l’évènement. Peu de temps après, on a appris que c’était des photos ou des bandes d’archives qui avaient plusieurs mois ou années et n’avaient rien à voir…

Manque de déontologie de journalistes, désir de sensationnel, « erreur » voulue ? La question reste en suspens.

L’image couleur donc, possède cette évidence, cette densité ontologique qui l’autocrédibilise. Le message subliminal est ainsi formulé : « j’ai été prise, je ne puis qu’être vraie », et de cette manière, par un formidable tour de passe-passe, la photo en arrive même à fixer dans l’authenticité la propre légende l’accompagnant20.Le plus amusant et le plus caricatural en ce domaine est lorsqu’on en arrive à coloriser des films en noir et blanc. C’est un peu comme si le public était considéré comme trop bête, ou trop dénué de pouvoir d’abstraction pour pouvoir apprécier une œuvre en noir et blanc, on doit lui mastiquer la besogne en lui remettant des couleurs afin qu’il ne soit pas trop perdu par rapport à son vécu quotidien.

Ou peut-être, justement, souhaite-t-on qu’il perde ou ne retrouve surtout pas ce pouvoir d’abstraction…

Bref, il ne s’agit pas ici de faire une analyse des médias et des formes plus ou moins insidieuses dont le pouvoir utilise l’image, mais simplement de montrer à quel point on vit dans une société imprégnée de l’imagerie couleur et à quel point nous sommes conditionnés.

Conséquence : il est plus simple de faire une image rentrant dans le genre dit artistique en utilisant le noir et blanc qui sera tout de suite appréhendée par nos habitudes de pensée comme une vision de l’artiste, comme sa façon de s’exprimer, plutôt qu’en couleur, ou à moins de franchement se démarquer de la production courante, elle rejoindra de fait, le flot ininterrompu de l’information qui nous assaille en permanence.

L’ÉROTISME DU NOIR ET BLANC

Pour prendre un exemple dans un domaine qui nous tient à cœur, imaginons simplement une photo des parties intimes d’une modèle. En couleur, ce sera immédiatement perçu comme quelque chose de purement descriptif s’apparentant à un dictionnaire médical, par contre la même photo en noir et blanc reprendra du mystère et sera en sa totalité vue différemment. En allant même plus loin, en imaginant que ce soit une très mauvaise photo, mal cadrée, floue, avec un rideau de cretonne et une télévision en arrière-plan, du fait d’être en noir et blanc, faute d’être talentueuse, elle aura au minimum le charme d’une image des années cinquante prise à la va-vite dans un hôtel borgne…

Signalons à ceux qui voudraient s’amuser et faire dans le vintage, que le numérique donne aussi la possibilité, outre le noir et blanc, de travailler directement en sépia, ce qui transporte tout de suite vos clichés au début du siècle dernier. Mais même remarque que pour le noir et blanc, vous ne pourrez pas faire machine arrière vers la couleur ensuite.

IMAGES BELLES ET CHOC EN NOIR ET BLANC

Il est amusant de constater comment une simple publicité peut avoir un impact sur les pulsions artistiques de chacun. Depuis pas mal d’années, même au temps de l’argentique avec les labos proposant des développements couleur instantanés, et maintenant avec l’apparition des boîtiers numériques faisant de base de la photo couleur, le noir et blanc était un peu tombé en désuétude. Même si la plupart des boîtiers numériques autorisent la prise de vue noir et blanc, la paresse de fouiller dans les menus ou le non-intérêt pour ce mode de prise de vue faisaient qu’au niveau des photographes amateurs et amateurs d’érotisme, le noir et blanc était devenu la portion congrue.

Et soudain, oh miracle ! Depuis environ une vingtaine d’années, les publicités pour la marque de sous-vêtements Aubade se sont retrouvées sur nos murs. Voir ces petites culottes et ces soutiens-gorge de dentelle gainer des peaux au grain parfait, avec des contre-jours faisant ressortir des formes et des matières à faire se damner un saint et le tour était joué, tout le monde a voulu se mettre, ou se remettre, au noir et blanc avec des lumières rasantes, des décolletés pigeonnants et des duvets appelant à la luxure.

Ces images déclinées sous de multiples aspects, mais avec toujours une constante esthétique et un style éminemment reconnaissable, ont sans doute ranimé la flamme amoureuse de beaucoup, mais chose est sûre, elles ont aussi ranimé l’engouement pour le noir et blanc.

Joël-Peter Witkin21 a, il y a quelques années déjà, enchanté le monde de la photographie par ses grands formats extraordinaires, trash et anxiogènes basés sur des négatifs volontairement tachés, raturés, griffés qui dévoilaient un univers à la fois tératophile et glauque. Ce qui eut pour conséquence, dans un certain milieu artistique empreint de suivisme et amateur de phénomènes de mode, l’éclosion de tout un tas de petits Witkin juniors adeptes du gratouillage de négatif au rasoir… De la même façon, cette série de publicité tapissant nos murs et nos magazines depuis deux dizaines d’années a aussi amené beaucoup de photographes amateurs à vouloir faire de l’Aubade photographique, si on peut dire.

Et c’est tant mieux pour le noir et blanc.

Toutefois, comme le dit un proverbe chinois : « Il arrive que les aigles volent au niveau des poules, mais il est sûr que les poules ne voleront jamais au niveau des aigles. »

Car si copier les photos d’Aubade a donné à certains l’occasion de commencer le noir et blanc pour ensuite évoluer dans un style personnel, c’est formidable. Pour ceux qui passeront leur vie à faire « à la manière de », il suffit de regarder quelques lignes plus haut au sujet des émules de Witkin ou des poules…

Après cette digression sur une publicité en noir et blanc qui a beaucoup marqué les esprits, a-t-on envie de continuer dans cette voie ?

Man Ray22 disait : « Je peins ce que je ne peux pas photographier et photographie ce que je ne peux pas peindre. » Très belle formule qui pourrait s’adapter et apporter une réponse à la question posée. Pourquoi, le paraphrasant, ne pas dire « je prends en noir et blanc ce que je n’ai pas envie de prendre en couleur et je prends en couleur ce que je n’ai pas envie de prendre en noir et blanc » ?

Pour illustrer ceci, trois exemples :

Concernant la prise de vue de deux modèles dénudés, par exemple un modèle de type européen et un autre plus typé comme quelqu’un des Caraïbes ou de Sud Amérique. La réponse peut être que la peau blanche de l’Européenne sera très facilement incorporée comme élément de contraste par rapport au décor, aux cheveux, à sa pilosité, ou son absence, etc., et appellera plus facilement le noir et blanc.

On dira en passant qu’une peau très blanche avec une absence de poils, ça fait vraiment très nu, mais n’est-ce pas ce que le voyeur qui est en nous autres, photographes, recherche, ce nu qui est derrière le nu, l’essence du nu23 ? Par contre l’autre modèle qui offre sa nudité avec une peau bronzée dans des tons chauds s’harmonisera peut-être plus avec la couleur, pour faire justement ressortir la douceur et les nuances inimitables de sa peau.

D’autres diront en revanche que justement cette peau bronzée passera mieux en noir et blanc et donnera un gris au velouté absolument sublime et que par contre la peau claire de l’Européenne, prise en couleur, laissera passer une transparence, une fragilité que ne montrera pas le noir et blanc.

Qui a raison ?

Les deux autres exemples concerneront plus les reportages ou tout du moins les voyages.

Dans le premier cas, si d’aventure on se trouve dans un port industriel ou dans un entrepôt abandonné, quelque part dans le monde, où tout est gris ou ocre, avec des murs lépreux, des grues rouillées ou encore des containers hors d’usage, pourquoi ne pas prendre délibérément le parti du noir et blanc, en accroissant les contrastes pour donner à l’ensemble des photos un côté angoissant, voire surréaliste ?

À l’inverse, certains penseront que dans cet univers déjà quasiment monochrome, la couleur ocre, les taches de rouille marron et les containers jaune pisseux feront ressortir la désolation de l’endroit et qu’ils préfèrent la couleur.

Une dernière illustration : si à Amsterdam, Rio, Montréal, on se trouve confronté à des murs de tags aux couleurs ultra-vives sur un ciel d’un bleu intense, pourquoi ne pas choisir la couleur de façon à rendre ce chatoiement réellement perceptible par ceux qui verront vos photos ? D’aucuns, en revanche, soutiendront qu’ils préféreront prendre les tags en noir et blanc pour occulter justement le côté touristique de la photo et les faire ressortir comme l’expression artistique d’un mal être social et/ou existentiel.

Ils auront raison aussi !

Ces trois exemples montrent qu’il n’y a pas d’absolu dans les deux types de prise de vue, c’est l’œil du photographe qui décidera in fine.

Pendant des décennies, il y a eu une omniprésence du noir et blanc, simplement parce que la photo couleur n’existait pas ou était rarissime. Dans les années 60-70 et avec l’apparition des mini-labs, les choses ont changé et la couleur est devenue populaire jusqu’à notre époque ou de populaire elle est devenue impérialiste.

Alors…

Au-delà de toutes ces considérations d’ordre général, c’est à chacun de trouver sa voie. Que ce soit en noir et blanc ou en couleur, il faut faire ce qu’on aime avec sincérité, et si en plus de se faire plaisir, les images plaisent, alors la partie est gagnée.

Ne pas se laisser influencer, tout est là. Par-delà les modes et les phénomènes de société, c’est au photographe de s’adapter à son sujet, mais aussi de faire coïncider son sujet avec la vision artistique qui est la sienne.

De toute façon, en suivant le conseil donné de tout prendre en couleur pour ensuite basculer les images qui le nécessitent en noir et blanc24, on joue sur les deux tableaux et on se réserve tous les possibles.

Des éclairages

Le but de ce livre est de permettre à chacun de pratiquer la photo en répondant avec simplicité aux questions que tous se posent, en rendant « abordable », dans tous les sens du terme, l’univers fascinant de la photographie. On essaiera d’en faire de même pour les éclairages.

L’imagerie populaire se représente toujours le studio photo avec d’énormes boîtes à lumière, des parapluies alimentés par de gros générateurs, des fonds déroulants, etc.

Ça a été vrai, c’est encore vrai, mais les choses ont toutefois légèrement changé.

Au moins au niveau d’un détail qui a toute son importance : avec le numérique, le problème de la température de couleur, avec tout ce qu’il génère, s’est extraordinairement simplifié.

Température de couleur signifie simplement que la lumière est plus chaude ou plus froide selon l’heure du jour ou selon le type d’éclairage utilisé. La couleur de la lumière, en quelque sorte, va du rouge au blanc. Du très chaud, rouge orange comme un feu de bois ou la lueur d’une bougie, ou encore la lumière solaire au crépuscule, au très froid, la lumière en haut d’une montagne, un ciel nuageux ou encore des lumières de stade, intensément blanches.

Il y a une échelle qui s’exprime en degrés Kelvin (symbole K).

Pour mémoire : une bougie sera autour de 1 500/1 800 K, une ampoule ménagère 2 500 K, des halogènes ménagers ou professionnels (flood) seront entre 3 000 et 3 400 K, la lumière du jour (soleil au zénith) sera vers 5 500-6 000 K, de même qu’un flash électronique, tout en haut, toujours en allant du plus chaud au plus froid, des ciels nuageux ou polaires qui oscilleront entre 7 000 et 9 000 degrés Kelvin voir plus.

C’est là que pendant des dizaines d’années il y a eu, jusqu’à l’avènement du numérique, sinon un problème, du moins une difficulté.

Comme on l’a vu ensemble, les pellicules étaient basées sur une technologie chimique, mais les cristaux d’halogénure d’argent non contents de réagir à la quantité de lumière réagissaient aussi à la température de celle-ci.

D’où l’obligation à l’intérieur des pellicules couleur de créer deux types distincts : les pellicules dites « lumière du jour » et celles dites « lumière artificielle ».

On passera sur les autres films type infrarouges, pour photographier la nuit, ou les films au trait, contrastés noir ou blanc, sans gris, spéciaux pour les arts graphiques, etc. Leur usage était aussi spécifique que restreint.

Qui ne se rappelle dans son enfance de photos prises un soir de Noël devant le sapin et qui étaient revenues complètement orange/rougeâtre du labo du coin ?

À cette époque pas si lointaine, lorsqu’un particulier demandait une bobine couleur dans un magasin, on lui en vendait systématiquement une équilibrée lumière du jour (les films tungstène étaient quasi réservés aux professionnels). Ce qui fait qu’en intérieur lorsqu’on n’utilisait pas de flash, la pellicule qui était bête et disciplinée réagissait aux loupiotes de l’appartement comme elle l’aurait fait devant un feu de cheminée et rendait toute la scène orangée.

Un film équilibré à 5 500 K était fait pour la lumière du jour ou pour un flash aussi à 5 500 K, et si on prenait à l’intérieur sans flash, c’est-à-dire vers 2 500/3 000 K, le film se décalait, se réchauffait d’environ 2 500 degrés et le résultat était orange. Un peu comme si on avait mis un vitrail orangé devant l’objectif.

À l’inverse, si on prenait des photos dehors avec un film tungstène équilibré à 3 000 K, les photos étaient toutes bleues. Fort heureusement, pour le noir et blanc, le problème ne se posait pas.

À titre d’exemple, un jaune canari donnait toujours un gris léger, en plein jour ou chez soi, quel que soit le degré Kelvin de la source lumineuse.

LE NUMÉRIQUE

Maintenant, avec le numérique, les choses on changé, tout au moins pour la couleur, le noir et blanc ne posant pas de problèmes à ce niveau, on vient de le voir.

Elles ont changé, et heureusement, dans le sens d’une simplification.

Sur les boîtiers maintenant on trouve un bouton de balance des blancs (WB, white balance en anglais) et il suffit de le mettre sur automatique pour que le tour soit joué : il le fait à votre place. En pratique, étant dehors ou dans une pièce éclairée à la lumière artificielle, vos photos ne seront ni oranges ni bleutées, mais parfaitement équilibrées.

Ici, l’image montre le dessus gauche d’un boîtier reflex où l’on voit justement le bouton WB qui permet d’intervenir sur la balance des blancs. En faisant le tour dans le sens des aiguilles d’une montre, on trouve : le bouton QUAL pour régler la taille de l’image et le niveau de compression de celle-ci, le bouton ISO pour modifier la sensibilité de l’appareil. Enfin en bas, la molette permet de choisir si on désire des prises de vues simples (S) ou en rafale (C).

Pour en revenir à la température de couleur, donc, sur tous les boîtiers numériques évolués on peut prendre la main si on n’est pas satisfaits et lui indiquer qu’on est dans un espace éclairé par des lampes normales, ou au contraire dehors au soleil, etc. De toute manière, c’est simple à voir, il suffit de regarder l’écran en même temps qu’on change les réglages et s’arrêter lorsque c’est le plus réaliste.

Les boîtiers professionnels ou experts donnent même la possibilité de changer directement le degré Kelvin. Si on sait que les halogènes sont à 3 400 K, il suffit de régler l’appareil à 3 400 et les photos seront parfaitement équilibrées en terme de colorimétrie.

Quant aux studios photos et à ces fameux parapluies, les flashs électroniques permettaient donc, puisqu’équilibrés à 5 500 K, de travailler avec du film lumière du jour alors qu’en fait, on était dans un local. Le tout avec une puissance suffisante, ce qui aurait été différent en se servant de films et lumières tungstènes. On reviendra sur ce point.

LA LUMIÈRE ET SA RÉFLEXION

Bien qu’elles puissent parfois apporter un plus, ce qui est gênant en photo ce sont les ombres, ombre d’un nez au milieu du visage pour un portrait, ombre sur un mur de la silhouette d’une personne dans le cadre d’une photo de mode, ombre sur la table d’une assiette prise pour un sujet culinaire, etc.

Le principe pour supprimer l’ombre est de supprimer la directivité de l’éclairage : moins l’éclairage est dirigé, focalisé, moins il y a d’ombres.

De là découle ce qui semble paradoxal : plus l’éclairage est près du sujet, moins les ombres sont marquées. Ce qui s’explique en comprenant qu’en sortie immédiate de la lampe, les photons partent dans tous les sens et donc enveloppent le sujet plus qu’ils ne créent d’ombres marquées.

On recule la lampe de deux mètres et des ombres plus tranchées apparaîtront, parce que maintenant ne se dirigent plus vers le sujet que des photons focalisés, vectorisés, les autres étant partis pour éclairer d’autres coins de la pièce.

Ceci vu, pour avoir une lumière non dirigée et enveloppante sur le sujet, tout en n’ayant pas l’éclairage à dix centimètres de celui-ci, ce qui ne serait pas très pratique en photo, il y a deux solutions : la réflexion et/ou la diffusion.

La réflexion, c’est simple, consiste à envoyer la lumière vers un panneau ou un parapluie, blanc de préférence pour ne pas colorer le sujet, et c’est ce panneau ou ce parapluie qui va renvoyer la lumière vers l’objet de la prise de vue.

L’intérêt est que la directivité du flux lumineux aura été cassée, les photons vont partir dans tous les sens et de cette façon créer une lumière douce et non génératrice d’ombres.

L’autre technique, la diffusion, vise le même but, seulement on ne renvoie pas la lumière, on la fait passer à travers un diffuseur, lui aussi blanc, qui agira de même en supprimant le côté directionnel du flux lumineux.

Pour ce faire, on peut utiliser des feuilles de plastique appelées gélatines qui en même temps peuvent corriger la colorimétrie, mais on utilise le plus souvent un tissu appelé « spun » qui ressemble grosso modo à de la moustiquaire tissée très finement et est résistant à la chaleur.

Les « boîtes à lumière » sont basées sur ces deux façons de faire. On les appelle ainsi car ce sont des structures fermées en toile sur une armature, elles sont posées sur un ensemble pied/rotule permettant de les orienter. Leurs dimensions peuvent varier de 50x50 cm à plusieurs mètres et elles sont généralement métallisées à l’intérieur de façon à récupérer tous les photons pour les renvoyer vers le sujet et limiter la perte de puissance.

À titre personnel et comme illustration, je dirai que j’ai deux boîtes à lumière, une grande qui doit faire 60x170 cm et qui est basée sur une double technique : elle renvoie d’abord la lumière du flash vers le fond de la boîte et ensuite cette lumière réfléchie passe avant de sortir à travers un tissu blanc qui la diffuse. Donc ici, la combinaison des deux, réflexion puis diffusion, amène à une lumière très douce, le résultat est bluffant. La deuxième d’environ 60x60 cm utilise une technique de double diffusion. La lumière n’est pas renvoyée vers le fond pour repartir, mais passe à travers deux tissus l’un derrière l’autre, distants d’une dizaine de centimètres, qui la diffusent doublement. Là aussi, quasiment pas d’ombres générées.

L’intérêt de ces flashs électroniques est multiple : déjà, dirigés vers un parapluie ou installés dans une boîte à lumière, ils ne donnent pas ou presque pas d’ombres, on vient de le voir.

D’autre part, ils ne chauffent pas, puisqu’il s’agit de condensateurs qui accumulent du courant pour le libérer en une seule fois dans la lampe, ce qui serait plus ennuyeux avec des halogènes émettant une lumière continue et par conséquent de la chaleur.

Enfin, ils émettent une forte puissance.

Celle-ci est nécessaire, car lorsqu’on réfléchit la lumière ou la diffuse, ou les deux, on perd en énergie, en capacité d’éclairage et pour qu’il en reste une quantité confortable, il faut qu’il y ait de la marge au départ.

PROFONDEUR DE CHAMP

En outre, cette puissance permet de fermer le diaphragme si besoin pour contrôler la profondeur de champ.

Pour dire un mot sur la profondeur de champ, importante notion en photographie, c’est la zone de netteté devant et derrière le sujet, et plus on ferme le diaphragme, c’est-à-dire plus on va vers les grands chiffres (f/8, f/11, f/16, f/22), moins il y a de lumière qui rentre, mais plus la zone de netteté est importante.

Pour l’illustrer de façon concrète : soi on prend un portrait à f/1,4 ou f/2 d’ouverture, c’est-à-dire objectif très ouvert, le visage de la personne va être net, mais l’arrière-plan flou, par contre si on ferme le diaphragme à f/8 ou f/11, l’arrière-plan va devenir net aussi25. Ce qui se résume à la prise en compte ou non de l’environnement qui est un choix esthétique lors de la création de la photo. Dans notre exemple de portrait, si on prend le visage buriné d’un vieux paysan et qu’on laisse le fond flou, ce sera un bon ou un mauvais portrait, mais sans indications sociales ou professionnelles, par contre si on ferme un peu le diaphragme pour faire apparaître à l’arrière les bâtisses de la grange légèrement floues, pour deviner ce que c’est, mais sans qu’elles prennent trop d’importance par rapport au visage, on ancre la personne photographiée dans son cadre de vie.

Et là aussi, c’est, pour le photographe, affaire de goût, ou du sens qu’on veut donner à la photo.

FLASHS

Pour les flashs de studio, l’éclair dure environ 1/1 000 de seconde. Très dur de voir exactement ce qui va se passer26. Ce qui explique qu’ils sont tous équipés de ce qui s’appelle une lampe pilote délivrant une lumière continue et permettant de prévisualiser la photo. Il était dit tout à l’heure que les lampes tungstène chauffent : ce qui explique leur quasi non-utilisation dans les studios professionnels.

Pour avoir la même quantité de lumière en tungstène qu’avec les flashs électroniques, il faudrait se servir de lampes de 2, 3 ou 5 000 watts : on peut imaginer facilement que le parapluie ou la boîte à lumière seraient fondus avant même d’avoir commencé à travailler…

POUR L’AMATEUR

Pour le particulier ou le photographe amateur qui veut se lancer dans la photo érotique, la question de l’éclairage reste posée. Si on ne veut pas investir dans un matériel professionnel très cher et très volumineux comme les flashs de studio, où est la solution ?

Ce sont les boîtiers numériques qui nous la donnent.

On a vu tout à l’heure que ceux-ci, en se mettant en réglage automatique sur la température de couleur (WB), géraient sans difficulté les lumières dites « tungstène », donc on va travailler avec ce type de lumières, qui en plus ont l’avantage d’être continues : on voit tout de suite ce que ça donne à pleine puissance.

Gardant en mémoire que pour faire de la photo de nu intimiste, ou très « intimiste », on n’a pas une très grande surface à éclairer, donc besoin d’une puissance somme toute limitée, on sera très loin des 3 ou 5 000 watts dont on parlait précédemment.

Ce serait différent si on devait faire la photo d’un 4x4 ou d’un camion pour une publicité, d’une équipe complète de handball ou encore d’une immense pièce pour une revue type « demeures et châteaux ».

Dans notre situation, qui ne réclame pas une puissance colossale, deux solutions existent, plus ou moins économiques :

La première est d’acheter deux lampes dites « mandarine » qui délivrent 800 watts et sont munies de volets permettant d’orienter le flux lumineux, ou d’accrocher du spun diffuseur avec deux pinces. Elles sont dites « mandarine » à cause de leur couleur orange, mais il en existe d’autres sortes qui font la même chose. À ces deux lampes on rajoutera un réflecteur sur pied, très pratique, même indispensable, on peut l’orienter dans tous les sens et il permet de renvoyer de la lumière vers un endroit resté sombre, ou d’atténuer une ombre, etc.

Les tailles les plus courantes vont de cinquante centimètres à plus d’un mètre, le support fixé au pied est réglable pour accueillir toutes les tailles. Il existe des réflecteurs très simples, blancs, et d’autres qui ont une face métallisée argentée d’un côté et dorée de l’autre pour refroidir ou réchauffer la lumière qui est renvoyée.

La deuxième solution d’éclairage, la plus économique, est d’acheter deux halogènes de chantier ou de jardin de 300 watts, donnés pour équivalent 500 watts en terme de luminosité, les fixer à l’aide d’un écrou sur d’anciens pieds photo, et pour le réflecteur prendre une plaque de polystyrène expansé. C’est rustique, mais économique et efficace.

On trouve ici, partant de gauche à droite : un halogène de 500 watts monté sur un pied photo, une lampe dite « mandarine » de 800 watts, avec ses volets permettant de diriger le flux lumineux ou d’accrocher un diffuseur. Enfin, complètement à droite, un réflecteur monté sur un support à rotule pivotante pour l’orienter à souhait.

Quant à l’aspect financier, la première solution d’éclairage devrait amener autour de 300 ou 400 euros, pour la deuxième, une cinquantaine d’euros au maximum devraient suffire.

Deux choses auxquelles faire attention :

La première est la puissance de sortie du type de lampes qu’on achètera. J’ai vu plusieurs annonces de matériel, de « systèmes photographiques » complets, où la puissance de sortie est entre 75 et 150 watts par lampe. Se méfier, car c’est trop peu : s’il y a réflexion ou diffusion, le résultat sera notoirement insuffisant et obligera à descendre à des vitesses trop lentes. Il faut imaginer que lorsqu’on voit les choses dans un magasin et avec nos yeux, cela semble beaucoup, mais le boîtier a besoin de plus de puissance. Tout du moins pour travailler dans des conditions confortables.

Ceci dit, l’indication d’éclairage donnée ici n’est absolument pas limitative, il existe d’autres types de lampes, même des spots à LED qui semblent très bien conçus. Le photographe quelque peu bricoleur peut même se tourner vers d’anciens projecteurs Cremer avec une lumière focalisable qui donnent de magnifiques résultats. On peut en trouver en brocante ou sur eBay. Mais j’employais le mot bricoleur à dessein, car souvent le circuit électrique, rustique heureusement, ou la platine porte-lampe sont à changer.

Photo d’un ancien projecteur Cremer.

De face on voit la lentille de Fresnel qui adoucie et donne toute sa qualité à la lumière qui en sort

Le deuxième point que je souhaite souligner est de prendre en compte la durée de vie des lampes. En termes clairs, si l’on a affaire à un crayon halogène du type le plus banal donné pour 500 watts et 1 000 heures d’utilisation, le tout pour 4 ou 5 euros, pas de problème. Seulement si on se tourne vers des lampes professionnelles de 500 à 1 000 watts ou plus, mais données pour une fourchette d’utilisation d’une vingtaine ou d’une cinquantaine d’heures, le tout pour une somme très musclée, il faut y regarder à deux fois. Cela peut vite devenir une rente. À ce moment-là, on se rend compte que 20 heures, c’est vite passé, surtout en photo…

LA DEUXIÈME LAMPE

Pour en revenir à l’éclairage du sujet photographié proprement dit : il y a un instant, on parlait de deux lampes, car la deuxième sert à mettre un peu de lumière sur l’arrière-plan, ou à créer un contre-jour, voire, placée à côté ou à l’arrière du modèle, à mettre une légère brillance dans les cheveux. Ceux qui voudraient limiter leur budget peuvent s’en passer au début, par contre le réflecteur, mis principalement en regard de la lumière principale, atténue les ombres, limite la dureté de l’éclairage principal et est vraiment très utile.

La chose à éviter absolument est de mettre les deux éclairages à 45° du sujet et de chaque côté. Prenant un portrait à titre d’exemple, si la personne vous regarde, vous allez placer la lampe à 45° à votre droite, ce qui crée une ombre sur le nez côté gauche. Si pour enlever celle-ci vous mettez une deuxième lampe à votre gauche, en réalité vous allez créer une deuxième ombre côté droit, les deux seront atténuées, mais présentes, ce qui ne sera pas élégant du tout.

En l’occurrence, ici, il faut utiliser un réflecteur sur le côté gauche pour renvoyer et adoucir la lumière et non une lampe. Ou alors carrément envoyer la source lumineuse vers le réflecteur qui redirigera de ce fait une lumière douce vers le modèle.

Étant entendu que l’on parle ici de flux directionnels, tels les halogènes ou mandarines dont on vient de parler et non de boîtes à lumière ou de parapluies dont la problématique est différente.

Voici quelques schémas pour matérialiser ce qui vient d’être vu.

Ce qui est à éviter en premier : on voit bien que les deux sources lumineuses sont à 45° par rapport au modèle et, comme dit plus haut, ça ne fera que doubler les ombres.

Ne pas faire

Une façon plus judicieuse d’utiliser le deuxième halogène est de s’en servir pour éclairer le fond, la lumière du premier étant adoucie par un réflecteur. 

Fond éclairé

La deuxième source lumineuse peut également être utilisée pour créer un reflet dans les cheveux du modèle ce qui fait ressortir la matière et le volume des cheveux et fait penser à un rayon de soleil venant opportunément caresser la scène .

Cheveux éclairés

Pour vraiment ne travailler que sur la matière et la texture de la peau, la solution est d’utiliser le contre-jour. En lumière rasante, le moindre duvet, le moindre grain de peau ressortira de façon fantastique. Le seul problème auquel le photographe peut être confronté est que d’avoir la lumière de face crée un halo dans l’objectif. Outre le pare-soleil27, mais dont la présence, avec la lumière de face, ne sera pas vraiment efficace, il y a deux solutions pour y remédier. La première est de faire la photo en ayant l’objectif dans l’ombre du modèle ou du réflecteur, quelquefois ça se joue à quelques centimètres, mais là pas de halo. Sinon, la deuxième solution est d’utiliser une moyenne ou longue focale qui, permettant d’être plus loin ou dans un axe légèrement différent, évitera ce désagrément .

Lumière rasante

Une dernière manière d’éclairer, lorsqu’on a envie de faire des images très douces, sans ombres, tout en étant dépourvu de parapluies de studio ou de boîtes à lumière, est de diriger directement la source lumineuse vers le réflecteur : on perd en intensité lumineuse, mais le résultat est vraiment intéressant.

Lumière douce

Précisons ici que pour donner un surcroît d’humanité à un portrait ou à un nu lorsque l’on en voit le visage, il est bon d’avoir une petite lumière dans le regard. Pour ce faire, s’il n’y a pas un éclairage direct qui la donne, on peut se servir d’un flash d’appareil photo réglé au 1/64 ou 1/128e de sa puissance qui sera neutre au niveau de la scène photographiée mais suffisant pour mettre une petite lueur vivante dans l’œil. Même un vieux flash non réglable peut faire l’affaire, il suffit de lui adjoindre avec du Scotch quelques épaisseurs de Kleenex qui absorberont la lumière et diminueront son intensité trop forte. Au pire, une lampe de 40 ou 60 watts, bien évidemment ampoule nue, placée quelques mètres devant le modèle donnera aussi au regard une petite lueur vive.

Dans un autre ordre d’idée, il est aussi possible d’utiliser une lumière excédentaire pour la diriger en indirect vers un mur blanc ou le plafond pour gagner un peu de luminosité d’ambiance lorsque le contre-jour est trop marqué.

Enfin, une dernière façon de créer un jeu de lumières que je citerai pour mémoire, et principalement utilisée par certains amateurs, est l’utilisation non de flashs de studios ou encore de lumières continues, mais de simples flashs d’appareils photos fixés sur des pieds et équipés d’une cellule photo-électrique d’auto-déclenchement (cellule qui fait partir un flash lorsqu’elle reçoit la lumière d’un autre flash).

Le principe est simple : le premier flash, posé sur l’appareil photo, envoie son éclair lors de la prise de la photo, et cet éclair active les autres flashs de la pièce pendant le 1/60e de seconde où l’obturateur est ouvert. J’ai même vu ce genre de système fait par de potentiels candidats au concours Lépine, en ayant les flashs orientés vers des boîtes vides en polystyrène expansé servant de boîtes à lumière/réflecteur. C’est assez économique, il y a juste à changer les piles des flashs de temps en temps…

Le seul problème est qu’il n’est pas possible de vraiment visualiser ce qui va se passer28. L’intérêt toutefois du numérique ici, bien que ce soit un peu laborieux, est qu’on a le résultat un instant après en regardant l’écran de son appareil, pour éventuellement reculer ou avancer un flash, diminuer une puissance, et recommencer. Pour ma part, je préfère les lumières continues où en bougeant un éclairage on a immédiatement le résultat sous les yeux, ce qui semble plus rationnel. Ceci dit, les croquis faits plus haut pour l’ajustement des lumières en fonction du résultat voulu restent valables.

Concernant ces schémas d’ailleurs, certains lecteurs objecteront qu’il n’est utilisé qu’un maximum de deux projecteurs, ce qui est somme toute fort peu. L'expérience répond qu'en multipliant les éclairages, on multiplie aussi les problèmes et que la simplicité est souvent le plus efficace. Mais c’est à chacun de faire ses essais, de ne pas hésiter à orienter les lampes de différentes manières, en mettre plus ou moins, pour se faire sa propre idée et acquérir sa propre technique.

Il est nécessaire de garder en mémoire que ces types d’éclairage chauffent quand même beaucoup, et nécessitent un minimum de prudence : ne rien poser dessus, ne pas les mettre près de tissus inflammables, ne pas les faire tomber sur quelqu’un, ne pas les prendre chauds à pleine main, etc.

À partir de là, vous êtes paré, vous avez un mini studio de prise de vue qui, de plus, une fois refroidi et replié, se rangera facilement dans une armoire.

Dernier point : avoir aussi toujours près de soi un rouleau de ruban adhésif gaffer, très utile pour fixer un élément de décor ou un réflecteur improvisé (c’est celui qui est utilisé par les techniciens du cinéma ou de la télévision).

À ce sujet, une petite anecdote personnelle : une très bonne amie à moi a travaillé comme assistante pour un grand photographe d’objets d’art d’un musée parisien et elle me racontait que lors de la prise de vue de ces antiquités d’une immense valeur, souvent on était obligé de les faire tenir avec du Scotch, ou de les coincer avec de la pâte à modeler, le tout invisible sur la photo bien sûr… Côté dérisoire et comique d’une boulette de pâte à modeler soutenant une pièce inestimable.

Cela montre que, quel que soit son niveau, il faut savoir être bricoleur et improviser.

Clint Eastwood dans Le Maître de guerre fait dire à son personnage : « Un Marines, ça improvise et ça s’adapte. » Excellente formule que nous pouvons reprendre à notre compte en tant que photographe et sans en changer un mot !

Parlant toujours des éclairages, là aussi, comme il est dit plus haut, il faut savoir faire des essais, improviser, voir ce que ça donne. Surtout n’allez pas penser que de poser l’halogène une fois pour toutes donnera l’air plus professionnel : au contraire, il faut tout essayer et déplacer les lumières et/ou le réflecteur, mais aussi le modèle jusqu’à obtenir le rendu souhaité, jusqu’à en arriver à cet instant magique où on sait qu’on tient une photo.

Et la personne qui a posé vous en saura gré lorsque vous lui donnerez quelques images d’elle-même auxquelles elle ne s’attendait pas et qu’elle trouvera belles.

NE PAS DONNER AU MATÉRIEL PLUS D’IMPORTANCE QU’IL N’EN A !

Puisque ce chapitre concerne le matériel, une dernière remarque : il y a quelques instants, on parlait de s’adapter. En réalité, il y a deux sortes de photographes, ceux qui savent justement utiliser ce qu’ils ont, s’adapter, et les autres qui en sont incapables…

Parmi ces derniers, on trouvera ceux faisant ce qu’on pourrait appeler du fétichisme du matériel. Victimes de la mode et d’un perfectionnisme outrancier, ils ne peuvent déclencher s’ils n’ont pas un des derniers boîtiers sortis parmi les plus chers, ou les éclairages techniquement les plus évolués ou les plus hors de prix. Ce qui amène d’une part à une insatisfaction permanente et d’autre part à un immobilisme29 féroce, les conditions n’étant jamais parfaitement remplies. Et lorsqu’ils arrivent à outrepasser cet immobilisme, ils ont au moins une excuse toute trouvée légitimant la pauvreté de leur création, en disant « si j’avais eu tel flash ou tel boîtier, les choses auraient été différentes…». Ces personnes ont tendance à oublier qu’à l’origine l’appareil photo, la « camera obscura », le sténopé n’était ni plus ni moins qu’une espèce de boîte à chaussures fermée avec un tout petit trou au centre et une émulsion sensible à l’intérieur.

De simples boîtes

Un exemple me venant à l’esprit est celui d’une amie peintre qui faisait aussi de la photographie. Elle aimait la photo d’architecture et prenait des ponts, des immeubles, des escaliers de façon assez extraordinaire. Tout bêtement en se servant comme appareil de vieilles boîtes de pellicules vides en plastique noir (ce qui fait un petit cylindre d’environ 2 cm de diamètre sur 4 de haut).

Elle récupérait ces petites boîtes qui allaient être jetées dans les mini-labs, et les perçait d’un petit trou avec une aiguille chauffée au rouge. Ensuite dans sa salle de bain fermée, dans le noir, elle mettait dans chaque petite boîte un morceau de film 24x36 en face du trou, occultait ce dernier avec du Scotch noir et refermait le couvercle.

Après, avec quelques boîtes dans les poches, elle allait faire de longues balades au hasard dans Paris et lorsqu’une chose digne d’être prise se présentait, elle posait la boîte, enlevait le scotch noir et laissait en pose pour quelques dizaines de secondes avant de remettre le Scotch. La longueur de la pose s’expliquant pour compenser la petitesse du trou faisant office à la fois d’objectif et de diaphragme et laissant entrer très chichement la lumière. Ensuite, processus normal de développement du négatif et tirage sur papier photo.

Le résultat était spectaculaire, et donnait des images fantomatiques, on aurait dit d’anciennes photos d’Atget30, mais prises au fish-eye par temps brumeux… Choc de deux époques et c’était aussi inhabituel qu’intéressant. Pour information, l’objectif fish-eye, « œil de poisson », est caractérisé par une prise de vue à 180° de haut en bas et sur les côtés par rapport au photographe. Pour se faire une idée, les œilletons de porte ou « judas » utilisent la même technique. C’est le film 2001, l’Odyssée de l’espace de Kubrick qui les a popularisés en 1968.

Cet exemple de min-boîtes de plastique servant d’appareil photo est là pour illustrer que si le matériel est important, à trop se focaliser dessus, sans jeu de mots, on perd l’essentiel, que la créativité doit être le seul fil directeur et qu’on peut faire d’excellentes choses avec rien.

À titre personnel, il m’est arrivé quelquefois de voir des photos d’amateurs, qui au-delà de leurs imperfections, liées au matériel ou au tirage, véhiculaient une émotion, un regard, quelque chose de difficilement formulable, mais qui les rendait intéressantes. J’ai vu aussi des photos de professionnels qui étaient bonnes, voire parfaites au niveau technique, mais dont rien ne se dégageait, c’était juste le constat d’une situation, mais sans âme, sans cette petite flamme qui fait qu’une photo trouble et interpelle.

Le meilleur appareil ne suffit pas, et de temps en temps quelque chose de brouillon, de largement perfectible, peut produire des résultats méritant l’attention.

Le bon choix est de voir le matériel comme la prolongation de la main ou de l’œil en disant exactement le contraire de Kant31 sur l’être humain : le matériel doit être un moyen, jamais une fin… Comme un mécanicien ou un menuisier, le photographe doit avoir de bons outils, robustes, fiables, sur lesquels il peut compter et dont il connaît les limites, les qualités et la qualité.

LE DÉFAUT AU SERVICE DE L’ART

Il est d’ailleurs amusant de constater comme parfois c’est l’absence de cette dernière qui peut être la norme. Il existe des appareils photo, survivance de l’ère soviétique, appelés Lomo, dont le résultat photographique est à peine mieux qu’un jetable des années 80. Il y a malgré tout une école, un courant de pensée photographique qui les utilise, la lomographie32, faisant ainsi volontairement des défauts rédhibitoires de ceux-ci une marque esthétique. Cadrage aléatoire, mise au point approximative, donc génération de flou, vignetage (coins de la photo plus sombres), etc. Ce qui donne un « style » que certains trouvent inimitable.

Juste une illustration concernant la mise au point puisqu’il n’y a que trois possibilités d’ajustement : « Au niveau des réglages de distances, j’ai rarement raté mon coup. Pour un portrait ou une photo de près, je tends mon bras, si je touche presque le sujet je dois me régler sur 0,80 m. Si mon sujet se trouve à 2 pas environ, c’est 1,50 m, au-delà je mets sur Infini. »33

Chacun vit la photo comme il l’entend, mais c’est intéressant à lire, à une époque où l’autofocus permet une mise au point automatique avec précision et surtout une rapidité que ne permettaient pas les objectifs manuels.

De l’enregistrement de l’image

Venant de voir les questions du matériel, de l’appareil photo aux éclairages, il reste un dernier point à éclaircir qui, s’il ne fait pas partie du matériel au sens strict, y est intimement lié : la prise de vue en RAW ou en JPEG.

C’est une question souvent posée, les photographes ne sachant pas trop que faire et aussi, parfois, ne sachant à quoi ils ont affaire.

Le JPEG34 est un format d’image caractérisé par un algorithme de compression de l’image dont l’utilité est de prendre moins de place. Le RAW (cru, brut en anglais) est une image non compressée et brute de capteur. À titre d’illustration, on peut dire que l’équivalent du RAW en argentique est le négatif photo dans la mesure où il est porteur de toutes les informations. Après, le tirage photo peut privilégier certaines zones, les renforcer ou les atténuer, mais elles sont déjà présentes dans le négatif ; idem pour le RAW.

Il faut comprendre que lors de la prise de vue numérique, tous les capteurs de l’appareil ne donnent pas la même information, certains vont donner du rouge, d’autres du vert, etc. On pourrait faire un parallèle avec une trame dont il manquerait des éléments et à partir de là, c’est le logiciel de la marque de l’appareil qui reconstitue une image cohérente par interpolation, en bouchant les trous en quelque sorte et ensuite en la compressant pour en faire un JPEG.

La compression en JPEG est un processus assez complexe. Partant du fait que l’œil humain remarque plus les différences de luminosité que les petites différences de couleurs, on regroupe les pixels par paquet de soixante-quatre (8x8) en sacrifiant justement les imperceptibles différences de teintes. Puis on transforme le référentiel RVB en un autre appelé TSL35. Ensuite, on fait un référencement des différents paquets trouvés. Et après de fort compliqués calculs où interviennent une transformation de type Fourier36, le cosinus, etc., on regroupe ensemble, en indiquant leur emplacement, ceux qui sont similaires. D’où énorme gain de place puisque chaque information n’est pas répétée pour chaque pixel ou paquet se ressemblant, mais en quelque sorte indexée. Ceci explique qu’une image RVB de 12 millions de pixels qui devrait faire avec les trois couches RVB 3x12= 36 millions d’octets, soit 36 mégas, n’en fait plus que 4 ou 5 une fois compressée.

À la décompression, pour l’apparition de l’image à l’écran, l’opération inverse est faite.

En tant que photographe et non-mathématicien, il suffit de savoir que plus la compression est violente, moins l’image est volumineuse, mais plus elle risque d’être détériorée. Par exemple : la création d’ « escaliers » dans un dégradé très doux et qui n’étaient pas là à l’origine. À l’inverse, plus la compression est respectueuse, plus le poids de l’image sera important. Le tout étant une question de compromis entre qualité et taille. Mais comme on l’a évoqué plus haut, les grandes capacités des cartes mémoire actuelles nous autorisent à opter de préférence pour la qualité.

Il faut garder aussi à l’esprit que le JPEG étant une compression, il dégrade forcément l’image, de façon imperceptible dans le meilleur cas, mais il la dégrade. Donc, en réenregistrant une dizaine de fois une image sur elle-même, du fait de modifications apportées, à la longue, à force de refaire du compressé sur du déjà compressé, on finira par l’altérer également.

Le plus simple est de créer sur son ordinateur une image TIFF37 non compressée, à partir du JPEG ou du RAW d’origine, et de travailler sur celle-ci qui pourra être ouverte et refermée autant de fois que nécessaire sans dégradation puisque non compressée. À partir du TIFF qu’on conserve, il sera facile de créer en sortie un JPEG basse définition pour le WEB ou une autre image TIFF redimensionnée et basculée en CMJN, si besoin, à destination d’un imprimeur.

Comme on l’expliquait plus haut, l’image RAW est l’image brute de capteur, donc avant l’interprétation du constructeur de l’appareil photo et la transformation en JPEG. Ce peut être intéressant car les constructeurs ne sont pas forcément neutres dans cette interprétation. Pour donner des images « plus belles », ils n’hésiteront pas à rendre les couleurs plus chatoyantes que dans la réalité, à faire les ciels plus bleus38. Il suffit de se rappeler des publicités pour appareils photo que tout le monde a vues, une jolie famille avec ses chères têtes blondes au bord d’une plage idyllique, les maillots de bain sont de couleur électrique, les peaux sont délicatement hâlées, le ciel et la mer d’un bleu inimaginable sous nos latitudes et l’ensemble suinte le bonheur au sein de couleurs exagérément et volontairement saturées.

Ce genre de cliché ne vante pas l’appareil et ses qualités, mais la possibilité qu’il donnera de faire une image comme celle décrite. Finalement, c’est le rêve d’un billet familial pour les Caraïbes qui fera acheter le boîtier…

Pour en revenir aux couleurs, par rapport à la publicité évoquée à l’instant, l’appareil numérique sera heureusement plus respectueux de la réalité, mais il y a quand même une tendance à forcer un peu sur la colorimétrie.

Pareillement, l’image transformée en JPEG, à cause de la compression qu’on vient de voir, ne donnera pas forcément satisfaction dans les zones d’ombres ou les hautes lumières.

Le RAW, en tant qu’image captée objectivement par l’appareil, ne sera pas porteur de ces défauts, et si on dispose d’un logiciel adéquat39 pour faire ce qu’on appelle avec un anglicisme la « dérawtisation », ce procédé permettra d’avoir des couleurs neutres, de « récupérer » des zones sur ou sous exposées de l’image, qui auraient justement été irrécupérables avec le JPEG. Les boîtiers professionnels et ceux pour amateurs éclairés proposent en général trois formats d’enregistrement, JPEG, RAW et RAW+JPEG. Le plus rationnel est de prendre la troisième solution, d’enregistrer les deux, puis ensuite d’éliminer le RAW quand le JPEG donne totale satisfaction, pour ne le garder que lorsqu’on sent une possible amélioration du résultat sur une photo à l’éclairement complexe, avec des zones d’ombres trop marquées ou des hautes lumières trop intenses.

En fonction du temps passé, et en mettant en parallèle le temps que prenaient les tirages photos en chambre noire avec la lampe rouge, les trois bassines révélateur/bain d’arrêt/fixateur, puis le rinçage et le temps de séchage, sans parler du glaçage40 éventuel, il est évident que par rapport à tout cela on peut se permettre de passer un quart d’heure pour récupérer une colorimétrie ou une zone trop sombre sur une photo intéressante avec un fichier RAW. En faisant abstraction du coût du logiciel, le prix à payer est la place prise sur la carte mémoire et ensuite le disque dur.

En terme de place, si une image d’une quinzaine de millions de pixels fait environ 4 ou 5 mégas en JPEG, le couple RAW plus JPEG arrivera à environ 30 mégaoctets.

Un calcul rapide montre qu’avec une carte de 8 gigas, on peut mettre environ 250 images, ce qui est somme toute fort peu, au regard des 1 600 possibles en utilisant le JPEG seul. Mais puisque les disques durs et les cartes mémoires, de par leur taille et leur prix, autorisent maintenant ce genre de débordement…

1. Processus instantané de développement de films (noir et blanc et couleur). Une fois la photo faite avec l’appareil Polaroid, on attend environ 60 secondes, le temps pour la chimie de se faire, et on sort la photo du boîtier. Le système a été abandonné par Polaroid en 2007, puis repris en liaison avec Fujifilm en 2011.

2. Format le plus courant dans les films pour caméras grand public. Après, le 16 mm correspondait à un format semi-professionnel et le 35 mm aux films diffusés en salle tels que nous les connaissons encore aujourd’hui (le numérique gagnant toutefois de plus en plus de parts de marché). L’utilisation du film 70 mm était anecdotique et a concerné quelques films panoramiques sur de très grands écrans.

3. Le Cibachrome était un procédé de tirage sur papier des diapositives, on en parle à l’imparfait puisqu’arrêté depuis 2012. Il a toujours été une référence en termes de qualité pour les tirages photographiques couleurs.

4. Pousser une pellicule était de l’exposer à une sensibilité supérieure à la valeur nominale (1600 ISO au lieu de 400 concernant la tri-X), la pellicule recevait moins de lumière, ce qui était corrigé au développement en la laissant plus longtemps dans le révélateur. D’où apparition de contraste et de grains plus marqués.

5. La diapositive est une technique de films dits « inversibles ». On récupère directement un film positif sans passage par l’étape du négatif. La technique est de réexposer le film à la lumière au cours du développement pour inverser les valeurs et avoir un film positif en sortie.

6. Pour les mathématiciens : impression pro = 300 dpi (dot per inch en anglais, points par pouce), un pouce = 2,5 cm. 20 millions de pixels font 3800x5200. Soit pour le petit côté 3800/300x2,5, on arrive à 31,66 cm, soit à peu près 35 cm et pour le grand coté 5200/300x2,5 donne 43,33 cm, soit environ 45 cm. C’est le calcul théorique, dans la pratique, en restant raisonnable, on peut augmenter un peu la taille d’impression sans perte notable de qualité.

7. Les boîtiers professionnels renvoient en général 100 % de l’image, les boîtiers reflex « amateurs » en renvoient entre 80 et 100 %, ce qui n’est pas trop grave dans l’absolu : il ne vous manquera jamais un détail que vous n’avez pas pu voir puisque vous photographiez en fait plus que ce que vous voyez dans le viseur. Seule la précision en pâtit.

8. On notera que lors d’un travail en utilisant un pied photo, il est bon d’arrêter le système de stabilisation qui à ce moment-là ne sert à rien et peut même générer des erreurs. Par contre, toujours avec un pied photo, il est bon de se servir d’un retardateur pour éviter que le doigt en appuyant ne génère des vibrations. En général les appareils ont sinon un retardateur programmable, du moins un retardateur de 10 et 2 secondes. Le premier, réglé à 10 secondes, sert à avoir le temps de se mettre dans la photo, le deuxième, qui dure 2 secondes, sert justement à déclencher l’appareil parfaitement immobile, sans trop attendre.

9. L’objectif « standard » est un objectif de 50 mm de focale avec une vision à 45° à peu près équivalente à l’œil humain. Un « transtandard » sera un objectif équivalent, par exemple, à un 24-70 mm qui fera donc grand angle et petit téléobjectif en incluant la focale standard de 50 mm. Il y en a d’autres 28-105mm, 24-85 mm, etc.

10. On revient en détail sur ce point dans la partie technique, à la fin de l’ouvrage.

11. Pour les capteurs, la majorité possèdent le « micro 4/3 » qui offre une taille d’environ 18x14 mm, ce qui est déjà bien, avec en plus une kyrielle d’objectifs de différentes marques qui sont compatibles car possédant la même monture. Les autres offrent le plus souvent un capteur de type APS-C de 22x15 mm, ou même des capteurs 24x36 mm, mais dans ce dernier cas, le prix et le poids de l’ensemble flirtent avec les reflex.

12. On en reparlera dans la partie concernant plus spécifiquement les téléphones et leur utilisation ainsi que les selfies.

13. Chez Panasonic et Sony, il y a deux séries, normale et haut de gamme. Les hauts de gamme utilisent des optiques faites par des constructeurs de renom, respectivement Leica et Zeiss. Prendre de préférence ces appareils, c’est marqué sur l’optique, et au niveau netteté, ce qui s’appelle le « piqué » de l’objectif, vous serez sûrs des résultats. Nikon et Canon n’utilisent que des objectifs de leur propre marque.

14. Comme on l’a vu précédemment, la position « télé » va amener l’ouverture de f/2,8 ou f/3,5 à f/5,6, f/6,3 ou même f/8 ce qui fait perdre deux unités de diaphragme ou vitesse. Avec, cerise sur le gâteau, les mouvements involontaires de la main amplifiés par l’effet téléobjectif. D’où perte de netteté quasi assurée.

15. Conseil valable évidemment pour tous types d’appareils photo.

16. Le grip est une partie supplémentaire qui se visse sous le reflex et contient une deuxième batterie, ce qui double l’autonomie de l’appareil et en plus, de par son poids, lui donne meilleur équilibre et stabilité.

17. Le lecteur intéressé trouvera ici : http ://www.abricocotier.fr/21272-declenchements-appareil-photo-reflex-constructeurs diverses remarques à savoir sur le nombre d’obturations. Il trouvera aussi un lien vers les différentes statistiques par marque : http ://www.olegkikin.com/shutterlife/

18. Objectif dont le ressort du diaphragme est usé et qui, par manque de réactivité, le ferme après que l’obturateur a pris la photo. Photos surexposées assurées… Bien sûr à ne pas acheter, réparation chère.

19. « Des photos, j’en vois partout, comme chacun d’entre nous, aujourd’hui ; elles viennent du monde à moi, sans que je le demande ; ce ne sont que des “images”, leur mode d’apparition est le tout-venant (ou le tout-allant). » Roland Barthes, La Chambre claire, Note sur la photographie, Cahiers du cinéma, Seuil, Gallimard, 1980, p. 33.

20. Voir ou revoir à ce sujet Roland Barthes et son célèbre article « Rhétorique de l’image » sur la publicité Panzani, dans Communications, no 4, 1964, où « l’italianité » et son authenticité sont ancrées dans la photo par les couleurs vertes et rouges, les tomates, etc.

21. Photographe américain né en 1939. Univers de photo très baroque, avec mise en scène d’individus ayant des défauts physiques, ce qui renforce le côté dérangeant de ses photographies.

22. Man Ray (1890-1976). Photographe, peintre et réalisateur américain ayant principalement travaillé en France. A fait partie de l’école dadaïste, puis surréaliste.

23. Voir ce qu’il est dit plus haut sur la photo de lingerie, le nu « naturel » étant avec un pubis poilu, le raser complètement fait aussi passer dans le monde de la transgression. Très bizarrement, le rasage des dessous de bras chez la femme est entré tellement dans les mœurs que ce sont les aisselles velues qui maintenant sont devenues transgressives.

24. Avec Photoshop, une des méthodes parmi les plus simples est de faire image/réglage/mélangeur de couches, ensuite en bas du pop-up à gauche, cliquer sur monochrome. On peut jouer ensuite sur les 3 curseurs si besoin pour modifier l’image. Après on peut passer à image/réglage/niveaux puis faire automatique ou non et jouer pour éclaircir ou assombrir l’image.

25. On revient également en détail sur cet important point dans la partie technique : vitesse/diaphragme/profondeur de champ. J’encourage même le lecteur à regarder les illustrations où il verra qu’à partir de la quasi même photo, en jouant sur les vitesses et les diaphragmes, il peut en faire plusieurs très différentes.

26. Pas seulement pour l’œil humain… La cellule, pour mesurer l’exposition, a aussi besoin d’être d’un type spécial, appelé flashmètre, qui réagit assez promptement pour analyser un éclair.

27. D’une façon générale, l’usage de pare-soleil est très recommandé, d’une part pour éviter les lumières parasites, mais enfin et surtout pour protéger la lentille frontale de l’objectif. Ceux en caoutchouc épais ont l’avantage de se replier et aussi amortissent bien les chocs.

28. À moins d’installer des lampes pilotes également, mais là, on arrive à du bricolage de très haut niveau…

29. L’humoriste français Pierre Dac (1893-1975) a dit qu’il fallait « mettre un frein à l’immobilisme »…

30. Eugene Atget 1857-1927 a illustré La Vie parisienne avec son architecture, ses artisans, ses magasins etc.

31. Emmanuel Kant, philosophe (1724-1804). Un des trois axiomes de sa morale est : « Traiter l’humanité… comme une fin et jamais simplement comme un moyen. »

32. Le lecteur consultera avec intérêt l’article de Wikipédia qui lui est consacrée : https ://fr.wikipedia.org/wiki/Lomographie. Il y découvrira d’autres fleurons de la gamme tels le Olga 120 ou le Diana.

33. Tiré du blog de Jimmy Bonnal : http ://www.jbonnalfr/6-mois-avec -le-lomo-lc-a/

34. JPEG (Joint Photographic Experts Group). Réunion d’experts qui a formalisé la norme et les algorithmes de compression de l’image. Le tout a été finalisé en 1991-92.

35. TSL : Teinte, saturation, luminosité, chacune ayant une valeur qui lui est attribuée, une autre manière de définir une couleur que RVB, rouge, vert, bleu ou encore que CMJN, cyan, magenta, jaune, noir plus souvent utilisée en imprimerie.

36. Transformée de Fourier : décomposition d’une information ou un signal en une série de fonctions mathématiques. Pour la description complète de la compression JPEG, voir : https ://fr.wikipedia.org/wiki/JPEG#La_compression_JPEG. Il va sans dire que c’est plutôt réservé aux mathématiciens…

37. TIFF : tagged image file format. Image où chaque point la composant est décrit. Ce qui donne un gros volume d’informations, donc un gros volume tout court. Mais dans un respect total de l’image, sans aucune perte qualitative. Pour plus d’information, voir dans la partie technique le chapitre concernant les types d’images.

38. http ://www.01net.com/actualites/comment-ca-marche-la-colorimetrie-270629.html. Voir plus spécifiquement le passage intitulé « la couleur, un choix marketing ».

39. Dérawtiseurs, autrement appelés logiciels de dématriçage, il y a entre autres : Lightroom et Caméra Raw chez Adobe, éditeur de Photoshop, autrement il y a Phase One et DXO, Nikon propose Capture NX2 et chez Apple, il y a Aperture. Liste non limitative, il s’agit simplement des principaux.

40. Une glaceuse ressemblait peu ou prou à un appareil de pressing, avec une toile plaquant la photo sur la surface chauffante en métal. Elle permettait de donner un fini brillant aux épreuves sur papier normal et non sur papier plastifié (il aurait fondu…). Si la photo était mise à l’envers, c’est-à-dire côté avec l’image contre la toile, elle permettait de les sécher assez rapidement, sans avoir cette finition très brillante et connotée années cinquante que beaucoup n’aimaient pas.

3. Prise de vue, des décors et des lieux

La première question se posant étant celle de l’endroit où faire les photos, le plus simple est de les faire chez soi, là où on a tous les éclairages et autres réflecteurs. Même un coin de l’appartement peut être aménagé en mini-studio, amovible si besoin.

Pour ce faire, outre le matériel dont on parlait précédemment, et puisqu’il s’agit de photos érotiques, un sofa ou un lit revêtu de jolis tissus et de quelques coussins peuvent faire l’affaire. Le fil directeur qui doit guider le photographe est l’épuration à la fois des lignes et des décors.

À moins de vouloir faire délibérément dans la photo dite « amateur », il est sûr qu’une télévision, un réfrigérateur ou une bouteille de vin entamée et des verres sales dans le décor ne font pas bon ménage avec la photo érotique. Le regard de la personne qui voit la photo doit pouvoir se concentrer sur le modèle et non sur un tas de détails ménagers sans intérêt.

Parlant de la photo « amateur », et en mettant de côté ceux qui la pratiquent ingénument, il faut savoir que, de même que la vidéo « amateur », c’est vraiment un style à part qui, concernant la vidéo, peut être fait par des sociétés de production qui, elles, n’ont rien d’amatrices. Il y a une forte demande du public pour ce genre de production.

Qu’est-ce que le public de ces films ou images y cherche ou y trouve ? C’est une bonne question. Peut-être de retrouver des décors semblables à son vécu quotidien le renforce-t-il dans l’idée que « ça pourrait lui arriver » ?

Peut-être aussi que la banalité du décor et l’absence de charisme des acteurs le confortent dans l’idée que la séquence tournée est authentique ?

Globalement, on peut penser que le côté Monsieur et Madame Tout-le-Monde ressortant de l’ensemble facilite l’identification et en est la raison du succès.

Le dépouillement

Donc, à moins de vouloir délibérément s’orienter vers ce style de prise de vue, on notera que dans quasiment toutes les photos érotiques professionnelles, le dépouillement est de rigueur, même dans des endroits trash comme une cave ou un parking, il n’y aura pas, à titre d’illustration, une bicyclette suspendue au mur juste derrière le modèle. On peut faire un parallèle entre cette attitude et le flou derrière le sujet qui est fait volontairement en photo de portrait : on ne laisse rien qui puisse détourner de l’attention portée au visage et particulièrement aux yeux1 du sujet photographié. Identiquement, ici on s’arrangera pour qu’il n’y ait pas d’objets non nécessaires à l’atmosphère de la scène qui viennent la perturber.

Pour en revenir à la photo faite chez soi, et sans aller jusqu’à l’investissement que constituent des fonds déroulants2, on peut se rendre dans certains magasins style « Marché Saint-Pierre » pour faire l’emplette de quelques coupons de tissus de couleurs et de textures différentes pour parfaire à l’occasion certains décors. Sinon, pour ceux qui n’ont ni la place ni le désir de faire les photos chez eux, il reste la solution d’aller chez le modèle, quelques-unes d’entre elles (ou eux) offrent cette option. Mais, à part peut-être celles qui proposent un véritable coin studio, on risque fort de se retrouver dans un salon, une chambre ou une salle de bain encombrés d’objets usuels, ce qui, sauf à faire un rangement sévère, mènera inéluctablement vers des photos de style amateur comme on vient juste de le voir.

À l’hôtel, sur le balcon ou en voiture

L’autre solution, qui n’est pas la plus mauvaise et est dans l’ensemble assez utilisée par les photographes, est de prendre pour quelques heures une chambre d’hôtel.

Ce qui ne dispensera pas, à moins de travailler avec un flash sur l’appareil photo, d’amener des éclairages, car il est sûr que le plafonnier ou les lampes de chevet ne donneront pas assez de puissance lumineuse.

Mais au moins on est sûr, en prenant un hôtel d’une certaine catégorie, d’avoir un décor clean et design qui se prêtera aux images. Toutes les chambres d’hôtel étant à peu près dans le même style et facilement reconnaissables en tant que tel, cela peut donner aux photos un côté amours tarifés ou adultérins qui sierra bien à l’érotisme des scènes.

Un autre endroit où vous pouvez travailler en toute sérénité est aussi un balcon ou une terrasse à vous ou qu’un ami vous aura prêtés. Le seul point critique, si vous ne voulez pas entendre la maréchaussée frapper à la porte, est de vérifier l’absence de voisinage, non seulement en vis-à-vis, mais aussi sur les côtés et au-dessus, un voisin se penchant de son balcon peut être aussi gênant que le voisin d’en face…

L’intérêt est de bénéficier de la lumière du jour, mais en plus, si en fonction de l’orientation du lieu et de la saison, on choisit bien son heure de prise de vue, on peut jouir d’une somptueuse lumière rasante qui fera divinement ressortir le grain de peau des modèles.

Un autre décor qui se prête assez bien à la photo érotique est la voiture, ici en l’occurrence il suffit de trouver un endroit désert, se garer et faire la série de photos dont on a envie. Il est possible de le faire en plein jour sous une belle lumière, mais aussi de nuit, au flash pour donner aux images un côté reportage, ou un côté encore plus dépravé, comme des images prises à la va-vite par un voyeur dans une allée du bois de Boulogne.

La nature

Dans le cadre de la nature également, certains rêvent de faire des photos dans un camp naturiste. Quelque part, le raisonnement se tient, faire des photos de nu dans un endroit où tout le monde est nu, quoi de plus simple et logique. Hélas, c’est fortement à déconseiller, l’encadrement de ce genre de camps fait très vite la différence entre les photos d’adultes ou de bambins prises entre amis ou en famille et les photos de charme où l’œil exercé reconnaît tout de suite un photographe et un modèle : ce qui sent le soufre ne plaît pas du tout aux puristes…

Le mieux dans ce genre de situation est de s’éloigner au maximum vers un endroit inoccupé pour faire ses photos au bord de la plage tranquillement. Sinon, la solution est d’aller vers les dunes qui généralement, mis à part une population gay clairsemée et tolérante, sont assez désertiques.

Si, toujours tenté par la nature, on veut faire des photos en forêt, il vaut mieux éviter les samedis, promenades familiales, et aussi, pour raisons de sécurité, les dimanches ou les chasseurs sévissent… Pareillement, il faut penser à s’éloigner des chemins de grande randonnée si on ne désire pas en plein milieu d’une séance torride se retrouver nez à nez avec une bande de louveteaux guidée par un abbé sportif ou le hamster jovial du coin.

Lieux divers

Ainsi, petit à petit, on a glissé d’un espace de prise de vue privé, la chambre d’hôtel, l’appartement, vers un espace public qui, doit-on dire, est très présent dans la fantasmagorie photographique. Beaucoup de photographes rêvent de faire des photos sur des emplacements publics et connus, pour avoir un monument en arrière-plan, ou alors carrément dans des gares ou dans le métro.

D’autres, fascinés par les ascenseurs de divers lieux célèbres, imaginent les bloquer quelques minutes, le temps de faire des images aussi inhabituelles qu’érotiquement chargées…

D’autres encore, ayant des fantasmes plutôt batailliens orientés vers des transgressions religieuses, rêvent également de prises de vues dans des églises, ou imaginent des créatures en porte-jarretelles dont les longues jambes sortent d’un confessionnal dans un appel explicite à la fornication…

Les possibilités d’emplacements publics pour des prises de vues étant illimitées, on s’arrêtera là, ces quelques exemples servant uniquement d’illustration et n’étant pas des suggestions !

De plus, le but de ce livre n’étant en aucune manière d’envoyer les gens en prison ou tout au moins d’avoir des démêlés avec la justice pour atteinte à la pudeur ou autres choses illégales, je ne puis que proscrire formellement de faire ce genre de photos : il y a assez d’images à créer dans des endroits privés sans délibérément aller chercher les ennuis !

En outre, ce n’est pas donné à tout le monde : il faut, en plus d’avoir des nerfs d’acier, avoir une technique irréprochable pour pouvoir travailler très vite tout en surveillant les alentours.

Du côté du modèle, déjà en en ayant un qui accepte, il faut qu’il soit vigilant, rapide dans ses poses et que la personne soit prête en un dixième de seconde à renfiler le large manteau qu’elle aura toujours près d’elle pour se couvrir.

L’ensemble fait beaucoup à gérer.

Le club

Pour clore ce chapitre, un dernier mot sur un endroit qui fait toujours beaucoup couler d’encre et beaucoup travailler l’imaginaire : le club échangiste.

Là, deux possibilités : si vous pensez débarquer en pleine soirée « active » pour prendre en photo les personnes présentes dans leur occupation favorite, il y a peu de chance que l’autorisation vous en soit accordée. Même si vous connaissez le patron ou la patronne et êtes, vous aussi, parfois client ou ami, il sera très délicat pour eux de vous donner le feu vert. Les gens, surtout dans un lieu privé de ce type, ont droit à un anonymat absolu, il y a un droit à l’image avec lequel on ne peut plaisanter. Les rares fois où un reportage se produit dans ces endroits, c’est en général pour un évènement spécifique. En plus, c’est fait par un journaliste connu, pour un magazine connu également en sachant que, s’il y a parution, les visages seront floutés et que les photos resteront anonymes.

La seconde possibilité, qui a l’avantage d’être plus réaliste, à condition toutefois de connaître les responsables ou d’avoir un très bon relationnel, est de demander qu’on vous prête ou loue la salle à une période ou le club est inoccupé. L’intérêt est de pouvoir bénéficier de décors intéressants, avec des banquettes profondes, des miroirs immenses, le tout très cosy. Certains clubs possèdent aussi une pièce ou cave aménagée en donjon de dominatrice avec cage, chaînes, croix de saint André, qui peut permettre de faire quelques séries de photos à connotation SM.

1. En photo de portrait, lors de la prise de vue, toujours faire la netteté sur les yeux, c’est là que se porte en premier l’attention de celui qui regarde la photo. C’est aussi le plus important dans la mesure où à travers les yeux passent l’état d’âme et les émotions du sujet photographié. On peut s’en souvenir également en photo érotique, le désir, la sensualité passent aussi par les yeux…

2. Les fonds déroulants, montés sur support amovible ou carrément fixés au mur, sont des rouleaux de papier épais d’environ 2,50 m de large dont on déroule la quantité nécessaire, plusieurs mètres qui serviront à la fois de plancher pour le modèle et de fond coloré pour la photo. L’intérêt est que le papier se plaçant en arrondi à l’intersection du mur et du plancher, la cassure disgracieuse entre les deux est évitée.

4. Les modèles

La compagne

Souvent, les premières contributrices seront les épouses ou les compagnes des apprentis photographes.

Le photographe est assuré d’avoir un modèle à disposition, à condition bien évidemment que sa compagne soit d’accord pour l’aventure. En plus, pour ses premiers balbutiements, il évite de partir dans cette quête du Graal d’un modèle correspondant à ce qu’il cherche dans un univers qu’il ne connaît pas trop.

Avec sa compagne, aucunement besoin de jouer au pro. Elle le connaît et sait parfaitement où il en est du point de vue de la photo, ils auront peut-être acheté les éclairages ensemble... Ce qui crée une situation décontractée idéale pour un premier apprentissage.

Quant à madame, elle ne fera pas montre d’une pudeur excessive, peut-on penser, devant un compagnon avec qui elle vit et partage tout depuis plusieurs années.

Bien au contraire, sans parler ici de thérapie, la photo resserrera les liens du couple. Les femmes étant souvent inquiètes de leur pouvoir de séduction, être prises en photo les rassurera quant à leur esthétique et à leur capacités à être désirables. Monsieur, lui, sera fier de prouver à sa compagne qu’il est un peu artiste et est capable de la sublimer.

En parallèle, il y aura aussi un effet bénéfique sur le désir du nouveau photographe, car outre que la séance peut être torride et avoir des effets directs sur lui, l’être humain est ainsi fait que son désir est lié très souvent au désir qu’ont les autres. Photographier son épouse, même en ne faisant pas circuler les photos, c’est déjà la rendre un peu publique et ne serait-ce qu’imaginer la concupiscence des autres hommes devant les clichés renforcera ou ranimera, si besoin, sa flamme amoureuse.

Le désir du modèle improvisé ne devrait pas en souffrir non plus. Être sous les sunlights l’espace d’un instant, oser se montrer, être la proie de l’objectif, jouer le rôle de l’hétaïre ou de l’exhibitionniste, braver des interdits devrait là aussi avoir un effet tangible sur sa libido.

Accessoirement, la photo peut aussi être un excellent moyen pour faire passer des demandes que monsieur n’a jamais osé formuler… Du style : « Si tu mettais des bas à couture, ça ferait des photos années cinquante, ce serait top ! », ou « Mets-toi le godemiché plutôt dans l’anus, ça dégagera ta fente pour la photo » ou encore : « Je vais te prendre sur les toilettes, ça aura un coté intimiste », etc.

Madame aussi dira peut-être : « Prends-moi en photo pendant que je me masturbe, ça sera chouette » ou « Fais des photos de l’autre main pendant que tu me rentres tous tes doigts » ou encore « J’ai envie que tu me prennes avec une sucette et un kilt à carreau comme une écolière perverse ».

Bref, on s’arrêtera là. Il ne s’agit pas de faire une liste exhaustive des non-dits, des non explicités, des fantasmes non assouvis qui peuvent subsister dans les couples, mais juste de montrer que la photo peut être un prétexte pour aller plus loin et aider à lever certaines barrières.

À cet instant, on peut tout se permettre dans le couple, puisqu’on le fait pour la photo ! Après, s’il s’avère que la pratique plaît aux deux, le premier pas aura été fait et la fois suivante l’appareil photo ne sera plus forcément nécessaire…

Ici, pour redire un mot du retardateur déjà évoqué dans cet ouvrage : il est absolument impératif lorsque le couple veut faire dans l’image pornographique et qu’il n’y a aucune tierce personne pour tenir, sinon la chandelle, du moins l’appareil !

Propos qui mérite d’être relativisé, toutes les positions ne le nécessitent pas : une fellation photographiée d’en haut peut être prise l’appareil à la main, de même une masturbation ou un cunnilingus que la femme peut immortaliser en vue aérienne également. C’est plutôt dans le cadre de la pénétration que c’est plus difficile et que le retardateur est bienvenu. Il peut y avoir la solution de mettre une glace et de photographier l’image se trouvant en reflet, mais ce n’est guère pratique.

Un pied photo et le retardateur, à condition d’avoir fait soigneusement son cadrage avant, sont la meilleure solution.

La bonne nouvelle est que tous les appareils en sont pourvus. En plus du retardateur, cerise sur le gâteau, beaucoup de numériques disposent maintenant d’un intervallomètre intégré : on peut lui dire de prendre ainsi une photo toutes les quinze secondes pendant trois minutes, ou autres réglages, ce qui peut être très pratique.

À l’origine, les intervallomètres sont conçus pour prendre des sujets, de la nature ou de l’industrie, dont le changement prend un certain temps : un coucher de soleil, la construction d’une route, une fleur qui pousse, etc. La finalité est de rassembler les images pour faire un film en accéléré.

Mais dans la situation qui importe ici, il peut permettre de prendre plusieurs images de sexes en action pour après ne garder que les meilleures.

On peut se prendre à rêver et penser que madame, dans le feu de l’action photographique, se mettra à accepter une forme de coït qu’elle avait peut-être jusque-là refusée à monsieur, juste pour dégager la vue sur sa vulve…

Ainsi, on vient de le voir, la photo érotique pratiquée à l’intérieur d’un couple peut être un fabuleux élément de rapprochement physique, bien évidemment de par l’excitation générée, mais aussi intellectuel dans la mesure où les deux partenaires sont en synergie vers un projet commun qui sent le soufre et les rend complices.

Conséquence directe de ce qu’on vient de voir pour le couple : que l’apprenti photographe ou le photographe amateur voulant se lancer dans l’érotisme n’hésite pas à prendre son épouse, maîtresse ou compagne pour débuter, c’est la meilleure des choses à faire avant de se lancer dans l’univers des modèles.

Certains n’en auront peut-être pas besoin, il y a des photographes ou des peintres qui ont représenté la même femme toute leur vie. L’amour et le désir sont des choses tellement personnelles, sinueuses et imprédictibles qu’il n’y a ici rien d’étonnant et rien à y redire non plus.

D’aucuns diront que ce sont des personnes ayant compris que l’herbe n’est pas forcément plus verte ailleurs, on leur laissera la responsabilité de leur assertion…

Donc, avant d’être confronté à l’inconnu, et même à des « inconnues », avoir fait quelques séries avec sa chère et tendre donnera un minimum de technique et d’assurance au nouvel érotomane.

Une modèle

Une fois le photographe quelque peu familiarisé avec son matériel ou les éclairages et ayant perdu ses premières appréhensions, le problème se pose avec acuité : où et comment trouver des modèles ?

Une première réflexion d’ordre général s’impose à l’esprit et à peu près tous les photographes disent la même chose : il est plus difficile de trouver des modèles que de faire les photos.

Les modèles peuvent dire exactement la même chose en inversant les termes.

C’est malheureux, mais c’est vrai.

À quoi cela tient-il ? Un manque de sérieux général ? Oui et non.

La vérité se situerait plutôt dans des déceptions réciproques, ces demoiselles sont lassées d’avoir très souvent affaire, pour les photographes amateurs tout du moins, à des messieurs dont le principal souci artistique est d’essayer d’obtenir une séance photo plus exhaustive en termes de plaisir.

Lorsque la séance a lieu, bien sûr… car elles sont aussi lassées et saturées des mythomanes qui n’ont jamais fait de photos et n’en feront jamais, des individus qui font durer de soi-disant conversations téléphoniques pendant qu’ils tiennent l’appareil d’une main, l’autre étant très occupée.

Donc, à force d’être traitées avec mépris, elles en viennent à traiter les autres de la même manière. Ce qui ne veut pas dire que tout est noir du côté des photographes et blanc du côté des modèles. Il y en a aussi ,des mythomanes, ou des filles chez qui poser un lapin est un mode de vie, mais dans l’ensemble les photographes ou soi-disant tels sont les plus à blâmer.

De toutes celles que je connais à titre personnel et de toutes les conversations que j’ai pu avoir avec elles, il ressort que de façon quasiment systématique les modèles respectent les peintres ou les sculpteurs, mais sont beaucoup plus réservées quant aux photographes…

J’imagine que l’authenticité de la démarche tient simplement au fait qu’il est plus difficile de bluffer sur une vocation de peintre ou de sculpteur qui, outre des connaissances techniques, nécessiterait tout un ensemble de chevalets, pinceaux, burins, etc., alors que se dire photographe lorsqu’on est simplement voyeur, mythomane ou encore avec une affection débordante est plus simple à tous les niveaux.

ÊTRE SINCÈRE

En fonction de ce qu’on vient de voir, le seul conseil que je peux, à titre personnel et par expérience, donner à tous ceux qui veulent créer des images érotiques et qui par conséquent rentrent en contact avec des modèles est celui-ci : soyez sincères1 ! Je veux dire par là que si vous débutez vraiment, n’ayez pas honte de le dire, les personnes qui posent vous sauront gré de votre franchise, qu’elles préféreront à toutes les fanfaronnades et autres mythomanies qu’elles entendent à longueur d’année.

En plus, au cours de la séance, vous n’aurez pas à jouer au professionnel, ce qui entre parenthèses ne trompera personne, et de plus, les modèles elles-mêmes dont beaucoup sont serviables et attentionnées prendront soin de vous aider à réaliser vos images. L’intérêt du numérique se retrouve ici aussi : après quelques vues, rien n’empêche de retourner en arrière et de regarder avec elles sur l’écran de l’appareil le résultat de ce qui vient d’être fait, ce qui renforce la notion de collaboration.

Après, au cours de votre parcours photographique, quand vous aurez fait ne serait-ce qu’une séance et aurez des images à montrer, ce sera plus facile. En fait, ce que veulent les modèles, c’est voir vos images, pour en voir la qualité, mais surtout pour voir que vous êtes vraiment photographe, car ceux qu’elles appellent souvent en riant « les pervers » n’ont justement pas d’images à montrer et ils noient cette carence sous un discours autosuffisant et pléthorique.

Si vous avez fait ou participé à des expositions ou avez eu la chance d’être publié, même une fois et même dans un domaine autre que l’érotisme, même si c’est dans le journal de la mairie d’un obscur village provincial, montrez-le ou parlez-en, vous serez dès lors considéré comme quelqu’un qui aime et apprécie la photo et ça simplifiera grandement le relationnel.

OÙ TROUVER DES MODÈLES ?

Il y a bien évidemment tout d’abord le relationnel : des amies, des amies de sa compagne, des amies d’amies, etc. Mais si on ne se trouve pas déjà dans un milieu artistique où la notion de poser pour des photographes ou autres est assez courante, c’est assez difficile. Il y a aussi la possibilité, au cours d’une rencontre faite au hasard, de demander à la personne si elle veut poser, ou même à la caissière de la supérette où on va habituellement, ou à la secrétaire de son cabinet médical, etc. Quelquefois, de façon surprenante, la réponse est un oui enthousiaste, mais c’est assez minoritaire, en général on va dans un mur.

Sur internet

Sinon, le plus simple de nos jours est de passer par internet, en tapant « modèles photo » sur un moteur de recherche, on arrive à tout un tas de sites qui se proposent de mettre en relation photographes et personnes posant.

Un des plus simples, entièrement gratuit et très sérieux est www.bookfoto.com/ qui permet de déposer des photos pour se créer un book en tant que photographe et également de contacter les modèles par messagerie. En général, elles répondent assez rapidement et il est possible ensuite d’échanger ses numéros de téléphone pour convenir d’un rendez-vous.

Les modèles renseignent une fiche présentant des photos qui indique si elles posent pour la mode, des portraits, le nu académique ou érotique, etc. Ce qui est très pratique par rapport au style de photos envisagées.

En plus, il dispose d’un moteur de recherche très bien fait

Un autre site qui semble être le pendant du précèdent, plus spécialisé dans l’érotique ou le pornographique est : www.book2charme.com/. Il est payant via un appel sur un serveur vocal qui délivre un code donnant la possibilité d’avoir trois contacts par mail pour un coût à peine supérieur à deux euros.

Autre site qui a très bonne réputation chez les photographes et les modèles : https ://www.book.fr/. Je crois savoir qu’énormément de modèles photos y sont inscrits, à l’instar de mannequins professionnels. Il semble être gratuit également. Enfin un dernier site, parmi les plus anciens et qui est entièrement gratuit et très bien fait est www.focale31.com/. Il permet aussi d’envoyer des messages et d’en recevoir. Les personnes qui posent sont classées par régions et les nouveaux modèles sont signalés, ce qui est appréciable.

La liste n’est bien sûr ni exhaustive ni limitative. Comme on le disait, un moteur de recherche en fait apparaître quantité d’autres et je me suis borné à parler de ceux que je connais personnellement, qui sont gratuits ou dont j’ai positivement entendu parler. Je m’en excuse auprès de tous ceux qui auraient mérité d’être cités.

L’érotomane amateur, dès qu’il aura acquis quelque expérience, saura trouver, dans la jungle des résultats sur internet, les sites qui lui conviennent…

Tout en sachant que d’un site à l’autre on retrouve assez fréquemment des modèles qu’on a déjà vus. Ceux-ci, en multipliant les sites, multiplient également les chances de trouver de nouveaux photographes ce qui est parfaitement compréhensible.

LES MODÈLES D’ÉCOLE D’ART, DE LA PRESSE ET DES ASSOCIATIONS

Une façon de trouver des modèles est d’aller voir dans les cours de dessin ou les écoles d’art s’il n’y a pas un panneau où sont punaisées des petites annonces. Dans celles-ci, on est quasi-sûr de récupérer quelques numéros de téléphone de personnes dont la pose est le métier.

La presse spécialisée dans la photo et possédant des pages de petites annonces peut également être d’un grand secours, car souvent, en plus des annonces de vente ou achat de matériel, il y a aussi des offres de poses. Sans perdre de vue toutefois que la presse traditionnelle est hélas en perte de vitesse par rapport à internet et qu’il y a bien plus d’offres via le web.

Une autre façon de rencontrer des modèles est, ou plutôt était, via les associations mettant en contact les deux. Celles-ci organisaient des réunions pour que les deux parties puissent se rencontrer, organisaient éventuellement des stages de photographie à thème ou encore publiaient régulièrement un bulletin. Je parle ici à l’imparfait, car à une certaine époque il y en avait plusieurs qui marchaient très bien. Avec internet et la rapidité qui va de pair, en parallèle d’un changement dans les mœurs, il semblerait que leur nombre se réduise. La seule qui me vienne à l’esprit, et je m’en excuse pour les autres, est Photo-Look2, basée à Limoges, mais organisant les réunions sur Paris. Son URL est : www.photo-look.org/. Le lecteur aura remarqué qu’en aucune manière, dans ce livre, il n’a été question de castings ou d’agences de mannequins, ce qui est pourtant fortement ancré au niveau culturel. Ce n’est pas un hasard, mais bel et bien voulu. Dans cet ouvrage, j’ai voulu montrer, toujours dans un but de simplification, que, via internet, ou par d’autres biais tout aussi aisés, il est possible de trouver et rencontrer quantité de modèles sympathiques qui ne demandent qu’à poser.

PREMIERS CONTACTS

Il y a un instant, je parlais de changement dans les mœurs. Un exemple de cette évolution : il y a quinze/vingt ans, avant de faire des photos avec un modèle, on se rencontrait dans un café pour se montrer nos books réciproques, on parlait de la séance, de ce qu’on allait faire et si on sympathisait et tombait d’accord, on prenait rendez-vous quelques jours plus tard pour vraiment faire la séance photo. Aujourd’hui, on communique par messagerie, on se donne éventuellement un coup de fil et on embraye directement sur la séance photo sans avoir vraiment rencontré la personne. Rapidité en tout de l’époque….

Pour en terminer sur les rapports avec les modèles, je voudrais faire trois brèves remarques :

La première est que les visions esthétiques entre le photographe et le modèle ne coïncident pas forcément : car si vous, photographe, cherchez le côté esthétique de la photo en général, en mettant en quelque sorte la personne qui pose au second plan, le modèle cherchera des photos esthétiques, mais qui correspondent à la vision qu’elle a d’elle-même et la mettent en valeur. Comme dans la théorie des ensembles, les deux visions ne se superposeront pas forcément, il y a certaines photos que vous plébisciterez tous les deux et d’autres pas forcément…

Donc, ne soyez pas étonnés de la non-convergence parfois des avis. Après, il n’y a qu’à conserver les images que vous aimez pour vous et donner à la personne les photos qui lui plaisent, le tout dans la bonne humeur.

Il est nécessaire d’insister sur un point : lorsque vous promettez des photos en fin de séance, tenez parole, ou alors ne promettez rien. C’est une complainte récurrente chez les modèles que les photographes n’envoient jamais les photos qu’ils ont promises. C’est d’autant plus facile maintenant qu’il n’y a pas de tirages à faire, juste un jeu de photos en moyenne définition à envoyer par internet, ce qui prend quelques minutes. Ce n’est rien, mais c’est important au niveau du respect de ce qu’on dit et au niveau du relationnel.

Si tout se passe bien, et qu’elle n’est pas déçue, elle posera à nouveau pour vous sans souci, ou même vous donnera le téléphone d’amies à elle qui posent également.

Deuxième remarque : Jeanloup Sieff avait dit : « La photo, c’est comme l’amour, cela se fait à deux. » Rien de plus juste, une tierce personne est toujours de trop, et surtout dans le portrait ou l’érotique, vous n’obtiendrez les images que vous souhaitez vraiment uniquement que dans un tête-à-tête avec le modèle3.Il est évident que lorsqu’on fait des photos de groupe, ou avec plusieurs mannequins, la problématique est différente, mais ça reste vrai, plus il y aura de personnes non « nécessaires », plus il sera difficile d’avoir ce qu’on veut.

Une illustration simple : il arrive quelquefois qu’elles viennent, par peur de se retrouver en mauvaise situation, accompagnées. Dans l’absolu, rien à y redire, sinon que vous devez exiger que la personne accompagnante, une fois qu’elle aura vérifié qu’il n’y a pas de traquenard, sorte, ou tout du moins reste dans une autre pièce. Autrement le modèle ne va pas poser pour vous, mais par pudeur ou par souci de plaire, va poser pour l’amie qui l’accompagne ou pour son petit copain, ce qui fait que vous n’aurez jamais les images que souhaitiez.

LA PHOTOGÉNIE

En regardant les résultats de certaines photos, il peut y avoir une surprise également, elle est liée à la photogénie de certaines personnes. C’est une chose qui n’est pas liée à la beauté, des personnes très belles dans la vie courante peuvent très mal passer en photo et des personnes moyennes donner des résultats extraordinaires. C’est aussi fascinant que non quantifiable et non explicable, mais c’est présent… Tout le mal que je souhaite à notre nouveau photographe érotique est d’en croiser parfois sur son parcours, Il saisira alors mieux ce que je voulais dire.

GENRES DE MODÈLES

La dernière remarque que je souhaiterais faire concerne la psychologie des modèles.

Souvent, dans la fantasmagorie masculine, les modèles pour photographes amateurs, comme les mannequins professionnels vus dénudés dans les pages glacées des magazines « pour hommes », sont des créatures avides de stupre et de fornication dotées en plus d’un exhibitionnisme hors du commun.

La réalité est tout autre. Ce sont simplement des personnes qui font un travail, et qui justement, comme les danseuses ou les danseurs, travaillent avec leur corps, ont une vie affective ou familiale et ne sont absolument pas en attente de tomber sous le charme des irrésistibles photographes pour qui elles posent…

Ceci une fois posé, j’ai souvent rencontré chez les modèles photo plusieurs types psychologiques :

Il y a souvent la personne qui aime la photo, et souhaite participer à un processus créatif, ce qui génère beaucoup d’échanges et c’est très intéressant. Pour l’anecdote, je dirai que parmi celles-ci, il m’est arrivé de rencontrer au moins deux fois des étudiantes en photo qui souhaitaient vivre également l’expérience d’être de l’autre côté de l’objectif.

Il y a aussi la personne qui a déjà un travail ou non, mais qui souhaite arrondir ses fins de mois. Là, il y a deux catégories : celles qui sont simplement vénales et avec elle le rapport relationnel n’est pas forcément le meilleur. L’autre type est celles qui en plus d’arrondir leurs fins de mois, aiment la photo et s’y intéressent, ce qui les a amenées à poser, et en plus le vivent sur un mode ludique, c’est-à-dire qu’en plus de gagner un peu d’argent, elles veulent s’amuser, ce sont souvent les plus sympathiques.

Une autre caractéristique psychologique qu’on rencontre assez souvent, c’est celles qui sont inquiètes, elles ne s’aiment pas trop, se trouvent un tas de défauts, le plus souvent imaginaires, et le fait de se faire photographier les rassure. Elles se disent : « Si on me prend en photo, c’est que je ne dois pas être si mal que ça, même belle éventuellement… » Ne parlons pas de thérapie, mais la photo est vécue un petit peu sur ce mode quand même.

Ce que vous rencontrerez assez souvent aussi, ce sont de vraies professionnelles qui vivent de la pose, travaillent en posant pour des ateliers style beaux-arts, ou dans des sessions privées ou collectives de pose chez des peintres ou des sculpteurs, et également pour des photographes. En général, ce sont des personnes qui ont un rapport très décontracté avec la nudité, ont une passion pour tout ce qui est artistique et sont d’un abord très agréable. Leur passion, homme ou femme, pour ce qui est artistique, se vérifie simplement dans le pratique : on ne reste pas deux heures à poser dénudé et immobile dans un atelier glacial, entouré de vingt personnes en n’étant pas motivé par autre chose qu’un salaire dérisoire.

Une autre catégorie de modèles qu’on rencontre parfois sont les narcissiques, elles sont très contentes d’elles-mêmes et vous autorisent à profiter de leur beauté, la photo est là pour les conforter dans leur bonne opinion et vous, en tant que photographe, êtes un peu la cheville ouvrière de leur autosatisfaction… Souvent avec elles, comme avec celles qui sont uniquement vénales, le rapport n’est pas forcément le meilleur.

Une fois, il m’est arrivé de tomber sur un modèle qui ne s’intéressait pas trop à la photo, qui n’avait apparemment pas de besoins financiers spécifiques, qui n’était pas professionnelle de la pose non plus. Bref, qui semblait plutôt là en touriste. En parlant avec elle, j’ai pu savoir qu’en réalité c’était son mari qui l’envoyait poser, non pour avoir des photos artistiques d’elle, mais parce qu’il était excité de savoir qu’elle s’était dénudée et exhibée devant un autre homme et avait suscité le désir de ce dernier4… Comme quoi, il y a des motivations qu’il serait difficile de trouver de prime abord.

Pour terminer, on peut parler des exhibitionnistes véritables, je serais un énorme menteur si je disais n’en avoir jamais rencontré, mais en tout cas, c’est ultra-minoritaire quant à l’échantillon humain que les modèles photos représentent, je serais tenté de dire quelques pour cent, cinq au plus…

Une anecdote personnelle

Faisant des photos avec une amie de longue date, je lui ai dit que ce jour-là, elle avait l’air particulièrement excitée et lui ai demandé si c’était de dévoiler en gros plans son anatomie intime qui la chamboulait et si elle était en quelque sorte exhibitionniste et là elle m’a tout simplement répondu que ce n’était pas à proprement parler de s’exhiber qui la mettait dans cet état, mais que c’était de voir l’excitation qu’elle produisait sur moi qui l’excitait à son tour…

Ce qui montre que l’esprit humain est parfois complexe, et que celle qui était vue comme exhibitionniste ne l’était en réalité pas…Gentleman, je tairai l’issue de la séance.…

Comme dans la vie courante, ces caractères ne sont jamais monolithiques, on aura de cette façon la personne qui est passionnée par la photo sur le plan artistique, mais aussi inquiète sur sa plastique. On peut trouver également la fille qui veut gagner un peu d’argent, mais qui en même temps pratique la photo de paysage et donc s’intéresse aux vitesses, aux diaphragmes, à toute la technique. Une autre enfin qui, bien que pudique et timide, s’exhibera sans retenue, simplement car elle veut se prouver à elle-même qu’elle peut y arriver, etc.

En fait, il est possible de tout permuter dans des pourcentages divers et c’est ce qui rend les rencontres passionnantes. Ceci dit, les modèles pourraient tout aussi bien dire beaucoup de choses des photographes : l’un va être cent pour cent voyeur et pas du tout artiste, l’autre artiste, mais aura honte des poses qu’il suggère et passera par d’incroyables circonvolutions pour demander ce qu’il veut, le troisième quelque peu immodeste et narcissique parlera de lui-même comme s’il était le nouveau Newton ou Mapplethorpe, etc. L’être humain a un côté grandiose, mais aussi dérisoire, la photo n’y échappe pas.

Pour finir ce chapitre sur les modèles et donner une petite idée de ce à quoi elles peuvent être confrontées, deux anecdotes authentiques qui m’ont été raconté :

La première par un modèle qui, lors d’une prise de vue, ne vit jamais le photographe recharger son appareil. Quand on sait qu’à l’époque de l’argentique une bobine de film faisait maximum 36 poses et que ce jour-là le photographe a fait plus de 200 photos sans en remettre une seule... on ne peut qu’être fasciné par le côté pitoyable de la chose !

Avec son appareil photo vide, ce voyeur ne s’assumait pas et se faisait passer pour photographe, un faux-tographe, pour reprendre l’expression d’un modèle et qui est depuis devenu un jeu de mots assez répandu. Maintenant, on peut se figurer un instant l’état d’esprit de la personne qui posait… Que faire, que dire ? Elle m’a dit n’avoir rien fait, ce qui se comprend, la réaction du voyeur démasqué aurait pu être incontrôlable.

Une autre anecdote est celle d’un papy emmenant régulièrement des modèles dans un hôtel pour faire des photos, bien sûr en cachette de son épouse.

La séance se passait fort bien et fort respectueusement, le plus amusant vient ensuite : son truc à lui était d’aller porter, après la prise de vue, les bobines à développer et faire faire les tirages dans un mini-lab pour ensuite se rendre à sa banque pour y mettre les photos au coffre.

Après quoi, environ une fois par semaine, il allait à sa banque, demandait à accéder à son coffre et prenait dans la pile un paquet de clichés qui l’inspiraient ce jour-là. Photos en poche, il se rendait dans son café préféré, commandait une boisson, descendait aux toilettes pour se masturber en regardant son trésor… Puis, satisfait, finissait sa boisson, et retournait à la banque pour y planquer à nouveau les photos.

Bien que ce ne soit pas très drôle, on ne peut s’empêcher d’imaginer la tête de l’épouse venant à accéder au coffre en cas de décès anticipé de son compagnon !

Le côté obscur de la force en quelque sorte…

PAROLES DE MODÈLES

Claudia, Samantha, Val et Corinne, quatre modèles féminins, disent en toute franchise, parfois même de façon assez caustique, ce qu’elles pensent de la pose, de la photo, et des photographes. Cela mérite de la considération, car ce n’est pas un travail facile. Leur opinion donne une immense leçon d’humilité à nous autres, photographes.

Samantha/Claudia

¨ Nous parlions hors enregistrement de l’origine sociale des modèles.

n Samantha : Voyant tout un panel de filles, c’est toujours les mêmes trois cas de figure : celles qui ont eu des violences sexuelles, il y en a beaucoup, ou alors la bourgeoise, fille de bonne famille qui veut faire un « fuck » à la société, qui veut sortir de ce milieu-là. Ça, il y en a pas mal. Ou encore des filles qui ont besoin d’argent et qui ne se posent pas de questions sur ce qu’elles vont faire… On peut même en rajouter un dernier : des filles comme moi qui ont été élevées dans un milieu très libre, et un boulot c’est un boulot, point barre, pas d’inhibitions. Personnellement, je suis d’un milieu artistique/striptease, la plupart des gens étaient naturistes donc le nu pas de soucis : un sein c’est un sein, des fesses ce sont des fesses. Et du coup, j’ai fait du strip dans les peep-shows ce qui amène à ce que des gens te voient, ils veulent te prendre en photo, tu sers de modèle.

¨ Et toi Claudia ?

n J’en ai connu aussi, mais je pense que c’est plus parce qu’on est dans une société trop dure et qu'on a besoin d’arrondir ses fins de mois, c’est l’argent pour l’argent et plutôt que de braquer, voler, profiter d’un mec, je ne suis pas une profiteuse, moi, je préfère montrer mon cul. Je préfère gagner l’argent par moi-même et le seul moyen que j’ai trouvé, c’est la photo.

¨ Donc Samantha, via le peep-show, tu as eu pas mal de contact avec les photographes ?

n Oui, parce qu’à l’étranger ils gravitent autour des peep-shows pour trouver des filles, tout ça plus en Belgique ou en Allemagne.

¨ Au niveau relationnel avec les photographes, comment ça s’est passé ?

n Ils veulent toujours tirer un coup, mais c’est non.

¨ À peu près à combien ?

n Je dirais à peu près 50 % et de ce que j’entends aussi aux alentours.

Moi, ça ne m’excite pas, le photographe ne m’excite pas. Mais il y a des filles qui peuvent être excitées par le photographe, il y en a qui aime bien ça, ça ne les dérange pas, elles se mettent dans une position de demande. C’est une espèce de désir masculin des filles, dur à expliquer, elles aiment bien quand tu les trouves jolies. En fait dans leur tête, elles se représentent le désir masculin et elles se sentent désirables et se sentent bien parce que le photographe leur dit ça, en fait elles se sentent au-dessus de la masse parce qu’on les prend en photo. Il y en a aussi qui se sentent particulièrement moches, ça les valorise, mais c’est la femme qui est comme ça.

¨ Pour en revenir à la photo, dans les modèles il y en a qui sont contentes de susciter le désir chez le photographe, voire plus ?

n Samantha : Oui, parce que c’est un désir narcissique, elles se sentent bien et peuvent avoir envie de coucher avec les mecs. Et il n’y a pas non plus de filles qui arrivent en vomissant sur ce métier, il y en a qui sont mal, mais la plupart aiment bien ce qu’elles font. Sinon, perso, je fais mon taf et basta !

n Claudia : Moi j’adore la photo, il y a une nuance.

n Samantha : Oui, mais moi j’aime la photo habillée ou alors il faut vraiment être magnifiée comme dans Play Boy. Pour moi, poser sans talons, à poil, on n’est pas magnifiée, je m’en fous.

n Claudia : Oui, par rapport aux photos amateurs, le résultat est plutôt dévalorisant, les amateurs purs et durs qui font poser par fantasme, à la limite on se trouve plus moche en photo qu’en vrai. Pour moi ce n’est pas grave, c’est l’argent.

n Samantha : Oui, mais le truc ambigu que les femmes inspirent, c’est qu’une va être emmerdée par les photographes, l’autre ne va pas l’être, sexuellement je veux dire. Déjà la fille typée, tout ce qui est asiatique, métis, noir, blond, gros seins, grosses ont d’autres genres de proposition que l’autre partie.

¨ Plus lubriques ?

n Oui carrément, la fille métisse ou asiatique correspond à un fantasme, plus que la blanche normale, ni trop ronde, sans gros seins, normale.

¨ Et au niveau des fantasmes des photographes amateurs ? C’est des conneries style « est-ce que je peux poser avec vous ? »

n Non, plutôt est-ce que je peux carrément toucher. C’est malsain, t’es pas là pour ça. Je dirais 50 % qui essayent de se placer. Ça dépend aussi du style de la fille. Mais je n’ai pas une expérience énorme.

¨ Et toi Claudia ?

n Je dirais 80 %.

¨ Quels types de photographes amateurs ?

n Plutôt pervers.

¨ Ça veut dire quoi pervers ?

n Je ne sais pas, ils ont des petits yeux vitreux, ils te regardent avec un petit air sadique, le regard qui change, ils sont là… tu te dis ho là !!! La façon de parler aussi qui change. Après quand ils voient que tu veux moins, que ça ne va pas marcher, ils sont un peu moins gentils, plus stricts, tu n’es plus la jolie fille qui vient d’arriver….

¨ Tu les vois donc comme des pervers ?

n Oui, mais ce n’est pas méchant, c’est mignon, ça me fait rire ! Oh, et puis le truc des bas, ça, ce n’est pas possible, dès qu’ils veulent des bas, c’est demandé d’une façon suave… avec une toute petite voix : « Vous pourriez mettre des bas ? »

¨ Ah ! Tu sens qu’il y a un gros fétichisme là-dessus ?

n Oh oui, les pieds et les bas. Ils te photographient les pieds, y en a plein qui aiment. Beaucoup plus que je pensais, souvent je me dis : je vais poser en lingerie ou toute nue et paf, les pieds !

¨ Pour résumer, avec toi Samantha, pas de prime narcissique quand tu poses ?

n Non, quand ce n’est pas glamourisé. Souvent c’est du nu trop brut et ça c’est chiant, je préfère faire des photos avec des copines, des accessoires.

n Claudia : Oui, on n’est pas mise en valeur. La prise électrique derrière, ils s’en foutent, que tu aies une sale gueule aussi. Ils aiment bien les bourrelets un peu partout, que ça fasse un peu campagne, rural… Je n’ai jamais eu de femmes photographes, mais je pense qu’elles prendraient différemment. Si j’étais photographe femme, je ne les prendrai pas comme les hommes, il y aurait un minimum.

¨ Et toi, Claudia, comment tu es devenue modèle ?

n Claudia : Moi ça n’a rien à voir, j’avais quitté Lyon pour venir à Paris et après par le plus grand des hasards je suis tombée sur la revue Chasseur d’image et c’est grâce à cette revue que tout a démarré. Je vois une annonce disant je suis comme ça et je pose pour tant. Je me suis dit « ce n’est pas con » et pour arrondir les fins de mois je vais faire comme elle et j’ai passé une annonce. C’est comme ça que ça a commencé jusqu’à aujourd’hui. Après, tout s’est enchaîné, j’ai connu Samantha et j’ai fait peep-shows, films X, pose érotique, etc.

¨ Et ta relation au corps, comme Samantha, décontractée, tu t’en fous ?

n Non pas du tout, rien à voir, je suis timide, j’ai eu une super bonne éducation, quelqu’un qui m’aurait connue n’aurait jamais pu imaginer que je fasse ça un jour. Ce qu’on dégage est le plus important, par exemple moi c’était style David Hamilton, je n’ai pas beaucoup de poitrine, c’était tout ce qui est pervers, j’avais un corps plus ou moins d’enfant, culotte blanche, chaussettes blanches, style écolière, ça a été la majorité des trucs. Même des films X où à trente ans j’étais toujours écolière avec des couettes et une sucette. Et beaucoup de photos en duo lesbien, c’est très demandé.

Par contre j’adore poser, je suis aussi modèle académique professionnel, donc j’adore la pose, académique ou photo. Le plus dur ça été en académique, quand j’ai vu 100 personnes devant moi et que la pose était figée… En photo la pose dure quelques instants donc je complexe moins devant un seul mec que devant un groupe où il y a tous les angles et qui vont capter ce qui ne va pas. Tout le monde a les yeux braqués sur toi, le tout dans un silence total, c’est super angoissant pour un modèle. Sinon j’adore la photo, l’esthétique. Mais c’est vrai qu’on n’est jamais mise en valeur, je suis d’accord avec Claudia.

Par contre, ce qui est vrai, c’est qu’à force d’allumer le mec, ça t’allume toi-même, et il m’est arrivé de craquer, et j’ai eu des petits amis photographes parce qu’ils m’ont plu comme ils m’auraient plus dans la vie réelle. C’est juste une coïncidence, j’ai même eu une relation de longue durée avec un photographe.

C’est comme à force de poser avec un modèle féminin, on se prend au jeu. On a beau faire ce qu’on veut, mais on se prend au jeu. Bien que je ne sois pas lesbienne.

Mais sinon, pour en revenir à ça, que les trois quarts des mecs essayent de toucher, ou proposent de l’argent, en fait je m’en fous, mon but est de gagner de l’argent, mais j’aime quand même ce que je fais.

¨ Donc tu as une partie de plaisir ou pas ?

n Oui énormément, c’est se déguiser, faire le clown, c’est un spectacle. Je change d’accessoires et ça les fait rire, en fait de tous ceux pour qui j’ai posé, beaucoup aiment me revoir. Sauf ceux qui voulaient absolument baiser et me prennent pour une conasse. Ils veulent bien me revoir, peut-être parce que je tourne ça en dérision, après ils me prennent pour une copine. En fait il y en a plein qui sont copains avec moi, c’est ambigu, en ce sens que si je disais oui…. Mais ils sont copains, ils se disent elle est gentille, j’ai une touche d’humour qui fait que je ne me fais pas agresser.

En général, ils sont respectueux, ils n’agressent pas. Mais attention, on critique les photographes, mais dans les filles il y en a au moins autant qui sont aussi bizarres que les photographes, des folles.

n Samantha : oui des allumeuses, je n’aime pas ce terme-là, oui des filles qui veulent tester leur séduction, après, bien sûr ça peut être mal pris de l’autre côté.

¨ Est-ce que tu as l’impression comme Samantha qu’il y a des pervers ?

n Des pervers, il y en a plein ! Les pieds, je suis d’accord avec elle, les bas aussi. Mais pour moi, mon physique androgyne me menait plus vers des prises de vue écolière et compagnie, limite détournement de mineur… Même des jeunes, j’en ai eu pour les pieds, j’étais étonnée, car c’est un fantasme des plus âgés.

Aussi c’est souvent vouloir me faire poser avec des filles, embrasser des filles… Il y a tout ça, mais tu as des mecs vraiment passionnés de photo, des vrais de vrais. En fait moi, le plus gros problème que j’ai eu au cours de toutes ces années de photo, c’est les mecs qui ne viennent pas, ils vivent dans le virtuel, voudraient bien voir une nana à poil et réaliser tous leurs fantasmes, mais le seul truc est qu’ils ont peur de venir. Au tél c’est blablabla, mais à la fin il n’y a personne.

n Samantha : Moi, j’ai beaucoup de photographes qui m’ont dit la même chose des modèles. Ils ont attendu, attendu : personne.

¨ Et en termes statistiques, tu dirais quoi des photographes qui t’ont planté un rendez-vous : 5 ou 10 % ?

n Claudia : Un bon tiers, c’est énorme, et le gros risque est de perdre sa journée et son temps. Parce qu’on vient avec un sac, de la lingerie, c’est le déplacement, etc.

Val

¨ Merci Val de te prêter à ce petit jeu. Première question : pourquoi modèle ?

n Val : J’étais et suis toujours comédienne et chanteuse et il y a des moments dans la vie où dans ce genre de métier il y a des « difficultés », où on n’a pas toujours de travail et j’ai toujours été passionnée de sculptures donc je fréquentais des sculpteurs, des peintres, car ce sont des arts que j’ai toujours appréciés. Et en les fréquentant, un jour où j’étais particulièrement sens dessus dessous, sans moyens pour survivre, on m’a proposé de poser comme modèle pour un sculpteur. J’étais pas très jeune, 40 ans, et demandant si ce n’était pas plutôt pour des personnes de 20 ans, on m’a répondu « pas du tout, essayes et tu verras bien ».

J’ai essayé et il s’est avéré que chez les sculpteurs ils aiment les corps musclés, etc. Plutôt sportifs, or je suis sportive, musclée et plutôt le corps qu’il faut pour la sculpture. Du coup j’ai assez rapidement été mise dans le milieu, le bouche-à-oreille a fonctionné très vite et en deux ans, c’est presque devenu un métier. C’est vrai que c’est un métier.

Au début je le faisais pour me dépanner et ensuite ça m’a bien servi pour manger, et puis les relations que j’ai eues, peintres, sculpteurs, ateliers de peinture, beaucoup de femmes, il y a énormément de femmes. Les relations se sont resserrées, je me suis fait des amis, j’allais tout le temps à leurs expositions. Des liens vraiment intéressants, et du coup j’allais poser avec plaisir. Des ateliers ou l’ambiance était excellente, avec beaucoup de respect du modèle. Dans une atmosphère artistique, purement artistique, donc ça m’a plu.

¨ Et au niveau des photographes ?

n Moins, j’ai moins posé pour les photographes. Et là, je ne sais pas si je dois le dire ?

¨ Dis absolument tout, aucun problème.

n Pour moi, il y a les vrais photographes et les autres qui utilisent l’art de la photographie pour faire poser des modèles nus et ceux-là, il faut les repérer tout de suite, ce n’est même pas la peine.

Puis poser pour un photographe est pour moi bien plus difficile pour plein de raisons. Là, c’est difficile à expliquer, on est beaucoup plus à nu, justement, et au niveau de l’énergie et de ce qu’on donne, on a l’impression de donner tout, absolument tout. Alors que dans la sculpture et la peinture il y a beaucoup plus de pudeur et je dirais même plus de respect du corps qu’avec la photographie, la photographie en tant que modèle, je trouve ça très dur.

¨ Plus mise à nue qu’en peinture ?

n Oui, vraiment.

¨ Je n’avais jamais pensé à ça. Pourquoi ? Parce qu’il n’y a pas de stylisation, l’image est brute ?

n Oui, il y a ça et puis les peintres et les sculpteurs veulent vraiment beaucoup de grâce, alors que les photographes ne recherchent pas forcément la grâce, ils sont plus voyeurs. Excuse-moi, mais ils sont plus voyeurs, ils veulent tout voir alors que les peintres veulent beaucoup plus le côté esthétique, la qualité de la pose elle-même est beaucoup plus en évidence que chez les photographes.

En photo, il va falloir en faire une centaine pour en trouver dix de bonnes, en sculpture ça n’a rien à voir, tu fais une, deux, trois, quatre poses qui sont toutes de qualité et ça marche, ils sont heureux. On a souvent l’impression d’être une muse, souvent on m’a dit « tu es inspirante pour moi ». Et à ce moment lorsqu’on sait qu’on est utile à l’inspiration de l’artiste, c’est plus gratifiant.

Alors que le photographe, il va falloir se mettre dans toutes les positions, dans tous les sens pendant deux heures et il va en tirer des photos qui ne sont pas forcément des plus esthétiques. Encore que ça peut dépendre des photographes…

¨ Tu fais une différence entre les « amateurs » et les photographes professionnels ?

n Ah oui ! Ce que je disais tout à l’heure, les amateurs font ça beaucoup pour se dégotter des modèles à poil. En fait, c’est plus du voyeurisme que de l’art.

¨ C’est pour tirer un coup ?

n Non, je n’ai pas eu affaire à ça, je faisais attention avec qui je travaillais.

¨ Je te pose la question, car dans l’interview précédent deux modèles estimaient entre 50 et 75 % ceux qui voulaient justement avoir ce genre de rapports.

n Oui, c’est ça, ce ne sont pas des professionnels. Mais je n’ai pas eu ce problème-là, car je fuis les photographes. Je disais non la plupart du temps.

Je les sélectionnais peut-être de manière plus rigoureuse. Pourtant c’est mieux payé pour la photographie, mais je préfère être avec des gens que j’apprécie, qui me respectent, avec un esthétisme du corps plutôt que des personnes dont ce n’est pas le premier intérêt.

¨ Et quand tu poses pour des ateliers complets, style beaux-arts ou ville de Paris avec beaucoup de monde, tu le ressens comment ? C’est plus une mise à nue aussi, car tu as cinquante regards sur toi ou tu le vis comme avec les autres sculpteurs comme quelque chose de valorisant ?

n Non, c’est moins valorisant, tu es beaucoup plus considéré comme un objet. Déjà, c’est un détail à la con, mais tu arrives, personne ne te dit bonjour. Ils parlent de ton genou, de ta cheville, mais on ne dit même pas ton prénom aux personnes présentes. Et à la fin au bout de trois heures, tu en as un ou une qui vient et dis : c’est comment votre prénom ? Là il faut une force mentale, de toute façon un modèle doit avoir une force mentale très élevée.

Un, pour la souffrance, car tu souffres énormément. C’est très dur physiquement. Officiellement 45 minutes de pose et 15 minutes de repos. Mais une pose de 45 minutes est déjà douloureuse forcement. Même une pose « confortable » au bout d’un quart d’heure, des endroits du corps vont faire mal, il faut une force mentale pour ça.

Et deux, les moments où tu sens que tu es juste un objet !

On est de la chair en place. Dans les ateliers, ce ne sont pas des professionnels, ils sont là pour s’entraîner donc ils vont te regarder moins avec un regard artistique, ils vont travailler leurs dessins, ils n’ont pas du tout sur toi le même regard que les ateliers professionnels.

¨ S’ils dessinaient une commode, ce serait pareil ?

n Oui, c’est cela. Le professionnel, lui, va essayer de faire ressortir la personnalité du modèle à travers la pose. S’il n’y a que le modèle, que la pose, ce ne donne pas un bon résultat, il faut essayer de donner quelque chose de plus.

On est plus considéré par les professionnels. Sinon, il faut avoir la force de se dire : je fais mon job, je m’en fous.

Et la troisième force mentale est que tu n’as pas forcément envie de te mettre à poil quand tu vas poser. J’ai eu des journées ou j’ai été à poil pendant 9 heures de pose, toute la journée, t’en as ras le bol, surtout que parfois il fait froid, les salles glaciales… La force mentale c’est de ne rien dire, parce que montrer que tu es mal, que tu souffres, là, il y aura une partie des gens dans la salle qui seront mal à l’aise et le travail ne sera pas bon. Alors, toujours garder le sourire, tout va bien, tu souris. Même avec une crampe, tu te la gardes, tu ne bouges pas. Ça, c’est très dur.

La photo c’est beaucoup moins douloureux. Tu bouges beaucoup, c’est plus sportif, mais moins douloureux. Tu ne restes pas quinze ou quarante-cinq minutes sur la même pose. Et moins de problèmes de chauffage aussi !!

¨ Sinon, as-tu ressenti du plaisir à poser, prime narcissique, exhibitionnisme quelconque ?

n Je ne suis pas du tout exhibitionniste, j’étais très pudique jeune, maintenant un peu moins à force de poser. Sinon, je n’ai pas ce sens-là de l’exhibition, je n’ai pas forcément envie d’être nue. Je pense qu’il y a des modèles qui sont comme ça et c’est bien pour elles, elles ont ce plaisir-là : « Enfin je peux me montrer à poil. » C’est tout à leur honneur, mais je ne suis pas comme ça. Quant à la prime narcissique, je me dis « tant mieux s’ils me trouvent belle », mais moi je m’en fous, je fais ça pour bouffer.

Par contre le plaisir vient quand la relation est belle et bonne avec la personne, le peintre ou autre qui sublime ton corps, là, comme je le disais, ça fait plaisir de participer à un processus créatif. Mais sinon je ne suis pas narcissique du tout.

¨ Une dernière question, Val, concernant la photo : Comment fais-tu pour trier les photographes ? Tu passes par petites annonces, par relations ?

n C’est plus par relations et je vais toujours voir les photos du photographe. On voit tout de suite si c’est un artiste ou pas.

¨ Tu regardes son boulot avant de poser pour lui, ce qui t’évite les branleurs, les boutonneux, les refoulés…

n Les célibataires… ! Voilà, je vois tout de suite, juste à voir le travail du photographe. Voir le travail ça change tout. En fait, les photographes je les ai bien choisis, ce sont devenus des copains, comme toi.

Corinne

¨ Qu’est-ce qui t’a amenée à devenir modèle ?

n Corinne : Les hasards de la vie, une proposition et ça a fait boule de neige. On m’a proposé et voilà… La première fois on m’a arrêtée dans la rue, après j’étais sur une terrasse, on m’a interpellée, puis, ainsi de suite, après j’ai posé pour des amis en dernier.

¨ Tu as posé pour beaucoup de photographes en tout ?

n Je n’ai pas compté, disons 10-15, je ne sais pas exactement.

¨ Ce qui te plaît dans la photo, c’est de recevoir des clichés après ?

n C’est le plaisir de recevoir un résultat qu’on ne peut pas imaginer. La beauté, quand on n’est pas sûre de soi, on fait des photos et on voit d’autres choses que ce qu’on peut imaginer. Et le résultat, s’il est bien fait, il est magnifique.

¨ J’ai déjà vu chezbeaucoup de modèles des nanas qui posent pour se rassurer, c’est valable pour toi ?

n Non, pas spécialement, c’est selon, si c’est le corps entier ou des morceaux…

¨ C’est-à-dire ?

n Quand on fait des photos pour des catalogues, on prête une partie de son corps. Après quand c’est pour un photographe en particulier, une œuvre en particulier, on prête son corps et en fonction du contexte, de la demande du photographe. Si c’est pour une exposition, un livre ou des posters, ce n’est pas la même chose… Les photographes sont tous différents, autant que les œuvres.

¨ Et à propos des photographes, tu peux en dire quoi ?

n Tous des gens très sympathiques, j’ai sympathisé avec tous. De toute façon, quand on ne le sent pas, on ne le fait pas. C’est une question d’intuition et de confiance aussi, on se sent bien et quand on sent bien les choses, ça va tout seul. Quand on n’a pas confiance, ça se sent et ce n’est même pas la peine d’essayer. J’y allais au feeling et cela s’est toujours très bien passé.

¨ Et de ton côté, à part recevoir des clichés inattendus, y a-t-il une prime d’excitation, une sorte d’exhibitionnisme, un frisson ?

n Non pas du tout, ça dépend quel genre de photos on fait aussi. Et ça aide à se voir sous un autre angle, un œil différent et en effet lorsqu’on peut récupérer un cliché sur les cinquante faits, on est content, cela fait un souvenir.

¨ Tu dis : en fonction des photos qui sont faites ? Si c’est plus ou moins érotique ?

n Oui, effectivement, soit c’est habillé, soit c’est pour une expo, soit c’est pour un livre érotique, soit c’est pour un catalogue. Tout est différent. Donc en effet, quand je prête mes pieds pour des bijoux pour pieds, par exemple, mon pied, je ne le regarde pas tous les jours non plus sous cet angle. Et quand je prête mon dos, je vois mon dos alors que je ne le vois pas forcément dans la glace…

D’où l’avantage… Comme la chute de reins… On ne la voit pas non plus….

¨ Et quand ça concerne d’autres parties, disons plus intimes de ton anatomie, comment tu le ressens ?

n C’est une partie de moi, donc c’est pareil que la nuque, le dos, c’est notre corps. Il n’y a pas une sexualisation… Quand une fille va chez le gynéco, elle le voit comme un médecin, pas comme autre chose, donc aucun souci.

¨ Tu es le premier modèle qui fait un parallèle entre le photographe et le gynéco…

n Un photographe qui fait des photos particulières, on y va pour faire des photos, pas pour autre chose. Chez le gynéco on y va pour quelque chose de bien précis, pas pour autre chose non plus. C’est pareil.

¨ Tu as posé pour des femmes aussi, tu as senti une différence ?

n Non, c’est un travail, homme/femme c’est pareil. Payé ou pas payé, mais c’est un travail quand même, avec un résultat. Quand on apprécie le résultat, on a envie de retravailler avec le même photographe, ça motive.

Jusqu’à maintenant je n’ai jamais été déçue du résultat avec les gens que j’ai croisés dans ma vie. Tout s’est bien passé, le résultat était très bien, totalement différent pour chacun, mais bien. À chaque fois il y avait un vrai résultat, vraiment quelque chose à la fin.

¨ Sinon, comme modèle, tu as été confrontée au monde de la peinture ou de la sculpture ?

n Oui, effectivement. Mais c’est totalement différent : la photo c’est beaucoup plus rapide, alors qu’autrement c’est au millimètre près, il faut tout calculer et là il faut de la patience. La différence, c’est que là tu ne dois vraiment pas bouger, tandis qu’une photo, elle est ratée, tu en refais une autre, pour en avoir une, tu en fais dix, ce n’est pas gênant et puis ça peut être très rapide, la photo : clac, clac, clac. Tu shootes, c’est vite fait bien fait. Alors que pour un dessin, une peinture, tu dois rester dans la même position tout au long, ça donne des crampes !!

J’ai fait ça pour des dessins, des œuvres, des expositions, de la peinture sur corps aussi, c’était très sympathique, le pinceau chatouille, c’est agréable…

1. Parlant de sincérité, et sans être suspicieux quant à la franchise des modèles, il est impératif d’être sûr qu’il n’est pas mineur et qu’il ne ment pas sur son âge. Auquel cas le photographe s’exposerait, même en ayant agi « ingénument », à de très graves soucis avec la justice.

2. Le photographe Alexandre Dupouy en parle de sympathique façon dans son interview.

3. Les errements de notre civilisation soi-disant de « communication » m’amènent également à considérer les téléphones portables comme une tierce personne, il est bon qu’ils soient éteints.

4. Ce qui existe aussi en club échangiste, c’est le désir qu’ont les autres participants de sa compagne qui rend celle-ci désirable aux yeux de son conjoint. Ici, contrairement à la séance photo citée au-dessus, on ne reste pas dans le virtuel, puisque c’est carrément de la voir copuler qui la rend précieuse.

5. Des téléphones et des selfies

Ce livre ne serait pas complet sans dire quelques mots des téléphones portables dont il serait difficile de nier l’omniprésence.

Dans un premier temps, au niveau de la qualité photographique, force est de constater que les choses se sont grandement améliorées, le téléphone est arrivé à sa période de maturité.

Il y a presque quinze ans, en , les téléphones offraient 1 mégapixel de définition. Trois années après, c’était 3,2 millions et aujourd’hui, après quelques paliers à 5 et 8 millions, c’est fréquemment à 12, 16 et même 20 mégapixels.

Ce qui est remarquable, c’est qu’en plus la qualité est présente, lorsque les conditions de prise de vues sont idéales toutefois. C’est ici le seul bémol : leur objectif de luminosité assez faible s’accommode mal d’une quantité de lumière modeste ou de photos d’intérieur, sinon au flash. Ce qui se comprend, problème déjà évoqué précédemment, c’est dû à la taille des capteurs qui, eux, sont encore plus petits que sur les APN grand public dont on a déjà vu les défauts.

La taille minuscule de ces capteurs de téléphone se comprend simplement par la nécessité d’avoir à faire tenir un ensemble photographique complet, objectif et capteur1, dans un volume restreint et surtout, la mode étant à l’ultramince, dans une épaisseur de quelques millimètres. Ce qui explique aussi que sur les téléphones, l’immense majorité des zooms est numérique2, car il est impossible à notre époque, tout au moins dans un coût de fabrication raisonnable, de faire un système optique dont la lentille monte et descend dans une épaisseur si fine. Les rares essais faits en ce sens se soldaient par une énorme verrue sur le boîtier, à la fois disgracieuse et reléguant la minceur de l’appareil au rang d’un souvenir. Certains se sont même essayés à faire un système avec deux objectifs et capteurs distincts, l’un grand-angle pour le paysage ou les scènes générales, l’autre, petit téléobjectif, pour rapprocher un détail ou pour le portrait. La marque LG a même sorti récemment un appareil qui, en plus de l’objectif « normal », possède un objectif ultra grand angulaire.

Les constructeurs, pour le haut de gamme tout du moins, se sont même ingéniés à introduire des stabilisateurs optiques qui sont un réel plus, comme on l’a vu dans le chapitre concernant le matériel. D’autres rajoutent une visée laser pour un autofocus plus performant, certains encore ont introduit la possibilité du format RAW pour les photos. Toutes ces améliorations vont dans un sens très positif.

Le lecteur comprendra aisément que le but de ce livre est plus de donner une façon d’aborder les choses pour faire des photos ou lire des articles sur le matériel en connaissance de cause, plutôt que de donner des conseils disant d’acheter tel ou tel boîtier ou téléphone. D’autant que les progrès techniques évoluant très rapidement, les conseils d’achat prodigués aujourd’hui seraient à coup sûr obsolètes dans quelques années, sinon quelques mois.

Ici, nous ferons toutefois une exception en signalant un modèle de téléphone qui lui se veut carrément l’équivalent d’un compact expert, ce qui est intéressant, car il s’agit véritablement d’un tournant vers la qualité, l’abandon du tout automatique, etc. Et s’il y a déjà eu ces dernières années différents essais d’hybrides chez Nokia, Samsung, Panasonic et Sony, le compact/téléphone dont on parle ici se démarque car c’est le premier orienté véritablement « expert ».

En effet, Panasonic a sorti le Lumix CM1 qui reprend le capteur de grande taille (pour un non-reflex) 1’’ du compact expert Sony RX100 de 20 mégapixels, s’y ajoute un objectif de focale fixe grand-angle de 28 mm (en équivalent 24x36) qui ouvre à f/2,8 et est signé Leica, gage de qualité. Le tout avec la possibilité de rajouter un adaptateur téléobjectif ou ultra grand-angle

L’ensemble, qui en plus gère le format RAW, se veut donc un téléphone muni d’un compact expert, mais il est possible de permuter les termes…

Malgré tout, le côté positif se paie d’un certain poids d’environ 200 grammes et aussi d’un certain embonpoint, deux centimètres au plus épais, à comparer aux six ou sept millimètres habituels d’un portable récent.

Cette parenthèse faite, force est de constater que de nos jours la qualité photo des smartphones est à peu près équivalente à celle des appareils compacts grand public. Même quelquefois meilleure. Et c’est fort bien, car ça permet pour la vie courante d’avoir sur soi en permanence un appareil photo de qualité honnête sans qu’il n’y ait un poids ou un encombrement supplémentaire. À partir de là, c’est l’utilisation du téléphone qui peut soulever des questions.

Le smartphone au service du couple

Dans le domaine qui nous importe, celui de l’érotisme, grâce à sa maniabilité, il peut être l’instrument qui fixera à la va-vite des moments chauds tels une masturbation ou un doigté, il peut aussi servir à immortaliser un partenaire se déshabillant, ou l’entrejambe de sa petite amie dans la voiture, etc.

Ici, il s’agit d’un usage parfaitement légal de création d’images entre deux adultes consentants.

Par contre, il existe un usage du téléphone portable dans un domaine qui relève plus de la thérapie que de l’érotisme : la discrétion et la maniabilité de ces téléphones amènent certaines personnes à s’en servir pour photographier ou filmer les cuisses des touristes aux terrasses des cafés, ou sous les jupes des femmes3 dans les escaliers mécaniques, ou encore dans les cabines de déshabillage, les toilettes, etc. Toutes choses qui relèvent du domaine du pénal ou flirtent dangereusement avec. Donc le lecteur est prévenu, la discrétion et la facilité d’emploi du portable, si elles peuvent parfois pimenter certaines situations érotiques, ne doivent pas, par une sorte de glissement, nous entraîner vers des zones que la société condamne et la police réprime.

SELFIE

Un usage sans « danger », tout du moins législatif, du portable et qui brille par son omniprésence est le selfie.

S’il avait été dit à Bell en 1876 que le téléphone causerait des décès quelque 140 années plus tard, il aurait été sceptique ou aurait pensé que ce serait dû au courant alternatif ou continu l’animant… Aurait-il une seconde imaginé que la cause en serait les photos prises avec un téléphone, portable de plus ?

Pourtant, il y a eu en 20154 plus de décès par selfies que par attaque de requins, que ce soit par chute d’une falaise ou d’un escalier, d’un train non vu venir, d’une électrocution grâce à la fameuse perche à autoportraits, ou encore encornage par un taureau, la liste est sans fin. Ce qui s’explique assez facilement : la personne qui fait une photo « normale » a le regard tourné vers son environnement immédiat, vers l’extérieur, et est donc plus attentive. Celles ou ceux qui font des selfies, seuls ou en groupes, ont toute leur attention concentrée vers eux-mêmes, sur leur reflet sur l’écran comme dans une espèce de bulle, et de fait sont beaucoup moins sensibles à ce qui peut se passer autour d’eux. En mettant de côté les accidents, pour parler de l’analyse sociologique ou philosophique des selfies, actuellement deux grands courants de pensée :

Le premier est incarné par la sociologue Jean M. Twenge, auteure de Generation Me, qui considère le selfie comme un trait exacerbé de toute une génération, celle née entre 1980 et 1990, tournée vers elle-même du fait d’une déception entre le monde que leur éducation leur avait promis et la réalité d’un monde non-idyllique, même aux contradictions plutôt violentes. Ce serait ce hiatus entre l’espéré et le réel qui tournerait toute cette génération vers un narcissisme lui-même à la frontière du pathologique.

À cette théorie, et conforté par plusieurs études dont les résultats vont dans son sens, le deuxième courant de pensée répond que la psychologie de la jeunesse n’a pas spécialement évoluée depuis une trentaine d’années et que, comme le dit le New York Times, l’auteure de Generation Me, « voit des narcissiques partout »5. Plutôt que comme une excroissance auto-contemplative du portable, ce deuxième courant de pensée, d’obédience plutôt libérale, répond que justement l’essence du selfie n’est pas le narcissisme, mais au contraire la communication. Le selfie pour soi-même n’existe pas, c’est toujours un selfie pour les autres, ou par envoi direct à des amis ou par les réseaux sociaux, mais c’est toujours tourné vers les autres et non vers soi.

Il y voit même une fonction subversive procédant à une désacralisation de l’establishment, une rupture des barrières sociales.

Ce qui se passe avec le selfie est qu’en faisant un autoportrait avec une star, un homme politique, ou même la reine d’Angleterre, on casse la dimension spectaculaire de la fonction pour la ramener au même niveau que soi, ce qui a un côté éminemment subversif. Ou, a contrario, on s’élève soi-même au niveau de ce qui est normalement inatteignable, ce qui a un résultat identique6. Le selfie s’élève même au niveau d’une catégorie artistique à part, une très grande exposition lui ayant été consacrée à Londres, la « National #Selfie Portrait Gallery » dont les commissaires disaient : « L’autoportrait a un long héritage artistique, avec des adeptes comme Rembrandt l’autodocumentaliste compulsif, Courbet, qui s’est grimé en un bohémien suave, et Van Gogh, le génie fragile, à l’oreille bandée. Aujourd’hui, le genre appartient à quiconque possède un appareil photo. Le selfie est le vecteur créatif disponible le plus démocratique, représentant à la fois un exutoire efficace au soi social et le véhicule intime d’une catharsis personnelle (pour les artistes et les non-artistes). »7 Ce qu’il est intéressant de noter est que les organisateurs ne le voient pas comme un renfermement narcissique, mais comme un exutoire et une catharsis, ce qui en est tout le contraire, les deux amenant plutôt à l’extraversion.

L’objet de ce livre n’étant pas de faire une sociologie du selfie, je ne puis que renvoyer le lecteur intéressé vers les articles cités, eux-mêmes porteurs de beaucoup de liens permettant d’approfondir le sujet.

ÉROTISER LE SELFIE

Le rôle du selfie érotique dans tout ça ?

D’une part à titre public, il relève d’une certaine publicité, car les stars ou chanteuses postent assez régulièrement des selfies sexy, même érotiques, petite piqûre de rappel pour leurs fans afin de ne pas être oubliées, de rester dans la mouvance de l’actualité, faire le « buzz » comme il est de bon ton de dire.

Dans la sphère privée, dans un premier temps, il faut noter que le selfie, alors appelé autoportrait, ne date pas d’aujourd’hui : de Dürer à Rembrandt et Van Gogh, pour n’en citer que quelques-uns des plus célèbres. Plus spécifiquement lié à l’érotisme, Il suffit de se rappeler l’amie de Guillaume Apollinaire, Lou, Louise de Coligny-Châtillon, lui envoyant des photos suggestives d’elle pendant qu’il était au front8. Le second point est qu’il est tellement répandu, qu’il y a même un mot pour le designer : sexto, c’est-à-dire un message érotique envoyé à quelqu’un via un portable et pouvant contenir du multimédia, c’est-à-dire, outre du texte, des sons, des images, des vidéos.

L’ensemble faisant partie du « sexting » qui est d’envoyer ce type de messages ou photos. La forme la plus exacerbée est le harcèlement : par exemple, quelqu’un d’éconduit qui après envoie des milliers de messages ou photos à l’élu ou l’élue de son cœur. Cela peut aussi aboutir à ce qui s’appelle le « revenge-porn » où la personne s’estimant trompée ou trahie se venge en diffusant le plus possible de photos ou vidéos de nus ou d’actes sexuels de la personne haïe pour lui briser sa vie sociale et familiale.

Sans en aller jusque-là, pour tous ceux et celles qui souhaiteraient via leur smartphone envoyer des images à la personne de leur cœur, ou en recevoir, deux conseils qui peuvent avoir à priori l’air bêtes ou évidents, mais qui sont très importants :

Tout d’abord, ne vous trompez pas de destinataire, pensez à bien vérifier que c’est bien à la personne souhaitée et non au dernier appel reçu ou autre que vous l’envoyez… Des catastrophes peuvent s’ensuivre.

Ensuite, si vous avez une vie d’aventures, n’oubliez pas de systématiquement supprimer tout ce qui est compromettant… Un téléphone qui traîne, un conjoint trop curieux ou un hasard malheureux et vous pouvez très vite vous retrouver dans une situation inextricable ! Là en plus, les images parlant d’elles-mêmes, pas d’échappatoire du style « c’était une erreur de numéro » ou « c’est un vieux copain de lycée qui m’invite pour son anniversaire »…

Pour en revenir au selfie érotique, de tout ce que j’ai lu, il semblerait que ce soit une pratique et une invention plutôt féminine de la tranche d’âge 15-25 ans. Ce qui est intéressant ici, et assez féministe, c’est que pour la première fois dans notre société occidentale, les femmes prennent l’initiative de la démarche au niveau sexuel et quittent la passivité que la société leur impose.

Est-ce un simple épiphénomène dû a la facilité du téléphone portable ou l’amorce d’une véritable révolution sexuelle et sociétale où la femme deviendrait un partenaire actif exprimant ses propres désirs sans gêne et surtout sans la honte d’être (dé)considérée comme la dernière des traînées ?

DRAGUE SUR LE NET

Sans faire de projection sur l’avenir, il est néanmoins sûr qu’ici se trouve l’amorce d’un tel mouvement.

On peut souligner que ce mouvement se retrouve aussi sur internet par des sites conçus, si l’on en croit la publicité, « par et pour des femmes ». De mémoire, on citera Gleeden ou adopteunmec qui se veulent, le premier plus orienté vers des rencontres adultérines, et le second plus vers des contacts entre personnes sans relation fixe. D’aucuns objecteront qu’il a existé de tous temps des supports pour des petites annonces postées par des femmes, le plus ancien étant le Chasseur français qui ratissait en milieu rural et plus récemment le Nouvel Observateur s’adressant à une clientèle plutôt intellectuelle. Mais la différence était que ces derniers, sans proposer au sens strict des annonces matrimoniales, proposaient majoritairement, du moins venant des femmes, des annonces de personnes cherchant une relation fixe… Par contre les deux sites internet cités au début de ce paragraphe offrent des annonces uniquement basées sur la recherche du plaisir et dans la mesure où les femmes en sont le véritable moteur, c’est révolutionnaire par rapport à l’ordre établi et rejoint ainsi le selfie « féministe ».

Donc, revenant au « sexto », on commence par envoyer à son petit copain, ou à celui dont on voudrait justement qu’il le devienne, la photo de son épaule dénudée, pour se rappeler à lui, une façon de dire « pense à moi ». Puis petit à petit, après quelques envois anodins, les choses se corsent et finissent par des images plus explicites.

Si les deux personnes se connaissent déjà sur le plan sexuel, l’aboutissement possible, sinon certain, est la masturbation réciproque à distance.

Dernière chose, ne pas confondre le selfie sexuel envoyé à une personne ciblée et l’espèce d’exhibitionnisme qui hante les réseaux sociaux, qui là, par contre, est plus un phénomène masculin, où tout un tas de jeunes gens ou de messieurs invitent à constater de visu la raideur de leurs attributs. Une étude sur ce sujet n’a pas sa place ici dans la mesure où il ne s’agit pas vraiment de photo, mais plus de la modernisation d’une perversion où internet a remplacé l’imperméable…

En fait, le selfie érotique envoyé à une personne, homme ou femme, semble être une preuve sinon d’amour, tout du moins de désir : il est la version moderne du bouquet de fleurs, version qui a l’avantage d’être immédiate, directe, sans fard et non expurgée. Qui par là même correspond certainement mieux à notre époque.

1. Le capteur, comme la pellicule, reçoit l’image dans un cercle projeté à l’arrière de l’objectif, cercle qui, pour recevoir toute l’image, doit avoir comme diamètre la diagonale (partie la plus grande) du capteur. En 24x36, un objectif de 50 mm doit être à 50 mm de la pellicule pour l’exposer intégralement. Ici c’est pareil, un objectif de 7 mm devra être à 7 mm du capteur, ce qui est déjà épais…

2. Rappelons-nous que le zoom numérique n’est ni plus ni moins qu’un agrandissement d’une partie de l’image en rajoutant parfois des pixels artificiellement, par interpolation et au détriment de la qualité. Ce qu’il fait, vous pouvez très bien le faire à l’écran en agrandissant ou avec un logiciel de traitement d’image. Il n’ajoute rien.

3. J’ai tapé sur un moteur de recherche « téléphone portable jupe des femmes » et là, la quantité de résultats quant au nombre de « délinquants » m’a abasourdi. De Nantes à Épinal, de Lyon à Blois, le phénomène semble général, toute la France est touchée. Au niveau international c’est pareil, la Corée du Sud prévoirait même une loi pour y remédier, l’état de Géorgie aux États-Unis cherche également à combler un vide juridique…

4. Voir : http ://www.sudouest.fr/2015/09/22/les-selfies-font-plus-de-morts-que-les-requins-2131711-5166.php

5. Cité dans les carnets d’André Gunthert : : http ://imagesociale.fr/749

6. Voir http ://bibliobs.nouvelobs.com/idees/20150912.OBS5721/vous-n-avez-rien-compris-aux-selfies.html. Interview d’André Gunthert par Aurélien Viers.

7. L’exposition a été conçue par deux commissaires, Kyle Chayka et Marina Galperina. Tiré de : Alicia Guet-Brohan, « Le selfie : déconstruction et resignification d’un phénomène complexe » Art and art history, 2014.

8. Voir à ce sujet le livre passionnant d’Alexandre Dupouy, Apollinaire et les femmes à la Musardine, 2016.

6. La loi

Disons-le tout de suite, un photographe ne peut pas faire n’importe quoi, n’importe où, avec n’importe qui, ce qui peut même être lourd de conséquences, des dizaines de procès sont là pour en témoigner.

Tous les individus possèdent ce que l’on appelle un droit à l’image, c’est-à-dire qu’ils sont propriétaires de leur propre représentation et des utilisations qui peuvent en être faites. Ce qui est, et ça coule sous le sens, encore plus vrai dans le domaine de la nudité et de l’érotisme.

Dans la mesure où il reste dans la légalité, le photographe est libre de faire à peu près toutes les photos, ceci à condition qu’elles ne sortent pas du domaine du privé et ne soient pas diffusées.

Je me permets ici d’insister sur la notion de légalité : il n’est pas légal de faire des photos de gens chez eux, dénudés ou non, c’est assimilé à du voyeurisme, illégal également de prendre des gens dénudés sans leur consentement à la plage par exemple, illégal aussi de faire des photos dans des cabines de déshabillage, etc. Tout ce qui relève de la violation de l’intimité de la personne est punissable par la loi.

Cela peut aussi être lié à un lieu. Des sites militaires « sensibles » interdisent les photographies, certaines boutiques pour des raisons de contrefaçon également, certains musées les interdisent formellement. La liste serait sans fin et c’est au photographe, avant de déclencher, de se renseigner ou de demander l’autorisation et aussi, bien sûr, de réfléchir un minimum.

Il y un instant on parlait de diffusion : là aussi, c’est important.

Par diffusion, on entend : délivrer à la vue du public, via une exposition, un magazine, un journal, un livre, une vidéo ou via internet ou tout autre média qui puisse véhiculer une image.

Donc, si les photos sont faites dans le but d’être gardées dans un tiroir, pas de problème, mais là où les choses se complexifient, c’est justement s’il y a sortie de ce cadre privé. Tout de suite, on se trouve confronté à la notion de droit à l’image des personnes photographiées, d’où nécessité d’avoir une autorisation signée pour ne pas risquer un procès. On reviendra sur ce point.

Pour prendre un exemple, si vous faites une photo d’un vendeur sur un marché typique, s’il vous voit et ne dit rien, il y a autorisation tacite de sa part. Mais : « Votre consentement à être photographié ne donne pas pour autant votre accord pour la diffusion de l’image (par exemple sur internet)1. » Ce qui veut dire que le vendeur vous accorde, par son attitude neutre, le droit de le photographier pour vous, en tant que photo « souvenir », mais ce n’est en aucune manière acceptation de sa part d’un usage public, même artistique de la photo. Ce qui est en jeu ici et se joue sur le fil du rasoir est un équilibre entre d’une part le respect de la vie privée et d’autre part la liberté d’information, d’expression et/ou la liberté artistique.

Normalement, quelqu’un qui participe à un évènement public comme une manifestation de rue ou un évènement sportif dans un stade, doit y assumer sa présence2, mais ce n’est pas une autorisation de publication. Ce qui, en plus, peut de plus avoir de graves conséquences pour le photographe si la personne estime que l’image que l’on transmet d’elle est dégradante et lui nuit. Tout cela étant, d’une part, très complexe, puisque dépendant également de la destination de la photographie, et, d’autre part, dépassant le cadre de la photo érotique, je ne peux que renvoyer le lecteur intéressé à l’ouvrage de Maître Joëlle Verbrugge Le droit à l’image et le droit de faire des images3.

Les dangers de l’image

Le photographe qui se veut respectueux de l’autre doit toujours garder en tête que l’image n’est pas neutre, elle peut être une extraordinaire expression artistique et/ou érotique, elle peut aussi aider à des prises de conscience, être un formidable levier pour lutter contre l’injustice ou les guerres4, elle peut être tout un tas de choses grandioses, mais au-delà de tout ça, elle peut avoir des conséquences graves ou carrément démolir des vies. Deux exemples de ce à quoi l’on ne pense pas forcément :

Le premier, lié aux « réseaux sociaux », de quelqu’un qui s’étant mis en arrêt maladie était en réalité parti en vacances et avait posté sur Facebook des photos de lui au bord de la piscine, cocktail à la main. L’employeur étant tombé sur les photos, le tout s’était soldé par un licenciement.

Le deuxième exemple, historique, est beaucoup plus dramatique : à la chute de la Commune de Paris, les troupes versaillaises se sont servi des photos prisent d’eux-mêmes par les communards sur les barricades pour en identifier un certain nombre qui autrement auraient peut-être échappé au peloton d’exécution ou à la déportation.

Donc toujours garder à l’esprit que l’image que l’on fait en toute innocence en tant que photographe peut aussi, revers de la médaille, avoir un impact négatif vis-à-vis de la personne photographiée, même prise en groupe.

On vient de le voir, la reproduction de l’image d’une personne est soumise à un droit, mais il y a aussi un droit à l’image des biens. Deux exemples :

Pour un peintre ou un sculpteur avec une photo diffusée et qui a été faite devant une de leurs œuvres. Selon la place qu’occupe cette œuvre dans la photo, elle peut être considérée comme le sujet principal et l’artiste est susceptible d’attaquer le photographe.

De même, pour des droits de reproduction concernant des biens immobiliers. Il y a eu, concernant ces droits, lors de procès entre 1999 et 2004, un certain nombre de jugements contradictoires entre cour normale, cour d’appel et cassation, avec l’introduction du fait par le plaignant de prouver qu’il y a eu préjudice et que ça a généré un « trouble anormal »5. Résultat qui va plutôt dans le sens des photographes, mais ne veut absolument pas dire qu’on peut tout faire et tout publier sous prétexte que ce sont des immeubles qui sont photographiés. De plus, concernant l’érotisme, on peut penser, sans être devin, que faire poser un modèle nu devant un restaurant connu, par exemple, amènerait celui-ci à porter plainte pour dégradation de son image, préjudice etc.

Attention aussi, car s’il y a droits d’auteur sur une œuvre architecturale photographiée, il faut, comme pour les peintres ou les sculpteurs, qu’elle ne puisse être considérée que comme un élément secondaire de la photo.

La morale de tout cela est que, dans tous les cas, que ce soit biens ou modèles et dans le cadre de publications, le photographe se doit de faire très attention6. On notera aussi que même après la mort, bien que celle-ci interrompe le droit à l’image de la personne, « les héritiers d’une personne décédée peuvent s’opposer à la diffusion de son image après son décès s’ils en éprouvent un préjudice personnel (par exemple, l’atteinte à la mémoire du défunt)7 ». Un problème annexe peut se poser si le défunt était un photographe érotomane. Pour les héritiers, que faire des clichés ? Les exploiter, mais alors il faut être sûr que des autorisations vont bien de pair avec ceux-ci. Si tel n’est pas le but, il faut être sûr que les images ne tombent pas en de mauvaises mains, ce qui même en faisant abstraction du côté légal ou non, pourrait nuire aux personnes prises en photo, etc. Ici, il n’y a pas de solution miracle, c’est en fonction de chaque situation. Ce qui souligne, quant au droit à l’image, que les questions ne se posent pas simplement à un instant T, au moment de la relation modèle/photographe, mais peuvent aussi franchir des barrières temporelles ou relationnelles.

La prudence du photographe

Dans les faits, ce qui est parfaitement compréhensible, les tribunaux ont plus tendance à privilégier le droit de la personne, ce qui nous oblige en tant que photographes, a fortiori érotiques, à avancer prudemment et même éventuellement à prendre conseil d’un juriste, avant de se lancer dans un grand projet d’exposition ou de livre qui, en fonction de tout ce que l’on vient de voir, serait un peu « borderline ».

Une dernière chose à voir est celle des rapports avec les modèles, concernant la loi.

Ici, deux points à aborder, tout d’abord la question des autorisations, le second concernant le rapport financier ou non avec les modèles.

Dans le cadre de l’autorisation, il faut parler sans ambiguïté : si les photos sont faites en vue d’une diffusion, sous quelque forme que ce soit, il est absolument impératif d’avoir une autorisation signée du modèle avec en plus, si possible, la reproduction de la carte d’identité de celui-ci.

Cette dernière exigence de la carte d’identité s’explique pour deux raisons : tout d’abord être sûr que la personne n’est pas mineure et ensuite avoir la certitude que l’autorisation signée l’est bien sous son vrai nom et non sous un vague pseudo ou un nom d’emprunt. Le tout paraphé, bien sûr, avec une signature qui ne serait pas la sienne. Ce qui dans le cadre d’un tribunal vous obligerait à prouver qu’elle est bien la personne qui a signé l’autorisation et ce n’est pas du tout évident.

En plus, de façon connexe, la copie de la carte d’identité apporte si l’on peut dire une densité ontologique à l’autorisation, elle a le mérite de prouver que le modèle l’a faite de façon réfléchie et qu’il ne s’agissait pas d’une signature extirpée à la va-vite un soir, au coin d’une table.

Tout ceci étant précisé, je ne peux qu’insister sur ce point : ne jamais diffuser une quelconque image de quelqu’un qui soit reconnaissable, habillé ou non, sans autorisation8. Jouer avec ce genre de choses peut être catastrophique pour le photographe, car outre la saisie des livres ou de tout autre support, les dommages et intérêts peuvent atteindre des sommes exorbitantes.

Même lorsque les rapports avec le modèle sont conviviaux, voire plus que conviviaux, car elle peut être votre épouse, maîtresse ou petite amie, même dans ce cas disais-je, et toujours dans le cadre de publications, que ce soit pour le présent ou encore plus pour l’avenir, il faut une autorisation en bonne et due forme. Les rapports humains étant tels que ce qui est idyllique aujourd’hui peut carrément tourner le lendemain à la haine, autre face de l’amour, c’est bien connu…

Dans le cas d’un acharnement destructeur de la personne qui a posé, si le photographe n’a pas d’autorisation à fournir, cela peut lui ruiner non seulement le porte-monnaie, mais aussi l’existence…

Dernier point quant aux autorisations, il est mieux qu’elles soient faites avec une date d’expiration. Ce qui d’une part est parfaitement compréhensible : la vie d’un modèle pouvant changer, la femme photographiée n’a pas forcément envie d’avoir des photos publiées alors qu’entre temps, elle a trouvé un travail stable ou est dans une relation durable, etc. D’autre part, il semble que juridiquement, une autorisation faite ad vitam æternam fragilise plus le photographe qu’elle ne le protège.

De même, si une personne demande qu’on arrête de publier des photos d’elle, même si l’on est encore dans les délais de l’autorisation, le plus simple est de s’y plier avec gentillesse et dans une compréhension mutuelle, quitte à négocier un petit délai si besoin pour un travail en cours, ou autre. Premièrement, c’est plus correct humainement et deuxièmement, aller à l’affrontement au tribunal, même si vous obtenez gain de cause, prendra un certain délai, beaucoup d’énergie et bloquera vraisemblablement les choses pendant un laps de temps qui pourrait être mieux employé autrement.

Contrat ?

Quel est le type de relation financière à instaurer avec les modèles ?

La loi française répond sans ambiguïté que la relation au mannequin ou au modèle est du salariat, vous employez le mannequin et à ce titre devez lui verser un salaire, votre relation est un contrat de travail. Ce qui implique la rédaction d’un bulletin de salaire, la déclaration aux différents organismes, le paiement des charges patronales, etc.

Même la notion de gratuité de la pose ou celle de pose en échange de tirages photos peuvent être remises en cause par les organismes sociaux…

Seuls échappent à ces règles les mannequins ou modèles non français, mais faisant partie de l’Union européenne « par la voie de la prestation de services, à titre temporaire et indépendant »9.Cette dernière remarque n’est en aucune façon une invitation à prendre des mannequins issus de l’UE plus que de la France, d’autant plus que d’embaucher quelqu’un ponctuellement ne jette pas dans les affres du grand patronat et de ses centaines ou milliers de salariés. C’est un peu comme d’embaucher un intermittent du spectacle pour animer un goûter ou une soirée, c’est somme toute assez simple.

L’auteur terminera ce chapitre sur le droit par une confession en forme de clin d’œil, c’est que, tous renseignements pris, plus j’avançais dans la rédaction de cette partie du livre concernant la loi et donc théoriquement plus j’en savais, plus mon ressenti était que j’avais l’impression de moins en savoir.…

1. Extrait de : www.service-public.fr/particuliers/vosdroits/F32103

2. « Car la personne se trouvant dans un lieu public a consenti à être exposée aux regards des autres » http ://www.droit-image.com/droit-a-limage-des-personnes.html

3. Le lecteur trouvera ici : http ://blog.droit-et-photographie.com/, avec beaucoup d’autres informations, un lien direct vers ses livres.

4. Voir à titre d’exemple tout le travail de Reporters sans frontières.

5. Le lecteur intéressé trouvera ce feuilleton juridique ici : http ://www.droit-image.com/droit-a-limage-des-biens.html, dont l’auteur a fait un résumé très rapide.

6. Je ne puis que conseiller de nouveau le livre de Maître Verbrugge, Le droit à l’image et droit de faire des images, où ceux qui veulent approfondir ces questions de droit trouveront toutes les réponses à leur questions.

7. www.service-public.fr/particuliers/vosdroits/F32103

8. Concernant les autorisations, le lecteur peut en trouver sur internet facilement, mais attention, celles-ci ne sont pas forcément juridiquement valables en ce sens que ce sont des autorisations « génériques », pas forcément applicables aux modèles d’art et d’autre part, ces autorisations ne doivent pas montrer un aspect financier, puisqu’elles viennent nécessairement en complément d’un contrat de travail (voir quelques paragraphes plus loin dans ce chapitre). Le lecteur trouvera dans le livre de Maître Verbrugge, Le photographe et son modèle, le bon type d’autorisation ainsi que toutes explications quant au contrat de travail.

9. Code du travail, article 7123-4. Cité sur le site de Focale31 dans la rubrique FAQ/droit.

7. Conclusion

Avec ce livre, nous venons de voir toutes les facettes, les requis et les implications de la pratique de la photographie érotique. Le tout présenté dans une perspective de désacralisation, car souvent encore l’inconscient collectif assimile cette pratique à l’usage de studios de centaines de mètres carrés super équipés, de boîtiers hors de prix, de mannequins internationaux, l'ensemble se conjuguant avec un usage immodéré des voitures de sport et des hôtels cinq étoiles, et bien sûr, couronnant le tout, de perpétuelles vacances à Capri ou à Ibiza.

Ce qui est une vision idéalisée, ou idyllique (pour le photographe) de la réalité, mais les choses, sauf à être présentées par des journaux à sensation, ne se passent en général pas ainsi.

Dans ce petit livre, on a essayé de rester plus terre à terre. C’est pourquoi l’auteur s’est astreint, dans une perspective moins élitiste1, à montrer qu’il était possible de faire de belles images avec un matériel simple, fiable et abordable. Le propos était de montrer comment « se lancer », comment « oser », sans angoisses et surtout sans une liste interminable de choses à posséder avant de faire le premier pas, ce qui est largement dissuasif.

Notre érotomane débutant prendra tout de suite du plaisir à voir les images qu’il aura créées simplement avec un matériel minimum (sans être minimaliste), quitte par la suite à investir pour compléter ou améliorer ce qu’il possède déjà. Le principal ici est, dans un premier temps, de se mettre, en parlant trivialement, le pied à l’étrier. Par la suite, si on se trouve atteint par le virus de la photo, les choses se mettront en place d’elles-mêmes, en partant sur de bonnes bases on évitera beaucoup d’errements.

Les modèles qui sont, comme le photographe, animés par le désir de faire de belles images et sous réserve d’être traités avec respect, deviendront vite des copines, et des collaboratrices. Le photographe, s’il fait des photos qui plaisent et qu’il peut montrer, s’il tient parole pour les rendez-vous ou lorsqu’il promet un échantillon de photos, verra qu’il ne sera jamais à court de modèles avec la complicité desquels il pourra matérialiser, photographiquement parlant, ses fantasmes érotiques.

Et n’était-ce pas le but de ce petit livre ?

1. Ceux qui ont envie de voir un photographe de mode, poussé à sa caricature, pourront regarder, s’ils ne le connaissent déjà, le film Prêt à porter (Ready to Wear), de Robert Altman (1994).

Annexes

NOTES TECHNIQUES

L’auteur a tenu à mettre à la fin de ce livre toute une partie technique, bien sûr non nécessaire à la compréhension du livre lui-même, mais conseillée à qui veut vraiment saisir tous les paramètres et appuyer sur le déclencheur avec une véritable connaissance photographique. Cette partie technique a été écrite de la façon la plus simple possible, pour être lue non comme un pensum, mais comme un texte qui amène à approfondir les choses presque sans s’en rendre compte. Ce sera au lecteur de juger si le pari a été tenu.

Vitesse/diaphragme/profondeur de champ

Pour comprendre, tout comprendre de la photo en un instant, il n’y a pas plus simple : c’est multiplier par deux ou diviser par deux.

Ce qui mérite une explication : de base dans la photo, il y a trois paramètres, la vitesse, le diaphragme, la sensibilité. À ceux-ci s'en rajoute un quatrième, extérieur au boîtier lui-même, l’éclairement de la scène, l’indice de lumination ou IL1, qui donnera une valeur différente si on est au soleil ou à l’ombre, à midi ou à 19 heures.

Ainsi pour prendre quelques exemples (Voir tableau pages 214-215) :

IL -2 sera une lumière de pleine lune la nuit

IL 2 sera une ville de nuit éclairée par des lampadaires

IL 4 ou 5 seront des lumières domestiques

IL 7 ou 8 correspondront à des spectacles ou des vitrines bien éclairées

Il 12 ou 13 une lumière de ciel plus ou moins nuageux

IL 15 un ciel ensoleillé

IL 16 ou 17 un fort ensoleillement sur sable ou neige

Pour en revenir à nos quatre paramètres de base, c’est simple : quand on monte ou descend d’un cran dans l’un des quatre paramètres, on applique un ratio de deux fois plus ou deux fois moins de lumière.

En faisant pour quelques instants abstraction de la sensibilité et de la luminosité extérieure, c’est-à-dire en gardant en tête uniquement vitesse et diaphragme, pour comprendre ce qui se passe, il suffit de se rappeler son enfance et les problèmes de robinets, de baignoires ou de bassines à remplir.

Parallèle simple entre la pellicule ou le capteur numérique qui doivent recevoir une certaine quantité de lumière pour être bien exposés et un récipient qui doit recevoir de l’eau : c’est exactement la même chose. En disant arbitrairement que la bonne quantité de lumière à recevoir par le capteur (ou la pellicule) est équivalente au récipient rempli avec exactement dix centimètres d’eau, pour ce faire on a deux possibilités, ou avoir un débit important ou faire couler l’eau plus longtemps.

En photo, la grosseur du robinet correspond à l’ouverture de diaphragme, et faire couler plus ou moins longtemps c’est le temps de pose.

Il y a une relation inversement proportionnelle entre les deux : pour le même résultat, plus l’un sera grand ouvert plus l’autre sera petit et réciproquement.

Parlant des dix centimètres arbitraires de hauteur d’eau, là aussi c’est simple, si on en a moins, l’appareil photo n’aura pas reçu assez de lumière et l’image sera sous-exposée ce qui signifie que toutes les informations ne seront pas là, les zones d’ombres seront sacrifiées et manqueront de détails ou seront « bruitées », notion évoquée au début du livre, avec des pixels noirs et violets, inexploitables.

Par contre, si notre récipient est trop rempli et les dix centimètres d’eau dépassés, la pellicule ou le capteur vont avoir reçu trop de lumière et seront surexposés. Ce qui se traduit par une image « brûlée », avec des zones de blanc aveuglantes où on ne peut rien distinguer.

Au niveau de l’exposition, il y a toutefois une certaine tolérance, mais le meilleur résultat sera toujours obtenu en étant fidèle à la quantité de lumière requise, ni plus ni moins.

Quantité de lumière qui sera calculée par la cellule2 de l’appareil et débouchera sur une exposition automatique, ou indiquera les paramètres à titre indicatif si on est en mode manuel.

Quant au ratio de deux évoqué au début, il est bien sûr arbitraire, la réalité aurait pu être découpée en paliers d’un cinquième ou d’un douzième, mais il y aurait eu beaucoup de paliers pour des différences somme toute minimes, le ratio de deux est plus parlant sans compter qu’on peut toujours affiner ses réglages en mettant une demi-valeur, même parfois un tiers de valeur, en plus ou en moins.

Maintenant, pour bien comprendre vitesse et diaphragme.

Commençant par la vitesse, il faut saisir ce que veulent dire tous les différents chiffres indiqués, comme 1/4 ou 1/250 de secondes.

Ces nombres indiquent le temps pendant lequel l’obturateur de l’appareil reste ouvert pour laisser rentrer la lumière sur le capteur ou la pellicule.

Si le sens commun parvient sans effort à saisir qu’une demi-seconde c’est plus rapide qu’une seconde, cela devient moins évident en imaginant un deux millième de seconde et un millième de seconde pourtant c’est pareil, dans les deux cas en progressant de l’un à l’autre on a multiplié le temps par deux.

Tous les appareils modernes ont des paliers d’exposition de une seconde à un deux millième de seconde, même jusqu’au huit millième sur beaucoup de boîtiers.

Donc on a : 1 seconde, 1/2, 1/4, 1/8, 1/15, 1/30, 1/60, 1/125, 1/250, 1/500, 1/1000, 1/2000, 1/4000, 1/8000. À chaque fois on divise par deux, 1/125 de seconde laissera entrer huit fois moins de lumière que le 1/15.

Pour les diaphragmes le principe est le même, sauf que c’est plus difficile à comprendre, car les chiffres utilisés ont l’air arbitraires et si on peut visualiser une vitesse plus ou moins rapide, les chiffres tels f/4, f/5,6 ou f/8 sont assez obscurs, assez difficiles à saisir.

Moyen mnémotechnique facile : pour les diaphragmes comme pour les vitesses (en regardant uniquement le dénominateur, le nombre en bas de la fraction), c’est pour les deux inversement proportionnel, donc le contraire de ce qu’on penserait a priori, c’est-à-dire que plus le nombre indiqué est grand plus petite est la quantité de lumière rentrante.

Les chiffres concernant les diaphragmes sont du plus ouvert au plus fermé, comme on l’avait vu rapidement auparavant : f/1 - f/1,4 - f/2 - f/2,8 - f/4 - f/5,6 - f/8 - f/11 - f/16 - f/22.

Pour mémoire les demi-diaphragmes s’intercalant au sein des premiers sont : f/1,2 - f/1,8 - f/2,5 - f/3,5 - f/4,5 - f/6,3 - f/9 - f/13,5 - /19.

Pour illustration, voici ci-contre un objectif standard de 50 mm, ouvrant de f/1,8, ouverture maximum, à f/22, celle laissant rentrer le moins de lumière.

Tous ces chiffres méritent de par leur côté hermétique une explication :

Pour ce faire, on part du diaphragme théorique de f1, sinon le plus lumineux, du moins celui où le diamètre de la lentille égale la longueur focale de l’objectif3 et qui sert de référence pour les calculs de IL, etc. Pour un objectif de 50 mm, focale « normale » équivalente à la vision humaine, le diamètre de la lentille frontale sera de 50mm également pour une ouverture à f1. Dans la vie pratique, les optiques ouvrant à plus de 1,2 sont très rares, de mémoire Leica et Canon ont produit des optiques ouvrant à 0,95 ou 1, mais c’est plus une prouesse technique à un prix très musclé qu’un produit de marché grand public4, la pratique les réservant plus spécifiquement à des adeptes de la photo de spectacle ou de la photo de nuit sans flash5. On parle toujours d’un objectif en le définissant par sa plus grande ouverture, le chiffre le plus petit indiqué sur la bague, de cette manière on parlera d’un f/1,4 50 mm, d’un f/2 de 35 mm ou encore d’un zoom f/2,8 24-70.

Comme on vient de le voir, 50 mm divisés par f/1 d’ouverture donne 50 mm de diamètre d’ouverture maximale.

Un petit téléobjectif de 85 mm ouvrant à f/2 aura un diamètre maximum de lentille de 42,5 mm.

Un téléobjectif puissant de 300 mm ouvrant à f/2,8 aura une lentille frontale de 107 mm : dans tous les cas on divise la longueur focale (35, 50, 300 mm) par le plus grand diaphragme (le plus petit chiffre) pour avoir le diamètre de la lentille frontale.

Ce qui explique que pour les téléobjectifs de 200, 300 et 400 mm, on trouve rarement des ouvertures supérieures à f/2,8, d’une part le coût de fabrication pour faire des lentilles parfaites sur de très grands diamètres est excessif (énormément de rejets dans une série), et d’autre part le poids de l’objectif le rendrait difficilement transportable6. Concernant le calcul fait quelques lignes plus haut, il est valable à toutes les ouvertures de diaphragme possibles, un 50 mm de f/1,4 d’ouverture maximale aura un diamètre de 50 mm/1,4 = 36 mm. Et ainsi de suite : lorsque sur le même objectif on ferme le diaphragme à 2 on obtient une ouverture de 50 mm/2 = 25 mm, quand le diaphragme est encore poussé de deux crans à f/5,6 ce qui donne 50 mm divisés par 5,6 soit 9 mm de diamètre pour l’ouverture laissant passer la lumière.

En n’oubliant pas qu’on calcule en terme de surface de lentille et non uniquement de diamètre, passer de f/1,4 à f/5,6 diminuera la lumière rentrante non par un facteur de quatre (36 mm divisés par 9 mm), mais par un facteur de 167. Si on se rappelle nos cours de CM2, la surface d’un cercle est calculée par πR2 où R est le rayon du cercle élevé au carré, ce qui nous donne pour un diaphragme de f/1,4 : 3,1416x((5 cm/1,4/2)2) = 10 cm²

Après avoir divisé le diamètre par la valeur de l’ouverture, on le redivise par deux, car c’est le rayon et non le diamètre qu’on élève au carré.

Le même calcul avec f/5,6 d’ouverture donne : 3,1416x((5 cm/5,6/2) 2) = 0,61 cm², ce qui est bien 16 fois moins que les 10 cm² vus précédemment.

Tout devient clair ! Ces chiffres exotiques de valeur de diaphragme sont le coefficient de division du diamètre de la lentille pour avoir à chaque palier deux fois moins de lumière, autre façon de dire élégamment que plus le chiffre est grand plus il divise fortement et plus l’ouverture se réduit.

Le principal à retenir de ce qu’on vient de voir est qu’une vitesse ou un diaphragme ont exactement la même fonction qui est de donner deux fois plus de lumière ou deux fois moins.

Considérant le tableau d’indice de lumination vu plus haut, IL 13 par exemple, c’est-à-dire un ciel nuageux clair, nous voyons que toujours pour 100 ISO de sensibilité, lui sont associés non pas un couple vitesse/diaphragme, mais des couples vitesse/diaphragme :

Donc IL 13 devra avoir une exposition de 1/250 à f/5,6 d’ouverture, mais ce pourra être aussi 1/125 à f/8 ou encore 1/60 à f/11. Tous les couples se valent dans la mesure où lorsqu’on diminue l’un, on augmente l’autre, dans la pratique c’est toujours la même quantité de lumière qui rentre.

Maintenant, on en arrive non pas à une, mais à LA grande question de la photo : puisque toutes ces expositions font le même travail, à savoir bien exposer la photo dans une luminosité donnée par un ciel nuageux, pourquoi prendre un couple plutôt que l’autre ?

La réponse est double : d’une part la volonté du photographe, d’autre part des contraintes.

Ce qui mérite quelques explications :

Concernant la volonté du photographe qui en l’occurrence sera celle de notre photographe tenté par l’érotisme, on le mettra un instant en situation chez lui avec un modèle paresseusement allongé sur un canapé et éclairé des deux spots de 500 ou 800 watts dont on a parlé précédemment. Ce qui donnera plus ou moins 1/60 à f/4 et 100 ISO, c’est-à-dire IL10 correspondant au tableau suivant :

Les différentes possibilités d’exposition permettent d’envisager les divers cas de figure et de voir une notion très importante : celle de profondeur de champ.

Imaginons qu’il soit à genou devant le canapé en train d’immortaliser l’intimité du modèle les cuisses largement ouvertes. Veut-il un maximum de profondeur de champ pour que toute l’image soit nette, de l’entrecuisse au visage ? Auquel cas, toujours faisant la mise au point sur les lèvres et/ou le clitoris de madame, il se portera vers des diaphragmes de f/8, f/11. Ce qui induira en regardant le tableau des vitesses le 1/15e ou 1/8e de seconde pour avoir une bonne exposition. Ici, à ces vitesses, malgré l’érotisme de la situation, il devra se détendre, respirer tranquillement, bloquer sa respiration puis déclencher très doucement s’il veut une image nette et la doubler ou tripler par sécurité. Utiliser un pied photo est même ce qui est conseillé8. Autrement, dans ce cas précis, si on a un bon appareil, on peut monter la sensibilité d’un cran ou deux pour se retrouver à 200 ou 400 ISO, ce qui mènera pour les mêmes diaphragmes à des vitesses de 1/30 ou 1/60e et limitera le risque de flou de bougé.

Par contre, souhaite-t-il que la vulve soit nette, mais que tout le plan arrière, les seins et le visage soient flous ? Ici il lui faudra choisir des diaphragmes de f/1,4, f/2 ou f/2,8 avec les vitesses correspondantes de 1/500, 1/250 ou 1/125. En procédant de cette manière, le sourire vertical du modèle sera parfaitement net, mais en s’en éloignant vers l’arrière ou vers l’avant, ce sera graduellement de plus en plus flou. Belle façon de centrer le regard du spectateur sur le sujet principal…

Comme illustration, on a pris l’exemple de deux livres, le choix est simple, c’est que possédant du texte, ce sera encore plus parlant qu’avec un corps :

Les deux ouvrages, posés verticalement, sont distants d’une soixantaine de centimètres l’un de l’autre et la prise de vue a été réalisée à environ cinquante centimètres de l’ensemble. Sur les deux photos, la netteté, la mise au point a été faite sur le livre en premier plan. Sur la photo de gauche, prise avec un diaphragme ouvert (f/2) on voit sans peine que le livre du fond est complètement flou. Par contre, sur la photo de droite, faite avec un diaphragme fermé à f/11, il est devenu net. Et c’est la même photo, faite dans les mêmes conditions d’éclairage, le seul paramètre ayant changé est la fermeture plus ou moins prononcée de l’entrée de lumière9.La séance se poursuivant et à la demande du photographe, ou mu par une soudaine excitation, le modèle a-t-il envie de se masturber ? Là on va voir que pour une même lumière, les différents couples vitesse/diaphragme vont nous apporter des solutions :

Si le photographe veut pour des raisons de dynamique et d’esthétique que la main s’agitant sur les lèvres et le clitoris soit floue pour suggérer le mouvement, il choisira le 1/8e ou le 1/15e de seconde, et à condition de bien maintenir l’appareil ou d’utiliser un pied, et il obtiendra le résultat souhaité. C’est-à-dire que le corps sera parfaitement net, mais les mains bougeant assez vite et prises à une vitesse lente seront floues, comme sur certaines photos de train ou de voitures ou par rapport à un paysage resté net, le flou de déplacement induit la notion de vitesse.

Par contre, notre érotomane, est-il séduit par la position des mains ou des doigts en mouvement qu’il trouve très gracieuse et les veut-il nets pour les enregistrer dans cette position douce et sensuelle ? Ici le choix d’une vitesse rapide « séchant », fixant le mouvement sera nécessaire, il se portera vers le 1/125, le 1/250 ou moins.

Prenant toujours la littérature comme démonstration, les deux photos suivantes l’illustreront bien :

L’exemple ci-dessus montre un des deux livres que nous connaissons déjà, tombant devant l’autre. La photo de gauche, ayant été faite au 1/30e de seconde, montre le flou de bougé de la chute, suggérant le mouvement. Pour avoir le livre net, sur la photo de droite, il a fallu utiliser une vitesse rapide comme le 250e, et des vitesses plus petites auraient encore accru la netteté10. À l’inverse, utiliser une vitesse plus lente que le 1/30e, tels le 1/15e ou le 1/8e de seconde, aurait rendu le livre encore plus flou dans son parcours, et donc suggéré une amplitude de mouvement plus importante. Pareillement des mains masturbatrices, pour reprendre l’exemple qui nous est cher, pourront être saisies à différentes vitesses pour invoquer plus ou moins de mouvement sur la photo : on passera ainsi d’une sorte de caresse, légèrement floutée, à une masturbation frénétique.

Les exemples pourraient être multipliés à l’infini. Il s’agit simplement de percevoir qu’au sein d’une même luminosité, en jouant sur les vitesses et les diaphragmes, on arrive créer des photos différentes ayant chacune leur intérêt propre.

Ce qui peut être une aide est la présence sur certains objectifs d’une échelle de profondeur de champ.

On voit très bien ici que pour une mise au point à 0,80 m, sur un objectif de 24 mm, les indicateurs donnent de part et d’autre de celle-ci, à f/22 une netteté comprise entre 0,40 m et l’infini, par contre au diaphragme de f/11, on observe que la zone de netteté sera seulement située entre environ 0,60 m et 2 m.

Ce qui amène à dire un mot sur la notion d’hyperfocale qui a eu son heure de gloire dans l’histoire de la photo. Ce mot désigne la distance à laquelle préétablir la mise au point pour, avec un diaphragme donné, avoir le maximum de netteté entre le photographe et l’infini. C’était très utilisé par les reporters au temps des objectifs manuels pour n’avoir pas à se soucier de la mise au point, mais juste du cadrage, d’où gain extrême de rapidité.

Pour en revenir aux reflex, en plus des indications de l’objectif, sur les boîtiers professionnels ou semi-professionnels, il existe un bouton appelé « testeur de profondeur de champ » qui ferme momentanément le diaphragme à la valeur choisie pour bien visualiser quelle va être la zone de netteté avant d’appuyer sur le déclencheur11. Il faut dire que c’est tellement simple et efficace qu’ayant commencé à s’en servir, on n’imagine pas un reflex sans cette commodité. Cela peut également être une raison d’éviter les boîtiers reflex amateurs qui en sont dépourvus. Les débutants pourront bien sûr commencer en mode automatique aussi appelé programme12 pour commencer à appréhender l’appareil, les cadrages, etc., sans avoir à se soucier de trop de choses en même temps, ce qui peut décourager. Mais petit à petit il sera bon de passer en priorité diaphragme pour jouer sur la profondeur de champ dont on vient de voir l’utilité. Ou encore sur les vitesses pour des photos de sujets en mouvement tels des insectes, des chutes d’eau, le sport, ou des mains, voire d’autres organes ou gadgets, en pleine activité… La profondeur de champ peut jouer des tours aussi. Les boîtiers reflex prennent la mesure de la lumière et de la distance à pleine ouverture13, c’est-à-dire que le diaphragme se ferme au moment de la prise de vue. D’où une mère de famille prenant par un beau soleil un portrait de ses enfants devant un grillage, resté flou au moment de la prise de vue et qui gâche la photo en apparaissant net sur l’image juste après et en propulsant les pauvres loupiots dans un univers carcéral…

Ce qui s’explique facilement, car par temps ensoleillé, l’appareil, positionné très certainement en mode programme, aura pris f/8 ou f/11 comme diaphragme d’où netteté de l’arrière-plan et donc grillage devenant net…

CONCERNANT LES CONTRAINTES 

Tout d’abord la météo lorsqu’il fait sombre ou lorsqu’on se trouve à l’intérieur d’une pièce on devra forcément prendre de grandes ouvertures et/ou des vitesses lentes.

Tout se rappelant que des vitesses moins rapides que le 1/30e peuvent induire des flous de bougé et nécessitent un pied photo.

Encore que ceci puisse être relativisé, avec les stabilisateurs mécaniques et optiques dont on a déjà parlé, on peut descendre d’une ou deux vitesses voire plus. À condition de bloquer sa respiration et de tenir fermement l’appareil (si possible appuyé contre le front), on peut descendre jusqu’au 1/8e, voire au quart de seconde en récupérant une photo nette sur deux ou trois… D’où l’intérêt de doubler voire tripler ses clichés, ainsi qu’on l’a vu également.

Une météo très clémente avec un fort ensoleillement sera aussi une contrainte dans la mesure où elle obligera à prendre des vitesses très rapides et/ou des diaphragmes fermés induisant une forte profondeur de champ, ce qui peut être gênant pour un portrait dont on souhaitera l’arrière flou.

Une autre contrainte peut aussi venir du sujet : s’il est en mouvement, le photographe devra s’orienter vers des vitesses rapides pour obtenir la netteté souhaitée.

Enfin, des contraintes, qui si elles n’influencent pas directement la prise de vue, peuvent avoir un impact sur elle.

Dans la photo de spectacle, par exemple, vu le bruit généré par les multiples claquements du miroir, il est hors de question d’utiliser le mode rafale du boîtier, cela serait vite insupportable pour les voisins immédiats, voire même pour la salle entière14. Il est aussi préférable de caler son appareil en mode silencieux s’il existe. Ou alors de profiter des applaudissements pour déclencher à loisir, ce qui limite toutefois les possibilités de prises de vue. De la même façon dans une salle très assombrie, la luminosité de l’écran arrière du boîtier sera très vite une gêne pour les personnes assises derrière le photographe, il sera bon de le désactiver. Mais ceci peut perturber les habitudes de travail de certains.

Autre exemple, dans un stade, en ayant pour projet de faire quelques photos de sportifs en action, le photographe peut hériter d’une très mauvaise place située en contre-jour ce qui l’obligera à travailler uniquement au téléobjectif, muni d’un bon pare-soleil, en le positionnant pour éviter autant que possible les rayons lumineux directs. En ce cas précis le grand angle, et même la focale dite « normale » de 50 mm, récupérant trop de reflets parasites ,seront inexploitables.

Un troisième et dernier exemple : dans les musées, même ceux qui autorisent les prises de vue, le flash est strictement interdit. Ce qui est aisément compréhensible, car de trop fortes lumières altèrent la conservation des couleurs en général et plus spécifiquement des peintures. D’où pour le photographe nécessité de jongler, dans un environnement assez sombre, avec tous les paramètres du boîtier pour arriver à sortir des résultats corrects.

Il est impossible ici de faire une liste exhaustive de toutes les situations où les conditions ne sont pas optimales, mais c’est entre ces contraintes liées à l’environnement ou celles directement liées à la prise de vue que le photographe devra naviguer pour arriver à créer l’image qu’il souhaite : en mettant une sensibilité plus ou moins forte, en jouant sur les vitesses, en se décalant si besoin, en profitant d’une zone d’ombre, etc. Mais avec un peu de pratique, d’imagination et de ténacité, on arrive sans trop de peine à avoir un résultat proche de ce qui était souhaité.

SENSIBILITÉ

Elle était exprimée en ASA, l’est maintenant en ISO15, c’est la capacité de la pellicule ou du capteur à prendre plus ou moins rapidement la lumière. En réglant l’appareil sur 200 ISO au lieu de 100, on aura exactement la même exposition avec deux fois moins de temps, ou deux fois moins de lumière en fermant le diaphragme d’un cran.

La sensibilité marchant comme vitesse et diaphragme par palier de deux16 : Choisissant 200 ISO au lieu de 100, on diminue par deux le temps nécessaire pour donner au capteur l’exacte exposition lumineuse dont il a besoin.

Choisissant 400 ISO au lieu de 100, on diminue par 4 le temps d’exposition, etc.

Ce qui semble simple et fort pratique. Étant à l’extérieur avec pas mal de clarté, on reste à 100 ISO et si pour X raisons on se retrouve dans une salle ou une pièce pas trop éclairée, pour faire une photo sans flash, on décale la sensibilité à 800 ISO, ce qui permet d’aller vers le trentième ou le soixantième de seconde et de dépasser les vitesses critiques où il peut y avoir flou de bougé17. C’est vrai et dans la théorie, c’est très pratique.

Seulement ce n’est pas neutre…

Si votre appareil a été conçu pour une exposition de base à 100 ISO, quitter celle-ci amènera une baisse de qualité de l’image. Baisse assez discrète au début en n’étant pas trop ambitieux, mais qui se transformera en défauts rédhibitoires plus on montera en sensibilité.

Ces défauts seront la montée en grain (comme sur une pellicule argentique « poussée », comme vu précédemment), un accroissement démesuré des contrastes, et enfin des zones « bruitées » déjà vues aussi avec des pixels noirs et rouges/violets. Le tout avec une perte de netteté plus ou moins marquée selon les techniques de « lissage18 » du constructeur. En plus, tous les appareils ne sont pas égaux devant la montée en sensibilité.

Pour comprendre cela, il faut se dire qu’un capteur est composé de photodiodes, les 15 ou 20 millions de pixels dont on parle sont en fait 15 ou 20 millions de photodiodes et que lorsqu’on augmente la sensibilité, on n’augmente pas la sensibilité de ces dernières, qui est-ce qu’elle est et ne peut être changée, c’est le signal qui est amplifié, d’où création de bruit.

Un parallèle qui vient à l’esprit est la restitution de la musique : prenez un amplificateur de 100 watts, mettez-le à vingt pour cent de sa puissance et ce sera parfait. Par contre pour un même niveau sonore, si vous avez un amplificateur de 20 watts et le mettez à fond, vous aurez une très mauvaise qualité auditive.

Pour les reflex, c’est la même chose : avec leur grande taille de capteur, ils « encaissent »19 mieux et avec ces appareils on peut maintenant monter sans soucis de 100 jusqu’à 800 ISO. Vers 1 600 ça reste très correct. Au-dessus, ce qui dépend aussi des fabricants et des boîtiers, on s’en servira surtout en dépannage en cas de luminosité très faible. Les compacts grands publics eux, du fait de leur petite taille de capteur, subissent en même temps que la montée en sensibilité une montée des défauts assez rapide. Passer de 100 à 200 reste acceptable, à 400 les défauts commencent vraiment à se voir, et au-dessus l’image devient granuleuse et à sévèrement bruiter pour être rapidement inexploitable.

Quant aux compacts experts, le résultat est en général mieux que les compacts dits « grand public » et plus leur taille de capteurs sera grande, meilleur sera le résultat, mais comme en général elle est en dessous de celle des appareils reflex, il faudra modérer légèrement ses prétentions… Ils ont énormément de qualité, mais ici on touche un peu à leur point faible.

Deux mots encore sur la sensibilité :

Il faut mettre au crédit des constructeurs qu’ils font en permanence de substantiels progrès dans le traitement de l’image avec des algorithmes de plus en plus efficaces et à chaque nouvelle génération d’appareils le grain et le bruit sont de mieux en mieux gérés.

En regardant des tests de reflex, j’ai même vu très récemment des images prisent à 3200 ISO qui n’étaient guère plus bruitées que d’autre prises à 800, il y a seulement trois ou quatre ans…

Par contre, afficher sur certains types de compacts, destinés à l’acheteur lambda, une sensibilité de 1600 ou 3200 ISO, en sachant que le résultat sera quasiment bon pour la poubelle, est un artifice marketing hélas trop fréquemment utilisé.

OPTIQUES CLAIRES

Directement lié à la sensibilité, un point sur lequel il faut insister est la nécessité d’avoir des optiques rapides ce qui est une autre façon de dire lumineuses.

On vient de le voir, trop user de la montée en sensibilité fait très vite apparaître les défauts évoqués précédemment et le seul moyen d’y échapper est d’avoir des optiques dont l’ouverture est suffisante pour que la lumière n’y rentre pas chichement.

Quand on pense que sur les compacts les plus vendus, les zooms ont une ouverture glissante20 de 3,5 ou 3,8 à 5,6 voire 6,3 de la position grand-angle au mini téléobjectif qui leur est associé, on ne peut qu’être rêveur quant aux limitations qu’ils induisent de par leur conception. Ainsi qu’on le soulignait au début du livre, le choix qui est donné au grand public se résume, caricaturant à peine, à peu de choses : dès que des conditions parfaites de prise de vue ne sont pas réunies, outre le flash21 dont on va parler au prochain paragraphe, il y a le choix d’avoir des photos granuleuses par montée en sensibilité trop importante pour ce style d’appareil, ou alors des flous de bougé par utilisation de vitesses trop basses. Donc toujours privilégier les optiques les plus lumineuses amènera à des résultats meilleurs lorsque les prises de vues sortent des sempiternels ciels nuageux clair ou ciel ensoleillé qui ne sont hélas pas les seules conditions auxquelles le photographe est confronté.

Une autre chose à savoir, et qui va également dans le sens de meilleurs résultats, est que tous les objectifs photo ne sont pas égaux devant la prise de vue.

Il y a d’une part des optiques avec un très bon rendement qui donnent de la netteté, du « piqué22 » en terme photo, et d’autre part celles dont le résultat sera moyen, même mauvais : les images apparaissant ne seront pas floues, mais pas vraiment nettes non plus, il y aura une certaine mollesse, un manque de définition et aussi de contraste. Ce qui est quantifiable par rapport à une norme (ISO 12233) et se calcule en nombre de lignes ou plutôt paires de lignes par millimètre. Toutefois il est bon de préciser que ces dernières années, avec l’arrivée du numérique les choses se sont un peu complexifiées : car si avec l’argentique la référence de test était simple (un film à grain le plus fin possible style Technical Pan de chez Kodak), maintenant les capteurs numériques, avec leurs tailles et leur nombre de pixels différents, influencent à leur tour les tests…

Ce qui fait que dans la pratique on se retrouve avec plusieurs, sinon normes, du moins façon d’exprimer les choses qui outre le nombre de lignes au millimètre (LP/mm), peuvent être des cycles par pixels (C/P) ou encore le nombre de bandes ou de paires de bandes dans la hauteur de l’image (LW/PH ou LP/PH).

Mais tout ceci dépassant à la fois le cadre de ce petit livre et les compétences mathématiques de l’auteur, je ne puis qu’encourager le lecteur passionné à taper « résolution des objectifs photo » sur un moteur de recherche.

De tout cela, il semble néanmoins qu’un bureau d’analyse émerge pour l’analyse de la qualité des boîtiers et des objectifs et tend à devenir une norme : il s’agit de DxoMark, www.dxomark.com.

Ici on en restera à une résolution en paires de lignes ce qui est plus parlant. On dit paires de lignes simplement, car si on trace dix lignes avec une règle sur une feuille de papier on aura les dix lignes tracées au stylo, mais aussi les 10 interlignes blancs qui n’ont pas reçu d’encre. Chaque couple de lignes blanches/noires sera considéré comme une paire de lignes.

Donc un très bon objectif aura un pouvoir séparateur de 60 paires de lignes au millimètre, un moyen 30/40 et un mauvais objectif nous donnera 20/25 paires de lignes seulement…

Il ne faut pas penser qu’ici on est dans la théorie, un peu comme une bataille de théologiens sur le sexe des anges, on le verra réellement dans les photos que donnera l’appareil. Il est préférable, plutôt qu’écouter le vendeur faisant les louanges de tel ou tel appareil sous prétexte qu’il a la Wifi, qu’il géolocalise vos photos grâce à un GPS intégré, ou encore qu’il est d’un joli gris métallisé, il est plus utile, disais-je, de regarder certains sites spécialisés ou certains magazines et de lire les critiques des journalistes sur le modèle qu’on pense acheter, et aussi de regarder les résultats optiques obtenus dans les tests avec des mires dédiées.

Bon à savoir aussi pour l’utilisation courante : à l’intérieur d’un même objectif, l’ouverture de diaphragme modifie également la résolution. Le rendement d’une optique se visualise sous forme d’une courbe de Gauss avec en ordonnée la résolution en lignes et en abscisse les ouvertures de diaphragmes. Regardant cette courbe, il apparaît que les résultats les moins bons se situent aux plus grandes ouvertures et aussi aux ouvertures les plus fermées.

Une petite explication s’impose pour comprendre pour quelles raisons le rendement optique maximum se place entre les deux extrêmes.

D’une part, à pleine ouverture, vers f/1,4, f/2 ou f/2,8, une arrivée massive de lumière a tendance à générer ce qui se nomme le flare, une sorte de halo se créant parce que justement les photons arrivent en masse et qu’une partie se réfléchit sur les bords intérieurs de l’objectif, ou sur les lentilles elles-mêmes ce qui crée une lumière parasite altérant le rendement de l’optique.

À l’opposé, du côté des petites ouvertures, vers f/8 f/11ou f/16, on trouve ce qui s’appelle la diffraction, phénomène se produisant à cause de la petitesse de l’ouverture laissant entrer la lumière lorsque le diaphragme est très fermé. Une partie des photons passera au milieu du cercle sans problème et accomplira normalement son travail d’apport d’information au capteur, l’autre sera perturbée dans sa course en heurtant les lamelles du diaphragme et n’ira plus exactement à l’endroit où elle était supposée aller, d’où création de flou.

On considère généralement que la solution à ces deux gros inconvénients se situe entre deux et trois crans de diaphragme après la pleine ouverture. Car d’un côté le diaphragme relativement fermé empêchera la création d’un halo parasite, et d’autre part ce diaphragme encore assez ouvert laissera passer une grande partie des photons sans créer d’obstacle et donc sans trop générer de diffraction.

On remarquera qu’en optique comme dans beaucoup de domaines, l’optimum se situe le plus souvent dans un compromis. Imaginons un avion où un bateau qui doit aller très vite, mais aussi transporter beaucoup de voyageurs et de marchandises : il y aura un souci, le poids transporté nécessitera un énorme moteur, mais son poids ralentira les performances, de même que le volume de carburant transporté, etc. Il y a un moment où l’optimisation nécessitera des compromis et par-delà même, des sacrifices.

Si la règle du meilleur rendement de l’optique, environ deux ou trois crans après la pleine ouverture, est juste dans la majorité des cas, il y a deux exceptions à signaler :

En premier celle des téléobjectifs ultra lumineux, tels les f/2 de 200 mm ou les f/2,8 de 300 ou 400 mm, qu’utilisent beaucoup les professionnels du sport ou du spectacle, les paparazzis, etc. Dans ce cas il leur a été adjoint des verres spéciaux à faible dispersion et/ou un traitement à la fluorite pour justement donner les performances maximum dès la pleine ouverture.

La seconde exception concerne les objectifs destinés à la macrophoto , et qui, du fait de la nécessité pour celle-ci d’avoir une grande profondeur de champ, ont été conçus, via des verres spéciaux ou des lentilles asphériques, pour donner leur meilleur rendement avec des ouvertures plutôt fermées telles f/8 ou f/11. Il est bon de préciser que par-delà leur usage spécifique et leur conception, ces optiques sont en général d’un tel niveau que le résultat est exceptionnel à quasiment tous les diaphragmes.

Ceci dit, pour donner un exemple du rendement d’un objectif standard de 50 mm et de bonne qualité ouvrant à f1,4, on obtiendra environ les paires de lignes suivantes pour les différents diaphragmes :

f/1,4

40 pl/mm

f/2

45 pl/mm

f/4

50 pl/mm

f/5,6

55 pl/mm

f/8

40 pl/mm

f/11

35 pl/mm

f/16

30 pl/mm

On voit facilement que le nombre de paires de lignes est à son maximum dans les ouvertures intermédiaires.

Ce qui ne veut pas absolument pas dire qu’il faille rester systématiquement à ces valeurs de diaphragme. Plutôt que d’avoir une photo floue par vitesse lente et bougé, il vaut mieux ouvrir au maximum, de même que si une grande profondeur de champ est nécessaire ou s’il y a trop de lumière, il ne faut pas hésiter à fermer le diaphragme selon le besoin du moment. La baisse de définition induite par les grandes ou petites ouvertures n’est rien par rapport au fait de manquer une photo parce qu’on s’impose un cadre trop rigoriste.

Cette notion de rendement optique est bonne à connaître pour en profiter quand on le peut, mais ne doit pas prendre le pas sur les contraintes en termes de luminosité ou sur des visées esthétiques.

LE FLASH

Jusqu’ici le flash a été un peu oublié, à part les flashs de studio qui donnent une lumière sans ombres, douce et enveloppante et dont on a parlé. Les autres, qu’ils soient intégrés à l’appareil où posés dessus, il est bien de les voir comme un dépannage plus que comme une façon à part entière de faire des photos.

Avant toute chose, il est bon de préciser la notion de synchronisation du flash qui est une des contraintes de son utilisation.

Pendant des dizaines d’années, sur les reflex, la synchro flash a été au soixantième de seconde. Raison simple à ceci : au moment de l’éclair, il faut que la fenêtre entière d’exposition du film soit découverte, c’est-à-dire l’obturateur ouvert, autrement on n’aurait qu’une partie de la photo exposée convenablement, l’autre étant occultée au moment de l’éclair.

Or s’il est facile de faire se découvrir la totalité du film à des vitesses « lentes », jusqu’au soixantième (au 1/250 depuis une trentaine d’années), au-delà, pour des vitesses de l’ordre du 1/500 ou 1/1000 ou moins, c’est problématique. La solution qui a été trouvée est de faire coulisser les deux rideaux de l’obturateur pour qu’une fente ainsi créée expose le film en le balayant. Le souci est que là, au moment de l’éclair de flash, seule une petite bande de la photo serait bien exposée.

La limitation au 250e de seconde cette synchro flash est un vrai problème pour l’utilisateur, car elle limite la plage de vitesses qu’offre l’appareil photo. Elle sera principalement sensible par forte lumière, obligeant à fermer le diaphragme plus qu’on ne l’aurait voulu avec par ricochet une profondeur de champ non désirée.

L’autre problème du flash est qu’il envoie une lumière frontale très dirigée qui a tendance à aplatir l’image, à enlever tout modelé au sujet photographié et également à être créateur d’ombres disgracieuses derrière lui, sans compter le phénomène dit « d’œil rouge ».

Concernant ce dernier, ceci arrive quand le flash est très près de l’axe de prise de vue (souvent le flash est à 3 ou 5 cm de l’objectif). L’éclair de flash passe par la pupille, éclaire l’intérieur de l’œil, et comme cet intérieur est tapissé de petits vaisseaux sanguins, il se produit cet effet rouge sur la photo.

Ceci explique l’utilisation de flashs torches montés sur un support à côté du boîtier, ou encore l’utilisation de flashs « cobras » assez haut, pour que justement l’axe de l’éclair et l’axe de l’objectif soient décalés.

Il faut savoir d’une part que plus on s’éloigne du sujet, plus le phénomène d’œil rouge a de chance de se produire, la différence d’axe diminuant petit à petit (pour théoriquement disparaître à l’infini) en s’éloignant du sujet.

D’autre part que ce désagrément a plus de chance aussi d’arriver dans un endroit peu éclairé, les pupilles étant plus dilatées.

Le remède le plus classique donné par les constructeurs est l’envoi d’un pré-éclair quelques instants avant l’éclair principal pour justement faire se fermer par réflexe les pupilles. Tout en n’étant pas efficace à cent pour cent, ça améliore en général grandement les choses.

On parlait, il y a quelques instants, de modelé : c’est principalement vrai pour le corps ou le portrait, mais c’est aussi vrai pour des objets ou une pièce, comme une chambre ou un salon, ce qui interpelle dans la photo, ce sont justement les différentes sources lumineuses qui créent des ombres, une atmosphère… Avec le flash, bien qu’il n’y ait rien à dire au niveau de l’exposition qui est parfaite, il se passe que toutes les différences de luminosité qui faisaient le charme de ce qui est photographié sont gommées et le résultat donne une photo aseptisée.

Dans le cadre d’un reportage, plus spécifiquement de l’évènementiel, que ce soit actualité politique, défilé de mode, etc., la photo est un constat, et lorsqu’on passe d’un intérieur sombre à une zone très éclairée ou un contre-jour, le tout dans la cohue et la précipitation, le meilleur moyen d’être sûr d’avoir un résultat sans surprises est d’utiliser le flash.

Dans l’ensemble, le reportage est un peu à part, l’évènement prime sur la photo, elle n’a pas de prétention à être artistique, encore qu’elle puisse souvent l’être…Voir certaines images de Depardon, Cappa ou Cartier Bresson ou d’autres de chez Gamma ou Magnum, etc. Il y a même des reportages où le côté artistique est prédominant, voir les photos de Salgado sur la forêt équatoriale.

Mais lorsqu’on n’est pas en reportage, la seule manière efficace de gérer le flash est de s’en servir comme lumière d’appoint en réglant sa puissance bien en dessous de sa valeur nominale en se servant du 1/8 ou1/16 de puissance de sortie. Ou encore en se servant des automatismes du boîtier pour lui dire de mettre 3 ou 4 diaphragmes de moins.

Là où le flash prend son intérêt, c’est pour déboucher une ombre, équilibrer un contre-jour ou encore mettre un petit éclat de lumière dans les yeux23. Le tout à la condition qu’il se fasse oublier ! Il y a des photographes qui scotchent un morceau de spun diffusant sur leur flash : on perd en puissance, mais ça en rend l’éclair nettement moins brutal.

D’autres accrochent une sorte de diffuseur au-dessus de l’appareil, sorte de mini boîte à lumière. Personnellement, je trouve que ça ressemble plutôt à une usine à gaz, mais bon, chacun est libre.

L’IMAGE

Dans le cadre de la partie technique, une dernière précision est nécessaire sur les différents types d’images qu’il est possible de rencontrer dans son parcours photographique.

Deux catégories d’images existent : les images vectorielles et les images matricielles ou « bitmap ».

Les premières sont définies par une fonction mathématique, les deuxièmes font référence à une matrice de points localisés par leur position en abscisse et en ordonnée.

Tout d’abord, concernant les images vectorielles, le format le plus courant est le PNG (Portable Network Graphic), créé à l’origine pour faire des images légères en termes d’octets et pouvant passer par le réseau informatique sans le ralentir par des transferts de gros volumes.

L’image est définie non par une suite de points, mais par des fonctions mathématiques.

Si, pour prendre un exemple simple, on dessine une tête très stylisée avec trois cercles, un grand pour le visage et trois plus petits pour les yeux et la bouche, il est facile de comprendre qu’une fonction mathématique peut définir l’ensemble, même l’épaisseur du trait correspond à un autre cercle à l’intérieur de chacun des trois, l’interstice entre les deux rempli d’une couleur quelconque sera le trait de crayon proprement dit. L’épaisseur de ce dernier sera constituée par la différence de taille des deux cercles.

Ayant vu cela, il devient simple de comprendre que toute image peut être reproduite par des fonctions mathématiques simples ou complexes, le principe de base étant de décomposer le plus complexe en un ensemble de figures les plus simples qui soient mathématiquement descriptibles.

L’intérêt de ceci est double, d’une part la légèreté de l’ensemble en termes d’octets pour stockage ou transfert éventuel, comme on l’a vu précédemment, d’autre part la possibilité d’agrandir l’image à l’infini, le ratio demeurant toujours le même entre les différents éléments.

Pour reprendre l’exemple très simplifié de la tête ronde pris plus haut, on comprendra que l’ensemble étant un rapport entre les différents cercles, agrandir l’un agrandira l’autre, même l’épaisseur du trait, différentiel entre deux cercles, augmentera en même temps que le reste et l’image restera homogène et ne « pixelisera » pas, à l’inverse des images matricielles, bitmap dont on parle quelques lignes plus bas.

Le défaut des images vectorielles est qu’en plus du format PNG le plus connu, il existe beaucoup de formats « propriétaires » aux différents logiciels de création d’images (architecture, usinage, industrie, etc.) qui ne sont pas tous reconnus par les logiciels les plus courants tels les navigateurs internet ou les logiciels d’impression des fabricants ou encore les traitements de texte ou d’images, etc.

De plus, de par leur structure mathématique, elles sont mieux destinées à des images simples ou des graphiques et ne sont pas forcément adaptées aux images complexes nécessitant un tas de nuances ou de formes tels un paysage d’automne ou le grain d’une peau et de ce fait peuvent délivrer des images manquant de réalisme.

Plus courant est le type d'images dites « matricielles » constituées d’un ensemble de points décrits de diverses manières et qui nous donnent différents types d’images.

Les principaux formats sont BMP, JPEG, TIFF, RAW

De base, il faut considérer l’image, carrée ou rectangulaire, comme une matrice de points décrits dans un repère cartésien orthonormé, c’est-à-dire où chaque point sera caractérisé par son emplacement en abscisse et ordonnée d’une part, et d’autre part par ses caractéristiques en RVB ou en TSL.

On ne s’attardera pas sur le JPEG, dont on a déjà longuement parlé, qui est un format compressé parvenant sous une taille réduite à véhiculer un maximum d’informations, avec des défauts et des qualités déjà soulignés.

Le RAW quant à lui, image brute de capteur a aussi largement été évoqué à la fin du chapitre sur les éclairages24.

Concernant le TIFF, sur une photo de 3000x4000 points, soit 12 millions de pixels, un point, un pixel sera décrit, par exemple, en 1725 en abscisse, repère horizontal et en 2807 en ordonnée, repère vertical avec en plus ses caractéristiques colorimétriques. Donc pour 12 millions de pixels, 12 millions de lignes d’information, multipliés par trois du fait des trois couleurs rouge, vert, bleu ou par quatre (cyan, magenta, jaune, noir) lorsque l’image est en quadrichromie, pour l’impression professionnelle. Ce qui crée un volume considérable.

Mais ici, avec ce que fait le format TIFF, format non compressé où chaque point est précisément décrit, nous avons le système le plus respectueux de la qualité de l’image.

Encore qu’il existe des TIFF avec une compression non destructrice, la compression LZW25, mais les avis sont partagés sur celle-ci, il semblerait que selon les logiciels utilisés on n’ait pas forcément la certitude de les rouvrir, maintenant ou dans le futur. À manipuler donc avec précaution.

Les BMP sont un peu une forme archaïque de l’image numérique, leur colorimétrie d’une extrême pauvreté basée le plus souvent sur un échantillonnage à 256 couleurs et leur poids excessif eu égard à la quantité d’informations véhiculées font qu’elles ne sont citées ici que pour l’exemple.

De même les GIF (Graphics Interchange Format) sont des images généralement très pauvres en couleurs et servant plus spécialement à la création de petits graphiques animés qu’on a tous déjà vus sur internet, leur intérêt pour nous, en tant que photographes, est très limité, sauf pour s’amuser à créer de petites animations avec ses propres images, ce qu’il est possible de faire sous Photoshop.

Les formats PNG, BMP et GIF ont été donnés pour information, en tant que photographe, on aura de toute façon affaire aux autres formats. Le JPEG et éventuellement le RAW seront là au moment de la prise de vue, le TIFF, lui, concerne ce qu’on appelle le post-traitement, en gardant en mémoire de toujours faire un TIFF en sortie du JPEG ou du RAW, et ce sera lui, le TIFF, qu’il est possible d’ouvrir et fermer sans détérioration, dont on se servira ensuite pour créer les sorties spécifiques dont on a besoin.

1. IL ou EV (exposure value en Anglais) correspond à une valeur pour une luminosité donnée. Le tout est calculé pour une sensibilité de 100 ISO et à chaque indice correspondent des couples vitesse/diaphragme.

2. Fut un temps, les cellules d’appareils prenaient la mesure de façon « intégrale », 100 % de l’image analysée identiquement, ou « pondérée » avec 60 % au centre et 40 % sur les bords de la photo. Maintenant la plupart des boîtiers donnent accès à trois types de mesures : Centrale pondérée, comme on vient de la décrire, Spot qui prend entièrement la mesure au centre sur une toute petite zone (intéressant, entre autres, dans le cas d’un concert, on peut prendre la lumière uniquement sur le visage de l’artiste) et enfin Matricielle qui découpe la photo en un ensemble de sous-zones d’analyse et qui par rapport à une énorme base de données des différents types de photos, voit à laquelle correspond celle du moment et lui applique la juste exposition. Ce dernier type, la mesure matricielle, est sinon infaillible, du moins très difficile à prendre en défaut.

3. C’est-à-dire la distance en mm entre la première lentille de l’objectif et la pellicule ou le capteur numérique. Est considérée comme focale normale 50 mm en 24x36, équivalente à la vision humaine. En dessous, 18 ou 24 mm, ou autres, on est dans le domaine du grand angle, et au-dessus 85, 100, 200 mm etc., on rentre dans les téléobjectifs.

4. Dans les très grandes ouvertures, sans parler du Noctilux Leica de 50 mm ouvrant à 0,95 et coutant entre 8 et 9000 euros, il y a actuellement un f/0,85 de 40 mm qui est sorti en adaptable pour compacts type micro 4/3, de même que des bagues « Speedbooster » adaptables sur différentes marques et diminuant la focale de 30 % en donnant un diaphragme de plus d’ouverture, ainsi un f/1,8 de 50 mm deviendrai un f/1,2 de 35 mm. Hormis le Noctilux, objectif d’exception bien connu, les autres sont sortis récemment et l’auteur en ignore la qualité.

5. Pour la petite histoire, il y a même eu en 1966 un 50 mm ouvrant à 0,70 produit par Zeiss pour la NASA dans le cadre d’une mission Apollo ! Le lecteur intéressé par les optiques lumineuses peut consulter la page web de Dominique Guebey http ://www.dg77.net/photo/tech/fastex.htm#noct2008 où il trouvera également beaucoup d’autres informations intéressantes.

6. Chez Nikon et Canon il y a des 200 mm ouvrant à f2 très lumineux et appréciés des professionnels faisant de la photo de spectacle. Nikon a produit également dans les années 80 un f/2 de 300 mm, d’une qualité exceptionnelle mais coûtant une somme faramineuse et pesant 7,5 kg. Ici on est à la limite de ce qu’il est possible de faire en termes poids/prix.

7. L’écart se creuse plus vite car on est ici dans une progression géométrique et non arithmétique.

8. Faute de pied photo, il est toujours possible de poser l’appareil sur un tabouret, un coin de meuble etc. Même pour des photos verticales le chambranle d’une porte peut faire l’affaire. À condition évidemment de bien caler l’appareil et d’appuyer doucement. Sinon pour ceux qui ne voudraient pas investir dans un pied assez lourd et relativement encombrant, il existe de petits tripodes souples d’une dizaine de centimètres qui tiennent dans la poche et se modulent à l’envie pour maintenir l’appareil dans la position souhaitée

9. Le lecteur l’aura compris : dans la photo de droite, à f/11, le temps de pose était beaucoup plus long.

10. Petite précision technique qui fera sourire le lecteur, j’ai dû utiliser le mode rafale du boîtier et déclencher de façon anticipée pour saisir la chute du livre, autrement celui-ci avait déjà atterri sur la table au moment où le déclenchement se produisait…

11. Fermer le diaphragme assombrit l’image dans le viseur, mais on voit bien malgré tout ce qui va se passer.

12. Le mode programme associe pour un certain niveau de luminosité une vitesse et un diaphragme prédéterminés. Outre le programme « de base », il y a sur beaucoup de boîtiers des programmes spécifiques : ski, portrait, feu d’artifice, etc. On peut les essayer et voir ce que cela rend, il y en a de très bons, mais ça ne vaudra jamais une bonne connaissance de son appareil et de savoir ce qu’on fait et pourquoi.

13. D’une part pour le confort visuel de l’utilisateur et d’autre part pour la mise au point, l’autofocus s’accommoderait mal d’un diaphragme fermé qui donnerait trop peu de lumière.

14. On fait évidemment ici abstraction des concerts de rock et autres où le nombre de décibels est tel que le bruit de l’appareil passe inaperçu.

15. Deux normes de sensibilité – ASA pour les USA et DIN pour l’Allemagne – ont été toutes les deux réunies en une seule appelée ISO qui est l’équivalente de ASA.

16. Il y a toujours des exceptions, la pellicule Plus-X de Kodak faisait 125 ASA, il y avait des Fujicolor 160 et des Kodak tungstènes à 160 aussi, la sensibilité de certains compacts numériques Canon commence à 80 ISO etc., mais ces valeurs s’intercalent à l’intérieur du calcul de 2 en 2, ne le remettant pas en question.

17. C’est aussi un des avantages du numérique, avant on était bloqué sur la même sensibilité pour toute la pellicule, soit 36 poses en format 24x36 et 10 ou 20 poses en film moyen format 120 ou 220. Maintenant on peut la faire varier en fonction du moment présent.

18. La technique de lissage consiste à lutter contre le « bruit », parties granuleuses et colorées de la photo, en faisant du flou. Du coup les pixels noirs, violets ou rouges de la taille d’un grain disparaissent en se fondant dans la masse floutée. Le défaut, et M. de La Palice aurait été d’accord, c’est que lorsqu’on rajoute du flou, on perd du net… Selon les constructeurs, cet artifice est plus ou moins marqué.

19. Si on met, en exagérant volontairement, une pièce d’un euro et une feuille A4 sous la même lumière, c’est évidemment la feuille qui ramassera le maximum de photons. Il en est de même pour les capteurs, les photodiodes du plus grand, c’est-à-dire du reflex, recevront chacun plus de photons que sur le petit capteur d’un compact. D’où nécessité moins grande d’amplifier le signal pour un même résultat et donc génération de moins de bruit.

20. Glissante se dit d’une ouverture qui diminue en même temps que la focale s’allonge, ce qui est logique. Pour parler de façon imagée, si une fenêtre éclaire un couloir, plus il sera long, moins il y aura de lumière au fond. Les optiques professionnelles ont une construction permettant de garder constante l’ouverture. C’est renseigné de la sorte : glissant f/3,5-5,6 24-70 constant f/2,8 24-70

21. Sachant que les flashs des numériques compacts ont en général une portée maximum d’environ trois mètres, il est toujours amusant de voir des touristes essayer de photographier la Tour Eiffel de nuit à grand renfort d’éclairs avec leurs mini-boîtiers.

22. Pour être exact le piqué n’est pas uniquement de la netteté, c’est le pouvoir de résolution plus la capacité à restituer les contrastes qui s’appelle acutance. Pour la petite histoire, les Allemands (Leica, Schneider, Zeiss) privilégient plus le contraste, les Japonais (Nikon, Canon) plus la résolution.

23. Voir chapitre sur les éclairages.

24. Pour ces deux formats RAW et JPEG. Il était nécessaire d’en parler au début du livre dans la mesure où ce sont les deux formats auxquels le photographe est tout de suite confronté dès qu’il achète son boîtier.

25. Du nom de ses créateurs : Lempel, Ziv, Welch au début des années 80.

Remerciements à :

Alex Varenne qui m’a si gentiment donné accès à une très riche iconographie, principalement tirée de ses BD, où j’ai puisé toutes les situations « érotico-photographiques » qui illustrent ce livre.

Maître Joëlle Verbrugge, avocate spécialiste du droit à l’image et photographe, qui a eu l’amabilité de faire une lecture critique de la partie du texte concernant la loi.

Christophe Bier qui m’a suggéré l’idée de cet ouvrage, a su insister assez pour me convaincre, et sans qui il n’aurait vraisemblablement jamais vu le jour.

Sophie Rongiéras qui, en plus de me conforter dans ce projet, a su, à la lecture d’un premier jet rapide du manuscrit, corriger certains de mes « errements » littéraires.

Martine Charrier pour ses lectures et critiques attentives et constructives.

Alexandre Dupouy et Alex Varenne (de nouveau), qui ont accepté d’être interviewés pour illustrer le rapport étroit qu’ils entretiennent avec la photo.

Samantha, Claudia, Val et Corinne qui m’ont aussi donné un peu de leur temps pour raconter comment on vit d’être non pas derrière, mais devant l’objectif.

Crédits images d’Alex Varenne, albums :

Kiro, Éditions Fodansha

Les Larmes du rêve, >Éditions Les Humanoïdes associés

Lola, Éditions Albin Michel/Glénat

Hot dreams, Éditions Page 69

Érotic opéra, Éditions Albin Michel/Glénat

Amour fous, Éditions Albin Michel/glénat

Cinés fripons, Éditions Les Humanoïdes associés

Les Larmes du sexe, Éditions Les Humanoïdes associés

Police by night, Éditions du Balcon

Quelques illustrations aussi ont été faites directement à partir de tableaux d’Alex Varenne.

« Osez », la collection de guides pour tout savoir sur le sexe !

Osez tout savoir sur la fellation, Dino

Osez les jeux érotiques, Dominique Saint-Lambert

Osez les nouveaux jeux érotiques, Dominique Saint-Lambert et Velvet

Osez le sexe selon les astres, Brigitte Lahaie

Osez la fessée, Italo Baccardi

Osez tourner votre film X, Ovidie

Osez le bondage, Axterdam

Osez réussir votre nuit de noces, Marc Dannam

Osez coucher pour réussir, Étienne Liebig

Osez préparer votre corps à l’amour, Italo Baccardi

Osez faire l’amour à 2, 3, 4, Marc Dannam

Osez découvrir le point G, Ovidie

Osez la bisexualité, Pierre Des Esseintes

Osez le Kama Sutra, Marc Dannam et Axterdam

Osez vivre nu, Marc Dannam

Osez la chasse à l’homme, Jane Hunt

Osez la sodomie, Coralie Trinh Thi

Osez la drague et le sexe gay, Raphaël Moreno

Osez les sextoys, Ovidie

Osez la masturbation féminine, Jane Hunt

Osez les conseils d’une experte du sexe pour rendre un homme fou de plaisir, Servane Vergy

Osez les conseils d’une lesbienne pour faire l’amour à une femme, Marie Candoe

Osez le strip-tease, Violeta Carpentier

Osez les jeux de soumission et de domination, Gala Fur

Osez le cunnilingus, Coralie Trinh Thi

Osez les rencontres sur Internet, Maïa Mazaurette

Osez pimenter la sexualité de votre couple, Marc Dannam

Osez les secrets d’une experte du sexe pour devenir l’amant parfait, Servane Vergy

Osez la masturbation masculine, Antoine Dole

Osez l’amour des rondes, Marlène Schiappa

Osez le quick sex, Jane Hunt

Osez l’amour au bureau, Marc Dannam

Osez devenir une cougar, Servane Vergy

Osez le libertinage, Pierre Des Esseintes

Osez réussir votre divorce, Marie Minelli

Osez le préservatif, Vincent Vidal

Osez les massages érotiques, Érik Rémès

Osez faire votre coming out, Paul Parant

Osez 52 scénarios de week-ends érotiques, Marc Dannam

Osez faire l’amour partout sauf dans un lit, Marc Dannam

Osez les sexfriends, Marie Minelli

Osez le sexe tantrique, Michèle Larue

Osez devenir une femme multiorgasmique, Servane Vergy

Osez le mariage gay & lesbien, Paul Parant

Osez les aphrodisiaques et autres stimulants sexuels, Vincent Vidal

Osez changer de sexe, Axel Léotard

Osez la leçon de fellation, Coralie Trinh Thi

Osez dresser votre mari, Octavie Delvaux

Osez l’infidélité, Pierre Des Esseintes

Osez faire l’amour à Paris, Marc Dannam

Osez booster votre libido, Michèle Larue

Osez l’amour après 60 ans, Roselyne Madelénat

Osez une nuit d’amour parfaite, Marc Dannam

Osez la première fois, Marie Minelli

Osez réussir votre vie sexuelle, Marc Dannam

Osez devenir une bête de sexe, Stéphane Rose

Osez les conseils d’un gay pour faire l’amour à un homme, Érik Rémès

Osez les conseils d’un sexologue pour maîtriser votre éjaculation, Dr Marc Bonnard

Osez être une maman sexy, Ovidie

Osez les secrets d’une experte du sexe pour l’amour qui dure toujours, Servane Vergy

Osez réussir votre vie sexuelle, Marc Dannam

Osez 50 scénarios SM, Octavie Delvaux

Osez les tatouages sexy, David Racana

« Osez », les grands formats

Peut-on être romantique en levrette ?, Maïa Mazaurette & Damien Mascret

La Sexualité féminine de A à Z, Ovidie

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